Bon pour les oreilles

Top 50 albums - Années 2000 (X)

5     Portishead - Third (Go Beat! - 2008)

D'abord il y a eu le doute, l'inquiétude. Après dix ans de silence, que pouvait encore avoir à dire Portishead, héros involontaire d'un genre usé jusqu'à l'os, le trip-hop? Sans doute conscient de ces interrogations, le groupe de Bristol débute justement son troisième album par un morceau intitulé Silence, aux sonorités brutes, industrielles, faisant patienter l'auditeur plus de 3 minutes pour entendre la voix de Beth Gibbons, coupant le courant subitement en fin de parcours. Ou comment déjouer les attentes. Après ça, toutes craintes sont dissipées. Et la suite peut s'apprécier pour elle-même. Krautrock numérique (Machine Gun), post-punk tranchant (We Carry On) ou folk retro (étonnante respiration médiane avec Deep Water), la palette de Portishead s'est élargie, même si restent quelques vestiges d'hier (Hunter, Plastic). Surtout, le groupe de Geoff Barrow est capable de concilier songwriting et production dans un même élan, passant d'une ligne de guitare acoustique à un bourdon synthétique (The Rip), faisant naître la mélodie sous un déluge de percussions (Magic Doors). En muant, Portishead n'a pas perdu son souffle soul et urbain, mais l'a rendu plus fascinant et inconfortable encore.

4     Arcade Fire - Funeral (Merge - 2004)

Pour saisir les vertus alchimiques de cet album, il suffit peut-être de lorgner vers ses admirateurs déclarés, Bono, Bowie, Byrne. Du premier, Arcade Fire retient un souffle héroïque jamais boursoufflé, capable d'enfanter un hymne fédérateur (Wake Up) comme un lyrisme éclatant (Rebellion (Lies)). Avec le deuxième, les Canadiens partagent un incroyable don pour les cocktails post-modernes, mélangeant les époques et les univers sonores avec brio, de l'indie-rock de Neutral Milk Hotel à la pop eighties de New Order (Neighborhood #3 (Power Out)). Du troisième, enfin, Win Butler et ses sbires héritent le refus de la facilité, la volonté de parfaire la mixture, l'art de saisir le monde en une chanson, bancal et bouillonnant (Neighborhood #2 (Laika)), sombre et révolté (Neighborhood #1 (Tunnels)). Et de réussir un disque atemporel, reflet d'une époque et de son passé, à cheval entre les genres et déjà tourné vers demain.

3     LCD Soundsystem - Sound Of Silver (DFA - 2007)

Post-punk synthétique ou post-funk synthétique ? On ne tranchera pas et c’est tant mieux. Pour son second album, James Murphy revisite à sa façon les musiques qu’il préfère, en DJ érudit qu’il est, passionné et passionnant. Les lignes de basse suintent un swing numérique, les rythmiques impriment des variations évolutives et quelques chœurs font pulser l’ensemble. Surtout, une production d’orfèvre permet à l’ensemble de tenir et de gagner en ampleur à mesure que l’album se délite, à mesure des écoutes également. De la longue ouverture Get Innocuous! à l’imparable North American Scum, du sommet All My Friends (petit frère contemporain du Ceremony de New Order, entre la cave et le dancefloor) à une déclaration d’amour enflammée mais critique à sa ville (New York I Love You But You’re Bringing Me Down), LCD Soundsystem condense 50 ans de musique dans ses cartes-son, de Sinatra à Joy Division, de Bowie à Blondie, de PIL à ESG.

2     Radiohead - Kid A (Parlophone - 2000)

Après avoir rallumé la flamme rock durant la décennie précédente, le groupe d’Oxford met en pratique son "Ok computer!" Les circuits intégrés et autres cartes-mère remplacent les guitares le temps d’une plongée dans des mondes numériques. Kid A, l’enfant clone, sanglote de façon robotique sur des plaines digitales, tandis que Thom Yorke invente le blues énervé des années internet (Idioteque) et le psychédélisme des ères virtuelles (Everything In Its Right Place). Reste que si la révolution électronique et la portée de cet album ont marqué les esprits, on aurait tort de n’y voir qu’une rupture, un saut dans un univers parallèle. Radiohead ne renie ni le rock - malgré ses cuivres, qu’est-ce que The National Anthem sinon morceau rock? - ni les guitares. Moins présentent, la six-cordes porte ainsi l’une des plus belles ballades du groupe, secondée par un déluge discret d’ondes martenot (How To Disappear Completely). Vécu comme une révolution à sa sortie, Kid A est avant tout un grand album, fruit d’un groupe alors au-dessus du lot, capable comme aucun autre de prendre le pouls d’une époque.

1     Wilco - Yankee Hotel Foxtrot (Nonesuch - 2002)

Et dire que cet album a failli ne pas voir le jour, refusé par Reprise avant d'être sauvé par Nonesuch! Rien que pour cette histoire - être viré par un sous-label de Warner avant d'être signé par un autre sous-label de Warner - Yankee Hotel Foxtrot mérite sa place tout en haut d'une décennie musicale où l'industrie a implosé, grenouille devenue boeuf. Mais ce serait faire injure à Wilco de ne retenir que l'anecdote. Cet album vaut bien mieux. Epaulé par les virtuoses-dynamiteurs Jim O'Rourke et Glenn Kotche, Jeff Tweedy y donne libre court à son inspiration et emmène son songwriting dans un grand huit aussi sinueux que direct. A l'image du sismique I'm Trying To Break Your Heart où malgré les multiples textures à l'oeuvre survit toujours cette ligne de fuite qui fait les chansons, les morceaux de Wilco trouvent ici l'équilibre entre production travaillée, dérapages surprenants et limpidité mélodique. Le tout sans se départir d'un canevas country-rock, traversé d'inflexions étrangères, de cuivres rutilants (I Am The Man Who Loves You) en tempo pop (Heavy Metal Drummer), d'une électricité légère (Ashes Of American Flags) à un violon bavard (Jesus etc.). Sans esbroufe ni forfanterie, Wilco réussit un disque plein, riche et accessible à la fois, inventif mais surtout généreux, évoquant un classique contemporain à la manière d'un grand disque des Beatles.

5     Portishead - Third (Go Beat! - 2008)

D'abord il y a eu le doute, l'inquiétude. Après dix ans de silence, que pouvait encore avoir à dire Portishead, héros involontaire d'un genre usé jusqu'à l'os, le trip-hop? Sans doute conscient de ces interrogations, le groupe de Bristol débute justement son troisième album par un morceau intitulé Silence, aux sonorités brutes, industrielles, faisant patienter l'auditeur plus de 3 minutes pour entendre la voix de Beth Gibbons, coupant le courant subitement en fin de parcours. Ou comment déjouer les attentes. Après ça, toutes craintes sont dissipées. Et la suite peut s'apprécier pour elle-même. Krautrock numérique (Machine Gun), post-punk tranchant (We Carry On) ou folk retro (étonnante respiration médiane avec Deep Water), la palette de Portishead s'est élargie, même si restent quelques vestiges d'hier (Hunter, Plastic). Surtout, le groupe de Geoff Barrow est capable de concilier songwriting et production dans un même élan, passant d'une ligne de guitare acoustique à un bourdon synthétique (The Rip), faisant naître la mélodie sous un déluge de percussions (Magic Doors). En muant, Portishead n'a pas perdu son souffle soul et urbain, mais l'a rendu plus fascinant et inconfortable encore.

4     Arcade Fire - Funeral (Merge - 2004)

Pour saisir les vertus alchimiques de cet album, il suffit peut-être de lorgner vers ses admirateurs déclarés, Bono, Bowie, Byrne. Du premier, Arcade Fire retient un souffle héroïque jamais boursoufflé, capable d'enfanter un hymne fédérateur (Wake Up) comme un lyrisme éclatant (Rebellion (Lies)). Avec le deuxième, les Canadiens partagent un incroyable don pour les cocktails post-modernes, mélangeant les époques et les univers sonores avec brio, de l'indie-rock de Neutral Milk Hotel à la pop eighties de New Order (Neighborhood #3 (Power Out)). Du troisième, enfin, Win Butler et ses sbires héritent le refus de la facilité, la volonté de parfaire la mixture, l'art de saisir le monde en une chanson, bancal et bouillonnant (Neighborhood #2 (Laika)), sombre et révolté (Neighborhood #1 (Tunnels)). Et de réussir un disque atemporel, reflet d'une époque et de son passé, à cheval entre les genres et déjà tourné vers demain.

3     LCD Soundsystem - Sound Of Silver (DFA - 2007)

Post-punk synthétique ou post-funk synthétique ? On ne tranchera pas et c’est tant mieux. Pour son second album, James Murphy revisite à sa façon les musiques qu’il préfère, en DJ érudit qu’il est, passionné et passionnant. Les lignes de basse suintent un swing numérique, les rythmiques impriment des variations évolutives et quelques chœurs font pulser l’ensemble. Surtout, une production d’orfèvre permet à l’ensemble de tenir et de gagner en ampleur à mesure que l’album se délite, à mesure des écoutes également. De la longue ouverture Get Innocuous! à l’imparable North American Scum, du sommet All My Friends (petit frère contemporain du Ceremony de New Order, entre la cave et le dancefloor) à une déclaration d’amour enflammée mais critique à sa ville (New York I Love You But You’re Bringing Me Down), LCD Soundsystem condense 50 ans de musique dans ses cartes-son, de Sinatra à Joy Division, de Bowie à Blondie, de PIL à ESG.

2     Radiohead - Kid A (Parlophone - 2000)

Après avoir rallumé la flamme rock durant la décennie précédente, le groupe d’Oxford met en pratique son "Ok computer!" Les circuits intégrés et autres cartes-mère remplacent les guitares le temps d’une plongée dans des mondes numériques. Kid A, l’enfant clone, sanglote de façon robotique sur des plaines digitales, tandis que Thom Yorke invente le blues énervé des années internet (Idioteque) et le psychédélisme des ères virtuelles (Everything In Its Right Place). Reste que si la révolution électronique et la portée de cet album ont marqué les esprits, on aurait tort de n’y voir qu’une rupture, un saut dans un univers parallèle. Radiohead ne renie ni le rock - malgré ses cuivres, qu’est-ce que The National Anthem sinon morceau rock? - ni les guitares. Moins présentent, la six-cordes porte ainsi l’une des plus belles ballades du groupe, secondée par un déluge discret d’ondes martenot (How To Disappear Completely). Vécu comme une révolution à sa sortie, Kid A est avant tout un grand album, fruit d’un groupe alors au-dessus du lot, capable comme aucun autre de prendre le pouls d’une époque.

1     Wilco - Yankee Hotel Foxtrot (Nonesuch - 2002)

Et dire que cet album a failli ne pas voir le jour, refusé par Reprise avant d'être sauvé par Nonesuch! Rien que pour cette histoire - être viré par un sous-label de Warner avant d'être signé par un autre sous-label de Warner - Yankee Hotel Foxtrot mérite sa place tout en haut d'une décennie musicale où l'industrie a implosé, grenouille devenue boeuf. Mais ce serait faire injure à Wilco de ne retenir que l'anecdote. Cet album vaut bien mieux. Epaulé par les virtuoses-dynamiteurs Jim O'Rourke et Glenn Kotche, Jeff Tweedy y donne libre court à son inspiration et emmène son songwriting dans un grand huit aussi sinueux que direct. A l'image du sismique I'm Trying To Break Your Heart où malgré les multiples textures à l'oeuvre survit toujours cette ligne de fuite qui fait les chansons, les morceaux de Wilco trouvent ici l'équilibre entre production travaillée, dérapages surprenants et limpidité mélodique. Le tout sans se départir d'un canevas country-rock, traversé d'inflexions étrangères, de cuivres rutilants (I Am The Man Who Loves You) en tempo pop (Heavy Metal Drummer), d'une électricité légère (Ashes Of American Flags) à un violon bavard (Jesus etc.). Sans esbroufe ni forfanterie, Wilco réussit un disque plein, riche et accessible à la fois, inventif mais surtout généreux, évoquant un classique contemporain à la manière d'un grand disque des Beatles.

Top 50 albums - Années 2000 (IX)

10     Grandaddy - The Sophtware Slump (V2 - 2000)

Tandis que Radiohead récoltait les lauriers pour son OK aux ordinateurs et son clône Kid A, Grandaddy restait dans l'ombre. Pourtant, son clavier éclaté, son humanoïde Jed et son rock spatial méritent la mention. Et mieux même! Dès le séminal He's Simple, He's Dumb, He's The Pilot en introduction, les barbus de Modesto envoient leur musique sur orbite. Elle n'en redescendra (presque) jamais. Rock lo-fi (Hewlett's Daughter), pop psyché (The Crystal Lake) et élégies brumeuses (Jed The Humanoid, Jed's Other Poem) se succèdent dans une atmosphère surannée et bricolée, pleine de synthés cheap et d'un chant aérien, évoquant aussi bien Air qu'Electric Light Orchestra. Et même si le milieu d'album redescend d'un cran, l'incroyable envolée finale (Miner At The Dial-A-View puis So You'll Aim Toward The Sky) ramène ce Sophtware Slump vers des hauteurs que peu sont capables de fréquenter.

9     Earth - Hex; Or Printing In The Infernal Method (Southern Lord - 2005)

Artificier en chef des drones saturés, lourds et étirés, Dylan Carlson s'offre le Far West. Et en soulève la poussière à grands coups de six-cordes amplifiée.  Le western est lent, écrasant, suffocant. Earth dérive en des territoires décharnés, brodant des thèmes de guitares - slide ou électrique - qui dépouillent rock et country à l'extrême, sans se départir d'un canevas rythmique pesant. marque de son habituel drone doom. Le souffle est cinématographique,  esquissant des paysages qu'on imagine sombres, hantés, abandonnés, évoquant aussi bien David Lynch qu'une version démultipliée du score composé par Neil Young pour le Dead Man de Jim Jarmush. Le sous-titre de l'album - Or Printing In The Infernal Method - est d'ailleurs emprunté au poète William Blake, dont le personnage incarné par Johnny Depp usurpait le nom. 

8     Antony and the Johnsons - I Am A Bird Now (Secretly Canadian - 2005)

Venue de l'underground, une nouvelle voix soul s'impose, mi-freak, mi-queer. A sa façon, sans concession, Antony Hegarty incarne la diva des années 2000, fêlée, fragile, impudique. Seul, au piano, l'Anglais exilé à New York chante sa peur de mourir - et de mourir seul - entre pathos en suspension et envolée lyrique (Hope There's Someone). Invitant ses frères de peine Boy George et Rufus Wainwright, il revendique sa dualité et ses doutes, dans des élans kitsch qui pourtant touchent au coeur, You Are My Sister en tête. Epaulé par son parrain Lou Reed - guitariste, narrateur - il revisite les canons soul d'un autre temps, sans se faire piéger par la patine vintage, ni l'exercice de style (Fistful Of Love). Comme la photo d'Andy Warhol qui orne sa pochette, I Am A Bird Now insuffle un magnétisme funèbre et suranné à la fois à une confession personnelle jusqu'au bout des notes, manifeste intime et extraterrestre pour une soul moderne.

7     Bon Iver - For Emma, Forever Ago (Jagjaguwar/4AD - 2008)

C'est la classique histoire du musicien au coeur brisé, s'isolant pour panser et conter ses plaies. Sauf que Justin Vernon fait mieux que s'apitoyer. Dans sa cabane perdue dans la forêt, il se réinvente un monde, poussant son songwriting vers des rivages surprenants, ajoutant tant et tant d'instruments qu'en naît une musique quasi-inouïe, hantée et impressionniste. Coupé du monde, perdu dans des pensées qui l'emmènent loin, loin, Bon Iver façonne un folk ouvert, constamment prêt à plonger dans l'intime comme à s'envoler vers ailleurs. Un folk aux arrangements bout de ficelle - Vernon est derrière chaque instrument - capables pourtant de donner corps à une symphonie naturaliste, passant du dénuement le plus complet à des vibrations orchestrales, portée par une voix qui n'en évoque aucune autre et devient porte-parole de nos émotions les plus enfouies.

6     Sigur Rós - Agaetis Byrjun (Fat Cat - 2000)

De l'Islande, on connaissait jusque là l'electro organique de Björk et, surtout, son Jóga sismique évoquant les mouvements de terrain de l'île. Désormais, grâce à Sigur Rós, on découvre son panorama glacial et brûlant à la fois, ses neiges et ses volcans, ses nuits sans fin et ses jours blancs éclatants. Paysagiste sonore, le groupe de Reyjkavik est également artificier, esquissant des territoires aqueux (Staralfur) ou magnétiques (Svefn-G-Englar), puis s'emportant dans des charges guerrières (Ny Batteri), avant d'oser un romantisme d'un autre temps, toutes cordes dehors (Vidrar Vel Til Loftarasa). Onirique, organique et lyrique, Agaetis Byrjun est une oeuvre riche en dédales et en instants de grâce, souvent enchanteresse, parfois courageuse mais jamais frileuse. Un grand disque, tout simplement, inépuisable, aux confins des genres.

10     Grandaddy - The Sophtware Slump (V2 - 2000)

Tandis que Radiohead récoltait les lauriers pour son OK aux ordinateurs et son clône Kid A, Grandaddy restait dans l'ombre. Pourtant, son clavier éclaté, son humanoïde Jed et son rock spatial méritent la mention. Et mieux même! Dès le séminal He's Simple, He's Dumb, He's The Pilot en introduction, les barbus de Modesto envoient leur musique sur orbite. Elle n'en redescendra (presque) jamais. Rock lo-fi (Hewlett's Daughter), pop psyché (The Crystal Lake) et élégies brumeuses (Jed The Humanoid, Jed's Other Poem) se succèdent dans une atmosphère surannée et bricolée, pleine de synthés cheap et d'un chant aérien, évoquant aussi bien Air qu'Electric Light Orchestra. Et même si le milieu d'album redescend d'un cran, l'incroyable envolée finale (Miner At The Dial-A-View puis So You'll Aim Toward The Sky) ramène ce Sophtware Slump vers des hauteurs que peu sont capables de fréquenter.

9     Earth - Hex; Or Printing In The Infernal Method (Southern Lord - 2005)

Artificier en chef des drones saturés, lourds et étirés, Dylan Carlson s'offre le Far West. Et en soulève la poussière à grands coups de six-cordes amplifiée.  Le western est lent, écrasant, suffocant. Earth dérive en des territoires décharnés, brodant des thèmes de guitares - slide ou électrique - qui dépouillent rock et country à l'extrême, sans se départir d'un canevas rythmique pesant. marque de son habituel drone doom. Le souffle est cinématographique,  esquissant des paysages qu'on imagine sombres, hantés, abandonnés, évoquant aussi bien David Lynch qu'une version démultipliée du score composé par Neil Young pour le Dead Man de Jim Jarmush. Le sous-titre de l'album - Or Printing In The Infernal Method - est d'ailleurs emprunté au poète William Blake, dont le personnage incarné par Johnny Depp usurpait le nom. 

8     Antony and the Johnsons - I Am A Bird Now (Secretly Canadian - 2005)

Venue de l'underground, une nouvelle voix soul s'impose, mi-freak, mi-queer. A sa façon, sans concession, Antony Hegarty incarne la diva des années 2000, fêlée, fragile, impudique. Seul, au piano, l'Anglais exilé à New York chante sa peur de mourir - et de mourir seul - entre pathos en suspension et envolée lyrique (Hope There's Someone). Invitant ses frères de peine Boy George et Rufus Wainwright, il revendique sa dualité et ses doutes, dans des élans kitsch qui pourtant touchent au coeur, You Are My Sister en tête. Epaulé par son parrain Lou Reed - guitariste, narrateur - il revisite les canons soul d'un autre temps, sans se faire piéger par la patine vintage, ni l'exercice de style (Fistful Of Love). Comme la photo d'Andy Warhol qui orne sa pochette, I Am A Bird Now insuffle un magnétisme funèbre et suranné à la fois à une confession personnelle jusqu'au bout des notes, manifeste intime et extraterrestre pour une soul moderne.

7     Bon Iver - For Emma, Forever Ago (Jagjaguwar/4AD - 2008)

C'est la classique histoire du musicien au coeur brisé, s'isolant pour panser et conter ses plaies. Sauf que Justin Vernon fait mieux que s'apitoyer. Dans sa cabane perdue dans la forêt, il se réinvente un monde, poussant son songwriting vers des rivages surprenants, ajoutant tant et tant d'instruments qu'en naît une musique quasi-inouïe, hantée et impressionniste. Coupé du monde, perdu dans des pensées qui l'emmènent loin, loin, Bon Iver façonne un folk ouvert, constamment prêt à plonger dans l'intime comme à s'envoler vers ailleurs. Un folk aux arrangements bout de ficelle - Vernon est derrière chaque instrument - capables pourtant de donner corps à une symphonie naturaliste, passant du dénuement le plus complet à des vibrations orchestrales, portée par une voix qui n'en évoque aucune autre et devient porte-parole de nos émotions les plus enfouies.

6     Sigur Rós - Agaetis Byrjun (Fat Cat - 2000)

De l'Islande, on connaissait jusque là l'electro organique de Björk et, surtout, son Jóga sismique évoquant les mouvements de terrain de l'île. Désormais, grâce à Sigur Rós, on découvre son panorama glacial et brûlant à la fois, ses neiges et ses volcans, ses nuits sans fin et ses jours blancs éclatants. Paysagiste sonore, le groupe de Reyjkavik est également artificier, esquissant des territoires aqueux (Staralfur) ou magnétiques (Svefn-G-Englar), puis s'emportant dans des charges guerrières (Ny Batteri), avant d'oser un romantisme d'un autre temps, toutes cordes dehors (Vidrar Vel Til Loftarasa). Onirique, organique et lyrique, Agaetis Byrjun est une oeuvre riche en dédales et en instants de grâce, souvent enchanteresse, parfois courageuse mais jamais frileuse. Un grand disque, tout simplement, inépuisable, aux confins des genres.

Top 50 albums - Années 2000 (VIII)

15     Alain Bashung - L'imprudence (Barclay - 2002)

Imprudent Bashung? Oui. Mais en grand équilibriste, il traverse avec brio l'univers orchestral et sismique de L'imprudence. Et peut désormais regarder de loin la chanson française. Si Fantaisie militaire tordait déjà les codes avec bonheur, cet album va plus loin encore. Confiant dans ses compagnons de route, Alain Bashung oscille entre l'interprète et le chef d'orchestre. Choisissant les sons et les mots des autres, il les ordonne à sa sauce, grand architecte d'un monde en construction, tourné vers l'avant. Sa voix fait le reste, diction claire et pâteuse à la fois, inflexions infimes donnant corps aux rimes les plus incongrus ("Tel Machiavel, tel Abel Gance, tel Guillaume Tell, à quoi tu penses?"), tandis que les instrumentations se disloquent ou décollent à l'arrière-plan. Ceux qui suivront cette route paieront leur imprudence. Bashung, lui, laisse un chef-d'oeuvre sombre.

14     The Flaming Lips - Embryonic (Warner - 2009)

Couronné de lauriers en 1999 avec The Soft Bulletin, The Flaming Lips a opté pour une approche plus pop durant la décennie suivante, enfantant des tubes patentés (Do You Realize, The Yeah Yeah Yeah Song) et une descendance (MGMT). Avant de recouvrer son goût pour l'expérimentation en 2009. Forts de ce mojo retrouvé, Wayne Coyne et sa bande se lancent à la recherche du temps perdu et osent un festin sonique sur cet Embryonic bien plus abouti que son nom ne l'annonce. De Pink Floyd à Can, The Flaming Lips fait main basse sur l'héritage des héros d'hier, entre structures à tiroirs et dérives spatiales, y ajoutant un son neuf. Le tout sans renier cette touche d'humour qui fait son sel, à l'image de I Can Be A Frog, duo régressif et décalé avec Karen O. Résultat: un chef-d'oeuvre psyché in extremis pour la décennie.

13     The National - Boxer (Beggars - 2007)

A l'image de sa pochette, Boxer fait la part belle au clair-obscur et à l'électricité rampante, distillant une mélancolie venimeuse cachée sous un costume de velours. Grave et pâteuse, la voix de crooner de Matt Berninger évoque Nick Cave ou Stuart Staples, tandis que les instrumentations trouvent un équilibre rare entre nervosité assumée (Squalor Victoria), épure feutrée (Racing Like A Pro) et arrangements variés (magnifique Ada). Un déluge de cuivres recouvre un mélodie entêtante (Fake Empire), le phrasé de Berninger tient l'édifice face à des rythmiques débridées (Mistaken For Strangers, Brainy), le dénuement ouvre sur la grâce (Green Gloves, Start A War). Aussi fin dans son songwriting que maître de ses coups de sang, Boxer est un sommet de rock noir, entre spleen et romantisme.

12     Animal Collective - Strawberry Jam (Domino - 2007)

Moins foutraque et expérimental qu'à ses débuts, Animal Collective ose pour la première fois cultiver son côté mélodique du début à la fin d'un album. Du frénétique Peacebone à la transe tribale de Derek, le collectif new-yorkais domestique son écriture et ses élans, mélange les genres avec une aisance nouvelle et évite les plages trop étirées où il se perdait parfois. Surtout, il parvient à développer ses morceaux et à les concilier à ses idées, jusqu'à en extraire tout le potentiel, à la manière du diptyque Reverend Green/Fireworks où se télescopent aspirations pop et aspérités rock, refrains beach-boyesques et cris primitifs, gimmicks de piano et rythmiques épileptiques. Rugueux, trituré, inventif et sur le vif, Strawberry Jam donne des couleurs à la pop en l'embarquant dans un carnaval animal.

11     Beth Gibbons & Rustin Man - Out Of Season (Go Beat - 2002)

Retour aux sources pour la chanteuse de Portishead qui, avant l'explosion trip-hop, prêta sa voix à .O.rang, projet des ex-Talk Talk Lee Harris et Paul Webb. Devenu Rustin Man, ce dernier retrouve Beth Gibbons pour un album atypique, aussi éloigné du downtempo grinçant de Portishead que des expérimentations rock de l'ère post-Talk Talk. Explorant des territoires folk et soul, le duo convoque les fantômes seventies le temps d'une dérive brumeuse et nostalgique. On pense à Nick Drake (notamment sur le magnifique Drake), à Nina Simone ou encore à Janis Joplin. Surtout, on reste bouche bée devant les arrangements, pleins et discrets à la fois - à l'exception d'un Tom The Model cinématographique à outrance. Pour le reste, choeurs, cuivres et cordes rhabillent avec délicatesse des chansons fragiles et fortes à la fois, à l'émotion vibrante.

15     Alain Bashung - L'imprudence (Barclay - 2002)

Imprudent Bashung? Oui. Mais en grand équilibriste, il traverse avec brio l'univers orchestral et sismique de L'imprudence. Et peut désormais regarder de loin la chanson française. Si Fantaisie militaire tordait déjà les codes avec bonheur, cet album va plus loin encore. Confiant dans ses compagnons de route, Alain Bashung oscille entre l'interprète et le chef d'orchestre. Choisissant les sons et les mots des autres, il les ordonne à sa sauce, grand architecte d'un monde en construction, tourné vers l'avant. Sa voix fait le reste, diction claire et pâteuse à la fois, inflexions infimes donnant corps aux rimes les plus incongrus ("Tel Machiavel, tel Abel Gance, tel Guillaume Tell, à quoi tu penses?"), tandis que les instrumentations se disloquent ou décollent à l'arrière-plan. Ceux qui suivront cette route paieront leur imprudence. Bashung, lui, laisse un chef-d'oeuvre sombre.

14     The Flaming Lips - Embryonic (Warner - 2009)

Couronné de lauriers en 1999 avec The Soft Bulletin, The Flaming Lips a opté pour une approche plus pop durant la décennie suivante, enfantant des tubes patentés (Do You Realize, The Yeah Yeah Yeah Song) et une descendance (MGMT). Avant de recouvrer son goût pour l'expérimentation en 2009. Forts de ce mojo retrouvé, Wayne Coyne et sa bande se lancent à la recherche du temps perdu et osent un festin sonique sur cet Embryonic bien plus abouti que son nom ne l'annonce. De Pink Floyd à Can, The Flaming Lips fait main basse sur l'héritage des héros d'hier, entre structures à tiroirs et dérives spatiales, y ajoutant un son neuf. Le tout sans renier cette touche d'humour qui fait son sel, à l'image de I Can Be A Frog, duo régressif et décalé avec Karen O. Résultat: un chef-d'oeuvre psyché in extremis pour la décennie.

13     The National - Boxer (Beggars - 2007)

A l'image de sa pochette, Boxer fait la part belle au clair-obscur et à l'électricité rampante, distillant une mélancolie venimeuse cachée sous un costume de velours. Grave et pâteuse, la voix de crooner de Matt Berninger évoque Nick Cave ou Stuart Staples, tandis que les instrumentations trouvent un équilibre rare entre nervosité assumée (Squalor Victoria), épure feutrée (Racing Like A Pro) et arrangements variés (magnifique Ada). Un déluge de cuivres recouvre un mélodie entêtante (Fake Empire), le phrasé de Berninger tient l'édifice face à des rythmiques débridées (Mistaken For Strangers, Brainy), le dénuement ouvre sur la grâce (Green Gloves, Start A War). Aussi fin dans son songwriting que maître de ses coups de sang, Boxer est un sommet de rock noir, entre spleen et romantisme.

12     Animal Collective - Strawberry Jam (Domino - 2007)

Moins foutraque et expérimental qu'à ses débuts, Animal Collective ose pour la première fois cultiver son côté mélodique du début à la fin d'un album. Du frénétique Peacebone à la transe tribale de Derek, le collectif new-yorkais domestique son écriture et ses élans, mélange les genres avec une aisance nouvelle et évite les plages trop étirées où il se perdait parfois. Surtout, il parvient à développer ses morceaux et à les concilier à ses idées, jusqu'à en extraire tout le potentiel, à la manière du diptyque Reverend Green/Fireworks où se télescopent aspirations pop et aspérités rock, refrains beach-boyesques et cris primitifs, gimmicks de piano et rythmiques épileptiques. Rugueux, trituré, inventif et sur le vif, Strawberry Jam donne des couleurs à la pop en l'embarquant dans un carnaval animal.

11     Beth Gibbons & Rustin Man - Out Of Season (Go Beat - 2002)

Retour aux sources pour la chanteuse de Portishead qui, avant l'explosion trip-hop, prêta sa voix à .O.rang, projet des ex-Talk Talk Lee Harris et Paul Webb. Devenu Rustin Man, ce dernier retrouve Beth Gibbons pour un album atypique, aussi éloigné du downtempo grinçant de Portishead que des expérimentations rock de l'ère post-Talk Talk. Explorant des territoires folk et soul, le duo convoque les fantômes seventies le temps d'une dérive brumeuse et nostalgique. On pense à Nick Drake (notamment sur le magnifique Drake), à Nina Simone ou encore à Janis Joplin. Surtout, on reste bouche bée devant les arrangements, pleins et discrets à la fois - à l'exception d'un Tom The Model cinématographique à outrance. Pour le reste, choeurs, cuivres et cordes rhabillent avec délicatesse des chansons fragiles et fortes à la fois, à l'émotion vibrante.

Top 50 albums - Années 2000 (VII)

20     Patrick Watson - Close To Paradise (Secret City - 2007)

Entre Erik Satie et Robert Wyatt, Patrick Watson a choisi de ne pas choisir. Et conte une odyssée qui doit autant à la pop psyché qu'aux musiques expérimentales. Enchanteur, explorateur et défricheur, Close To Paradise marie à merveille instrumentations inventives et mélodies limpides. Giver et Luscious Life évoquent ainsi ce qu'aurait pu être Coldplay si Chris Martin avait laissé aux vestiaires ses rêves de grandeur pour cultiver le sillon inaugural Don't Panic. Plus rugueux, Weight Of The World dessine un cirque abandonné visité par Tom Waits, tandis que The Storm tresse une ballade folk brumeuse et The Great Escape une berceuse apaisante au piano. Contemporain d'un monde bigarré où règnent M, Sigur Rós ou encore Coldplay, Patrick Watson prend un brin de chacun pour les ajouter à son cocktail personnel, formule magique onirique sans jamais être kitsch.

19     The Knife - Silent Shout (Rabid - 2006)

Oscillant entre techno minimale et electro-pop, le duo suédois tisse des brumes synthétiques froides et fascinantes à la fois. Jouant d'une palette sonore surannée, de rythmiques rachitiques et de mélodies répétitives, Olof Drejer façonne un tapis instrumental pour la voix hantée de sa soeur Karin. Comme sur l'inquiétant The Captain et ses paysages polaires soudain fendus par une voix de sorcière numérique. Ou sur le glaçant We Share Our Mother's Health, qui dépoussière l'héritage de Depeche Mode, entre Bontempi et industriel. Une plongée en territoire eighties qui se poursuit sur Marble House, bijou de pop synthétique et mélancolique porté par la voix de Jay-Jay Johanson. Aussi érudit qu'inventif, The Knife donne ses lettres de noblesse à une certaine electro, loin du rock comme des dancefloors.

18     Bonnie 'Prince' Billy - The Letting Go (Drag City/Domino - 2006)

Parti traîner ses guêtres dans l'Islande de Valgeir Sigurdsson, Will Oldham en ramène son album le plus atypique. Arrangé et aérien, The Letting Go rompt avec l'esprit lo-fi comme avec l'héritage des Appalaches. Secondé par l'impeccable Dawn McCarty aux choeurs et posé sur un tapis de corde, le songwriting de Bonnie 'Prince' Billy épouse des courbes nouvelles, plus léchées et orchestrées, ne tournant pas pour autant le dos au folk et à la country - à l'image du joueur No Bad News ou de la ritournelle Love Comes To Me - ni à ses inclinaisons plus rêches (The Seedling) ou malingres (Wai). Mais préfère un rayon de soleil nordique à la noirceur habittuelle. Accueillant comme jamais, ce drôle d'Oldham prouve qu'il a encore quelques belles surprises en réserve.

17     The Notwist - Neon Golden (City Slang - 2002)

Rarement pop et electro se sont mariés avec un tel naturel. Pour peu, on penserait au New Order de Power, Corruption & Lies, pour ses sonorités hybrides comme ses mélodies limpides. Reste que si Neon Golden séduit par cette impression de simplicité, les apparences sont trompeuses. Au fil des écoutes, textures et écritures se révèlent, démontrant une maîtrise du songwriting comme des travaux en laboratoire, faisant craquer le bois des violons (One Step Inside Doesn't Meant You Understand) comme les cartes sons des machines (Off The Rail). Dansant (Pilot), poignant (Pick Up The Phone) ou planant (This Room), The Notwist concilie à la perfection électricité, électronique et acoustique. Et signe un classique intime et synthétique à la fois.

16     Fugazi - The Argument (Dischord - 2001)

Poursuivant l'oeuvre de sophistication de ses élans post-hardcore, le combo de Washington clôt son histoire avec un album aussi maîtrisé qu'aventurier S'ouvrant sur un drône de cordes, The Argument prend un malin plaisir à varier les directions ensuite, porté par une section rythmique parfaite et des riffs tranchants. Sans jamais se départir d'une tension larvée ou rentrée, Fugazi passe d'une rage abrasive (Cashout, Full Disclosure) à des incises plus pop, grâce à des parties de guitares déliées et quelques harmonies vocales lorgnant presque du côté d'Elliott Smith (Life And Lime, Strangelight). A l'image d'Epic Problems, débuté à la manière télégramme crié - "Stop, stop, stop, stop, stop" -  avant une rupture acoustique soudaine, remodelant la fin, McKaye et ses comparses se réconcilient avec les mélodies tout en prenant un malin plaisir à les tordre et les violenter, façonnant un rock brûlant, tendu et ciselé à la fois.

20     Patrick Watson - Close To Paradise (Secret City - 2007)

Entre Erik Satie et Robert Wyatt, Patrick Watson a choisi de ne pas choisir. Et conte une odyssée qui doit autant à la pop psyché qu'aux musiques expérimentales. Enchanteur, explorateur et défricheur, Close To Paradise marie à merveille instrumentations inventives et mélodies limpides. Giver et Luscious Life évoquent ainsi ce qu'aurait pu être Coldplay si Chris Martin avait laissé aux vestiaires ses rêves de grandeur pour cultiver le sillon inaugural Don't Panic. Plus rugueux, Weight Of The World dessine un cirque abandonné visité par Tom Waits, tandis que The Storm tresse une ballade folk brumeuse et The Great Escape une berceuse apaisante au piano. Contemporain d'un monde bigarré où règnent M, Sigur Rós ou encore Coldplay, Patrick Watson prend un brin de chacun pour les ajouter à son cocktail personnel, formule magique onirique sans jamais être kitsch.

19     The Knife - Silent Shout (Rabid - 2006)

Oscillant entre techno minimale et electro-pop, le duo suédois tisse des brumes synthétiques froides et fascinantes à la fois. Jouant d'une palette sonore surannée, de rythmiques rachitiques et de mélodies répétitives, Olof Drejer façonne un tapis instrumental pour la voix hantée de sa soeur Karin. Comme sur l'inquiétant The Captain et ses paysages polaires soudain fendus par une voix de sorcière numérique. Ou sur le glaçant We Share Our Mother's Health, qui dépoussière l'héritage de Depeche Mode, entre Bontempi et industriel. Une plongée en territoire eighties qui se poursuit sur Marble House, bijou de pop synthétique et mélancolique porté par la voix de Jay-Jay Johanson. Aussi érudit qu'inventif, The Knife donne ses lettres de noblesse à une certaine electro, loin du rock comme des dancefloors.

18     Bonnie 'Prince' Billy - The Letting Go (Drag City/Domino - 2006)

Parti traîner ses guêtres dans l'Islande de Valgeir Sigurdsson, Will Oldham en ramène son album le plus atypique. Arrangé et aérien, The Letting Go rompt avec l'esprit lo-fi comme avec l'héritage des Appalaches. Secondé par l'impeccable Dawn McCarty aux choeurs et posé sur un tapis de corde, le songwriting de Bonnie 'Prince' Billy épouse des courbes nouvelles, plus léchées et orchestrées, ne tournant pas pour autant le dos au folk et à la country - à l'image du joueur No Bad News ou de la ritournelle Love Comes To Me - ni à ses inclinaisons plus rêches (The Seedling) ou malingres (Wai). Mais préfère un rayon de soleil nordique à la noirceur habittuelle. Accueillant comme jamais, ce drôle d'Oldham prouve qu'il a encore quelques belles surprises en réserve.

17     The Notwist - Neon Golden (City Slang - 2002)

Rarement pop et electro se sont mariés avec un tel naturel. Pour peu, on penserait au New Order de Power, Corruption & Lies, pour ses sonorités hybrides comme ses mélodies limpides. Reste que si Neon Golden séduit par cette impression de simplicité, les apparences sont trompeuses. Au fil des écoutes, textures et écritures se révèlent, démontrant une maîtrise du songwriting comme des travaux en laboratoire, faisant craquer le bois des violons (One Step Inside Doesn't Meant You Understand) comme les cartes sons des machines (Off The Rail). Dansant (Pilot), poignant (Pick Up The Phone) ou planant (This Room), The Notwist concilie à la perfection électricité, électronique et acoustique. Et signe un classique intime et synthétique à la fois.

16     Fugazi - The Argument (Dischord - 2001)

Poursuivant l'oeuvre de sophistication de ses élans post-hardcore, le combo de Washington clôt son histoire avec un album aussi maîtrisé qu'aventurier S'ouvrant sur un drône de cordes, The Argument prend un malin plaisir à varier les directions ensuite, porté par une section rythmique parfaite et des riffs tranchants. Sans jamais se départir d'une tension larvée ou rentrée, Fugazi passe d'une rage abrasive (Cashout, Full Disclosure) à des incises plus pop, grâce à des parties de guitares déliées et quelques harmonies vocales lorgnant presque du côté d'Elliott Smith (Life And Lime, Strangelight). A l'image d'Epic Problems, débuté à la manière télégramme crié - "Stop, stop, stop, stop, stop" -  avant une rupture acoustique soudaine, remodelant la fin, McKaye et ses comparses se réconcilient avec les mélodies tout en prenant un malin plaisir à les tordre et les violenter, façonnant un rock brûlant, tendu et ciselé à la fois.

Top 50 albums - Années 2000 (VI)

25     Rachel's - Systems/Layers (Quarterstick - 2003)

Rarement disque aura autant mérité le titre de symphonie urbaine. Pour sa collaboration avec la compagnie théâtrale SITI, le trio de Louisville a demandé la contribution de ses auditeurs, invités à livrer leurs enregistrements de sons urbains. Ceux-ci ont ensuite été intégrés à l'oeuvre. A mesure que Rachel's déroule sa partition, on peut ainsi entendre des voitures au Japon, le métro de Boston ou encore un vendeur de glaces à Bruxelles. Panorama étrange et hypnotique, Systems/Layers varie ensuite les ambiances musicales, entre passages orchestrés et dépouillés, mélodies abstraites et classieuses, soli de piano et partie chantée (magnifique Shannon Wright sur Last Things Last). Evoquant Steve Reich, la ville mise en musique par Rachel's est aussi fascinante qu'accueillante.

24     Queens Of The Stone Age - Songs For The Deaf (Columbia - 2002)

Et Josh Homme devint roi. Prince du stoner, grand timonier des Desert Sessions, le roux rocker réussit un disque électrique et explosif, lourd et mélodique, prompt à convertir un large public à son culte à guitares. Epaulé par quelques mercenaires de choix - en tête Dave Grohl et Mark Lanegan - Queens Of The Stone Age se lance pied au plancher dans une virée rock'n'roll qui convoque heavy vintage, blues déglingué et riffs héroïques pour le voyage. Déluges telluriques (First It Giveth, A Song For The Dead), accélération effrénée (One With The Flow et son piano revenu de l'enfer). poussière du désert (No One Knows) ou torch-song irrésistible (Another Love Song), Songs For The Deaf recèle un héritage rock touffu, parfaitement domestiqué par Homme, succédant à Jon Spencer pour le titre d'Elvis de l'époque.

23     Micah P. Hinson & The Gospel Of Progress - s/t (Overcoat/Full Time Hobby - 2004)

Cowboy au visage poupin - entre Buddy Holly et Elvis Costello - Micah P. Hinson façonne une Americana contemporaine, pleine à la fois d'incises pop (choeurs, sonorités aqueuses, mélodies douces et discrètes) et de tensions brûlantes (galops rythmiques, guitares crissantes, lignes acoustiques obsédantes). Une ballade romantique se crashe dans un final hanté (Close Your Eyes), une ritournelle légère se pare d'arrangements inquiétants (Beneath The Rose), un gimmick minimal accouche d'un orage sombre (Don't You Forget) dans ce Far West sépia et strié de déchirures. Obscures et riches, les chansons de ce premier album révèle un songwriter suintant une mélancolie crasse, seul capable de transformer une complainte brève et dépouillée en épopée country au ralenti (The Day Texas Sank To The Bottom Of The Sea).

22     Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-la-la Band + Choir - "This Is Our Punk Rock", Thee Rusted Satellites Gather + Sing (Constellation - 2003)

Abandonnant ses champs décharnés et instrumentaux, le collectif montréalais  donne de la voix sur ce troisième album et invente un folk-rock rugueux et lo-fi qui s'abreuve à de multiples sources. D'une chorale minimaliste et répétitive (Sow Some Lonesome Corners So Many Flowers Bloom) à une lamentation éraillée et élégiaque (Goodbye Desolate Railyard), A Silver Mt. Zion change de cap sans renier les titres à rallonge ni l'emphase instrumentale. Reste que c'est dans l'électricité rêche que le groupe réussit au mieux sa mue, avec deux morceaux médians posant les bases d'un songwriting abrasif et étendu, où plainte et rage se confondent en un râle vibrant. Efrim et ses comparses trouvent leur identité post-GYBE!, plus lumineux et poignants qu'ils ne le seront jamais ensuite.

21     Broken Social Scene - You Forgot It In People (Arts & Crafts/City Slang - 2002)

Avant cet album, on imaginait le Canada comme une plaine post-rock et le Québec comme une terre de chanteuses à voix. Après, plus rien ne fut pareil. Premier ambassadeur d'une scène nationale en pleine ébullition - suivront Unicorn, Arcade Fire, Patrick Watson, Malajube ou encore Metric - Broken Social Scene est un vivier où se croisent des songwriters de classe (Kevin Drew, Jason Collett), des voix à peine écloses (Feist, Emily Haynes) et des musiciens virtuoses (Charles Spearin, Brendan Canning). Et donne naissance à une pop protéiforme, aux changements de rythmes constants (KC Accidental), soudain sprinteuse (Almost Crimes) puis rêveuse (Pacific Theme) ou joliment lo-fi (Anthems For A Seventeen Year Old Girl). Disque à tiroirs et à mélodies, You Forgot It In People a changé le visage du Canada, soudain autre pays de la pop.

25     Rachel's - Systems/Layers (Quarterstick - 2003)

Rarement disque aura autant mérité le titre de symphonie urbaine. Pour sa collaboration avec la compagnie théâtrale SITI, le trio de Louisville a demandé la contribution de ses auditeurs, invités à livrer leurs enregistrements de sons urbains. Ceux-ci ont ensuite été intégrés à l'oeuvre. A mesure que Rachel's déroule sa partition, on peut ainsi entendre des voitures au Japon, le métro de Boston ou encore un vendeur de glaces à Bruxelles. Panorama étrange et hypnotique, Systems/Layers varie ensuite les ambiances musicales, entre passages orchestrés et dépouillés, mélodies abstraites et classieuses, soli de piano et partie chantée (magnifique Shannon Wright sur Last Things Last). Evoquant Steve Reich, la ville mise en musique par Rachel's est aussi fascinante qu'accueillante.

24     Queens Of The Stone Age - Songs For The Deaf (Columbia - 2002)

Et Josh Homme devint roi. Prince du stoner, grand timonier des Desert Sessions, le roux rocker réussit un disque électrique et explosif, lourd et mélodique, prompt à convertir un large public à son culte à guitares. Epaulé par quelques mercenaires de choix - en tête Dave Grohl et Mark Lanegan - Queens Of The Stone Age se lance pied au plancher dans une virée rock'n'roll qui convoque heavy vintage, blues déglingué et riffs héroïques pour le voyage. Déluges telluriques (First It Giveth, A Song For The Dead), accélération effrénée (One With The Flow et son piano revenu de l'enfer). poussière du désert (No One Knows) ou torch-song irrésistible (Another Love Song), Songs For The Deaf recèle un héritage rock touffu, parfaitement domestiqué par Homme, succédant à Jon Spencer pour le titre d'Elvis de l'époque.

23     Micah P. Hinson & The Gospel Of Progress - s/t (Overcoat/Full Time Hobby - 2004)

Cowboy au visage poupin - entre Buddy Holly et Elvis Costello - Micah P. Hinson façonne une Americana contemporaine, pleine à la fois d'incises pop (choeurs, sonorités aqueuses, mélodies douces et discrètes) et de tensions brûlantes (galops rythmiques, guitares crissantes, lignes acoustiques obsédantes). Une ballade romantique se crashe dans un final hanté (Close Your Eyes), une ritournelle légère se pare d'arrangements inquiétants (Beneath The Rose), un gimmick minimal accouche d'un orage sombre (Don't You Forget) dans ce Far West sépia et strié de déchirures. Obscures et riches, les chansons de ce premier album révèle un songwriter suintant une mélancolie crasse, seul capable de transformer une complainte brève et dépouillée en épopée country au ralenti (The Day Texas Sank To The Bottom Of The Sea).

22     Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-la-la Band + Choir - "This Is Our Punk Rock", Thee Rusted Satellites Gather + Sing (Constellation - 2003)

Abandonnant ses champs décharnés et instrumentaux, le collectif montréalais  donne de la voix sur ce troisième album et invente un folk-rock rugueux et lo-fi qui s'abreuve à de multiples sources. D'une chorale minimaliste et répétitive (Sow Some Lonesome Corners So Many Flowers Bloom) à une lamentation éraillée et élégiaque (Goodbye Desolate Railyard), A Silver Mt. Zion change de cap sans renier les titres à rallonge ni l'emphase instrumentale. Reste que c'est dans l'électricité rêche que le groupe réussit au mieux sa mue, avec deux morceaux médians posant les bases d'un songwriting abrasif et étendu, où plainte et rage se confondent en un râle vibrant. Efrim et ses comparses trouvent leur identité post-GYBE!, plus lumineux et poignants qu'ils ne le seront jamais ensuite.

21     Broken Social Scene - You Forgot It In People (Arts & Crafts/City Slang - 2002)

Avant cet album, on imaginait le Canada comme une plaine post-rock et le Québec comme une terre de chanteuses à voix. Après, plus rien ne fut pareil. Premier ambassadeur d'une scène nationale en pleine ébullition - suivront Unicorn, Arcade Fire, Patrick Watson, Malajube ou encore Metric - Broken Social Scene est un vivier où se croisent des songwriters de classe (Kevin Drew, Jason Collett), des voix à peine écloses (Feist, Emily Haynes) et des musiciens virtuoses (Charles Spearin, Brendan Canning). Et donne naissance à une pop protéiforme, aux changements de rythmes constants (KC Accidental), soudain sprinteuse (Almost Crimes) puis rêveuse (Pacific Theme) ou joliment lo-fi (Anthems For A Seventeen Year Old Girl). Disque à tiroirs et à mélodies, You Forgot It In People a changé le visage du Canada, soudain autre pays de la pop.

Top 50 albums - Années 2000 (V)

30     The Avalanches - Since I Left You (XL - 2000)

Bien avant Birdy Nam Nam et autres 2 Many DJ's, ce collectif australien élevait la discipline du turntablism au rang d'art à part entière. Malin et marrant, référentiel et dansant, catchy et barré, Since I Left You est la toile impressionniste d'une dizaine de DJ aux doigts d'or. Et à l'oreille fine. Les samples se suivent par centaines et façonne des mélodies tordues et limpides à la fois. Plus bel exemple, Frontier Psychiatrist est un OVNI aux cuivres tyroliens et aux cris animaux. Quant au morceau titre, il s'est payé le luxe de battre les champions du R'n'B sur leur propre terrain de jeu, MTV. Jusqu'à ouvrir la voix aux ritournelles plus osées (produites par Neptunes ou Timbaland) qui suivront durant la décennie? Peut-être bien.

29     Noir Désir - Des visages des figures (Barclay - 2001)

Etoffant et épurant son écriture à la fois, le groupe bordelais se libère des limites d'un rock dont il avait fait le tour avec Tostaky. Si quelques traces tranchantes subsistent (Le grand incendie, Son style 1 et Lost qui cite L'homme pressé dans sa partie médiane), Noir Désir préfère jouer d'un songwriting aéré (Le vent nous portera, L'enfant roi), lancinant (Des visages des figures, Bouquet de nerfs) ou triturré (L'appartement, Son style 2). La voix de Cantat s'essaie à de nouvelles gammes entre spoken-words et chant apaisé, tandis que ses complices, Teyssot-Gay en tête, désapprennent leurs anciens réflexes. Jusqu'é prendre le relais d'un Ferré sur L'Europe et, surtout, Des armes, sommets qui laissaient augurer de beaux lendemains.

28     Bill Callahan - Sometimes I Wish We Were An Eagle (Drag City - 2009)

Les chagrins d'amour ont parfois des vertus insoupçonnées. Amoureux, Bill Callahan se prenait les pieds dans le tapis du confort, accouchant d'un Woke On A Whaleheart inégal et kitsch. Coeur brisé, le même bonhomme se fend d'un album apaisé, constant et accueillant. Synthèse d'une carrière parmi les plus dignes et marginales des quinze dernières années, Sometimes I Wish We Were An Eagle pare les chansons de Callahan d'arrangements rustiques ou feutrés, à la manière d'un véritable successeur au superbe A River Ain't Too Much To Love de Smog (2005). Surtout, le songwriter américain parvient à intégrer ses marotte surannées à l'ensemble, sans forcer le trait, d'un synthé orientalisant (The Wind And The Dove) à un tango d'un autre temps (Eid Ma Clack Shaw). Au final, un bijou de folk enrichi et à fleur de peau.

27     Sufjan Stevens - Come On Feel The Illinoise (Asthmatic Kitty/Rough Trade - 2005)

C'est un défi un peu fou, sans doute irraisonné. Composer un disque par état américain. Sans nouvelles du projet depuis cet Illinois - second chapitre - on s'en contentera bien. Orfèvre pop atypique, Sufjan Stevens livre une oeuvre gargantuesque, indigeste si elle n'était traversée par un humour mélodique, comme lorsqu'on se prend à fredonner Cure en plein milieu d'une pièce épique (Come On! feel The Illinoise!). Surtout, l'Américain séduit par sa capacité à tutoyer des sommets pop rétro et inventifs à la fois (Chicago; The Man Of Metropolis Steals Our Hearts) - ceux-là même qu'atteignait Neil Hannon dans une autre vie - comme à offrir des ballades à l'écriture pure et puissantee (John Wayne Gacy Jr., Casimir Pulaski Day).

26     Shearwater - Rook (Matador - 2008)

Sur la pochette, une silhouette couverte d'oiseaux. Un clin d'oeil d'un chanteur ornithologue - les deux professions de Jonathan Meiburg - à l'arbre à oiseaux du Laughing Stock de Talk Talk. L'épure précieuse du groupe anglais plane sur Rook, dès l'introductif On The Death Of The Water, avant qu'un fracas électrique n'emmène le folk de Shearwater vers de nouveaux rivages, aux effluves progressives et psychédéliques. Rock cadencé (Rooks), folk suranné (Leviathan Bound) ou songwriting pluvieux (Home Life) se délitent avec naturel, forts d'une écriture maîtrisée et d'un univers abouti. Et lorsque résonnent les premières notes de The Snow Leopard - lointain écho au Pyramid Song de Radiohead - on se dit que Shearwater emmène le folk aussi loin que le groupe d'Oxford a un jour mené le rock.

30     The Avalanches - Since I Left You (XL - 2000)

Bien avant Birdy Nam Nam et autres 2 Many DJ's, ce collectif australien élevait la discipline du turntablism au rang d'art à part entière. Malin et marrant, référentiel et dansant, catchy et barré, Since I Left You est la toile impressionniste d'une dizaine de DJ aux doigts d'or. Et à l'oreille fine. Les samples se suivent par centaines et façonne des mélodies tordues et limpides à la fois. Plus bel exemple, Frontier Psychiatrist est un OVNI aux cuivres tyroliens et aux cris animaux. Quant au morceau titre, il s'est payé le luxe de battre les champions du R'n'B sur leur propre terrain de jeu, MTV. Jusqu'à ouvrir la voix aux ritournelles plus osées (produites par Neptunes ou Timbaland) qui suivront durant la décennie? Peut-être bien.

29     Noir Désir - Des visages des figures (Barclay - 2001)

Etoffant et épurant son écriture à la fois, le groupe bordelais se libère des limites d'un rock dont il avait fait le tour avec Tostaky. Si quelques traces tranchantes subsistent (Le grand incendie, Son style 1 et Lost qui cite L'homme pressé dans sa partie médiane), Noir Désir préfère jouer d'un songwriting aéré (Le vent nous portera, L'enfant roi), lancinant (Des visages des figures, Bouquet de nerfs) ou triturré (L'appartement, Son style 2). La voix de Cantat s'essaie à de nouvelles gammes entre spoken-words et chant apaisé, tandis que ses complices, Teyssot-Gay en tête, désapprennent leurs anciens réflexes. Jusqu'é prendre le relais d'un Ferré sur L'Europe et, surtout, Des armes, sommets qui laissaient augurer de beaux lendemains.

28     Bill Callahan - Sometimes I Wish We Were An Eagle (Drag City - 2009)

Les chagrins d'amour ont parfois des vertus insoupçonnées. Amoureux, Bill Callahan se prenait les pieds dans le tapis du confort, accouchant d'un Woke On A Whaleheart inégal et kitsch. Coeur brisé, le même bonhomme se fend d'un album apaisé, constant et accueillant. Synthèse d'une carrière parmi les plus dignes et marginales des quinze dernières années, Sometimes I Wish We Were An Eagle pare les chansons de Callahan d'arrangements rustiques ou feutrés, à la manière d'un véritable successeur au superbe A River Ain't Too Much To Love de Smog (2005). Surtout, le songwriter américain parvient à intégrer ses marotte surannées à l'ensemble, sans forcer le trait, d'un synthé orientalisant (The Wind And The Dove) à un tango d'un autre temps (Eid Ma Clack Shaw). Au final, un bijou de folk enrichi et à fleur de peau.

27     Sufjan Stevens - Come On Feel The Illinoise (Asthmatic Kitty/Rough Trade - 2005)

C'est un défi un peu fou, sans doute irraisonné. Composer un disque par état américain. Sans nouvelles du projet depuis cet Illinois - second chapitre - on s'en contentera bien. Orfèvre pop atypique, Sufjan Stevens livre une oeuvre gargantuesque, indigeste si elle n'était traversée par un humour mélodique, comme lorsqu'on se prend à fredonner Cure en plein milieu d'une pièce épique (Come On! feel The Illinoise!). Surtout, l'Américain séduit par sa capacité à tutoyer des sommets pop rétro et inventifs à la fois (Chicago; The Man Of Metropolis Steals Our Hearts) - ceux-là même qu'atteignait Neil Hannon dans une autre vie - comme à offrir des ballades à l'écriture pure et puissantee (John Wayne Gacy Jr., Casimir Pulaski Day).

26     Shearwater - Rook (Matador - 2008)

Sur la pochette, une silhouette couverte d'oiseaux. Un clin d'oeil d'un chanteur ornithologue - les deux professions de Jonathan Meiburg - à l'arbre à oiseaux du Laughing Stock de Talk Talk. L'épure précieuse du groupe anglais plane sur Rook, dès l'introductif On The Death Of The Water, avant qu'un fracas électrique n'emmène le folk de Shearwater vers de nouveaux rivages, aux effluves progressives et psychédéliques. Rock cadencé (Rooks), folk suranné (Leviathan Bound) ou songwriting pluvieux (Home Life) se délitent avec naturel, forts d'une écriture maîtrisée et d'un univers abouti. Et lorsque résonnent les premières notes de The Snow Leopard - lointain écho au Pyramid Song de Radiohead - on se dit que Shearwater emmène le folk aussi loin que le groupe d'Oxford a un jour mené le rock.

Top 50 albums - Années 2000 (IV)

35     Interpol - Turn On The Bright Lights (Matador/Labels - 2002)

Venus de New-York ces quatre garçons torturés dansent sur le cadavre de Joy Division sans se prendre les pieds dans le tapis. Abrasives, entêtantes ou atmosphériques, les chansons de ce premier album esquissent un climat pesant et explosif à la fois, entre souffle post-punk et inclinaisons post-rock. La voix de barython de Paul Banks se posent sur des instrumentations qui font la part belle aux lignes superposées, hésitant entre fausse insouciance pop (Obstacle 1, PDA) et spleen assumé (NYC, Untitled). Et même lorsque le tempo se débride enfin (Say Hello to the Angels), des riffs tranchants parasitent l'ensemble, empêchant le rock d'Interpol d'être tout à fait dansant, transpirant l'urgence et l'inquiétude.

34     Panda Bear - Person Pitch (Paw Tracks - 2007)

S'il y a quelque chose de stupéfiant dans ce disque, il y a également quelque chose d'apaisant. Et on comprend mieux que Noah Lennox l'ait enregistré pour célébrer la naissance de sa fille. Ces collages hypnotiques transportent sans grands effets, forts d'un balancement propre et régulier qui berce avec bienveillance. Les textures sont complexes, les couches se superposent, les sonorités se mélangent et pourtant une vibration pop traverse constamment la musique de Panda Bear, comme pour rendre le voyage plus rassurant. Esquissant des paysages naïfs et escarpés à la fois, Person Pitch est un mantra doux à l'oreille, presque enfantin, qui se délite à la manière d'une symphonie pour un éveil.

33     Do Make Say Think - Winter Hymn Country Hymn Secret Hymn (Constellation - 2003)

Voyage en trois temps pour un manifeste post-rock aux sonorités jazzy et rustiques. Premier chapitre, Winter Hymn fait parler la puissance de l'ensemble, sur une valse entêtante (Auberge le Mouton noir) et, surtout, sur un thème initial aux montées successives, porté par une basse vibrante et saturée comme rarement (Fredericia). Plus éclaté, Country Hymn tourne autour de séquences où cuivres et bois s'émancipent, sans renoncer à des stratagèmes bricolés, telles quelques variations de volume inattendues. Enfin, Secret Hymn ose le grand saut, embrassant des sonorités plus claires, d'une marotte escarpée (Horns Of A Rabbit) à un final ensoleillé conviant des voix à ce festin sonique (Hooray! Hooray! Hooray!).

32     Low - Things We Lost In The Fire (Kranky - 2001)

"Dans un monde idéal, Low serait le groupe préféré de tout le monde." Signée Mogwai, la phrase fait rêver. Et se dire que dans ce monde idéal, Things We Lost In The Fire serait l'album préféré de tout le monde. Low y est à son sommet, jouant de peu, tournant autour de thèmes hypnotiques et répétitifs, fort d'un magnétisme brumeux et d'une électricité rampante. Le tout renforcé par des cordes (Sunflowers) et des cuivres (Dinosaur Act) toujours discrets, marquant un bref point d'orgue, une coda subtile ou une relance naturelle. Sur ce brouillard instrumental, Alan Sparhawk et Mimi Parker pose leurs voix froides, orpheline de tout pathos et pourtant si expressives, touchant par une inflexion légère, un sursaut à peine perceptible ou quelques mots martelés au ralenti.

31     Elliott Smith - Figure 8 (Dreamworks - 2000)

D'Elliott Smith, on a souvent dit qu'il était le chaînon manquant entre les Beatles et Nick Drake. Plus qu'aucun de ses autres albums peut-être, Figure 8 en est l'incarnation. Fort de nouveaux moyens de production et d'arrangements, le songwriter américain bâtit des morceaux plus touffus, plus profonds, accordant pianos électriques, vocalises douces et six-cordes multiples (Son Of Sam, Happiness). A la manière des quatres de Liverpool. Mais il ne renie pas pour autant la fragilité de ses débuts, cette voix d'ange posée sur un tapis fébrile. Malgré sa grandiloquence, Everything Means Nothing To Me dévoile les fêlures d'un musicien en proie à des maux impalpables. Tandis que You're Just Somebody That I Used To Know fascine par sa limpide mélancolie. Et résonne plus triste encore aujourd'hui.

35     Interpol - Turn On The Bright Lights (Matador/Labels - 2002)

Venus de New-York ces quatre garçons torturés dansent sur le cadavre de Joy Division sans se prendre les pieds dans le tapis. Abrasives, entêtantes ou atmosphériques, les chansons de ce premier album esquissent un climat pesant et explosif à la fois, entre souffle post-punk et inclinaisons post-rock. La voix de barython de Paul Banks se posent sur des instrumentations qui font la part belle aux lignes superposées, hésitant entre fausse insouciance pop (Obstacle 1, PDA) et spleen assumé (NYC, Untitled). Et même lorsque le tempo se débride enfin (Say Hello to the Angels), des riffs tranchants parasitent l'ensemble, empêchant le rock d'Interpol d'être tout à fait dansant, transpirant l'urgence et l'inquiétude.

34     Panda Bear - Person Pitch (Paw Tracks - 2007)

S'il y a quelque chose de stupéfiant dans ce disque, il y a également quelque chose d'apaisant. Et on comprend mieux que Noah Lennox l'ait enregistré pour célébrer la naissance de sa fille. Ces collages hypnotiques transportent sans grands effets, forts d'un balancement propre et régulier qui berce avec bienveillance. Les textures sont complexes, les couches se superposent, les sonorités se mélangent et pourtant une vibration pop traverse constamment la musique de Panda Bear, comme pour rendre le voyage plus rassurant. Esquissant des paysages naïfs et escarpés à la fois, Person Pitch est un mantra doux à l'oreille, presque enfantin, qui se délite à la manière d'une symphonie pour un éveil.

33     Do Make Say Think - Winter Hymn Country Hymn Secret Hymn (Constellation - 2003)

Voyage en trois temps pour un manifeste post-rock aux sonorités jazzy et rustiques. Premier chapitre, Winter Hymn fait parler la puissance de l'ensemble, sur une valse entêtante (Auberge le Mouton noir) et, surtout, sur un thème initial aux montées successives, porté par une basse vibrante et saturée comme rarement (Fredericia). Plus éclaté, Country Hymn tourne autour de séquences où cuivres et bois s'émancipent, sans renoncer à des stratagèmes bricolés, telles quelques variations de volume inattendues. Enfin, Secret Hymn ose le grand saut, embrassant des sonorités plus claires, d'une marotte escarpée (Horns Of A Rabbit) à un final ensoleillé conviant des voix à ce festin sonique (Hooray! Hooray! Hooray!).

32     Low - Things We Lost In The Fire (Kranky - 2001)

"Dans un monde idéal, Low serait le groupe préféré de tout le monde." Signée Mogwai, la phrase fait rêver. Et se dire que dans ce monde idéal, Things We Lost In The Fire serait l'album préféré de tout le monde. Low y est à son sommet, jouant de peu, tournant autour de thèmes hypnotiques et répétitifs, fort d'un magnétisme brumeux et d'une électricité rampante. Le tout renforcé par des cordes (Sunflowers) et des cuivres (Dinosaur Act) toujours discrets, marquant un bref point d'orgue, une coda subtile ou une relance naturelle. Sur ce brouillard instrumental, Alan Sparhawk et Mimi Parker pose leurs voix froides, orpheline de tout pathos et pourtant si expressives, touchant par une inflexion légère, un sursaut à peine perceptible ou quelques mots martelés au ralenti.

31     Elliott Smith - Figure 8 (Dreamworks - 2000)

D'Elliott Smith, on a souvent dit qu'il était le chaînon manquant entre les Beatles et Nick Drake. Plus qu'aucun de ses autres albums peut-être, Figure 8 en est l'incarnation. Fort de nouveaux moyens de production et d'arrangements, le songwriter américain bâtit des morceaux plus touffus, plus profonds, accordant pianos électriques, vocalises douces et six-cordes multiples (Son Of Sam, Happiness). A la manière des quatres de Liverpool. Mais il ne renie pas pour autant la fragilité de ses débuts, cette voix d'ange posée sur un tapis fébrile. Malgré sa grandiloquence, Everything Means Nothing To Me dévoile les fêlures d'un musicien en proie à des maux impalpables. Tandis que You're Just Somebody That I Used To Know fascine par sa limpide mélancolie. Et résonne plus triste encore aujourd'hui.

Top 50 albums - Années 2000 (III)

40     Franz Ferdinand - s/t (Domino - 2004)

Habiles et malins, quatre Ecossais reprennent les formules mises en place par Orange Juice et Josef K à la fin des années 70 et rendent justice à leurs aînés. Le tout s'en se cacher ni se planter. Avec la roublardise de vieux briscards, Alex Kapranos et sa bande conquièrent le monde grâce à un tiercé gagnant bien rôdé: design vintage, attitude arty et pop-songs minutées. Collections de hits tranchants (This Fire, Michael), fédérateurs (Take Me Out, Dark of the Matinée) et mélodiques en diable (Jacqueline, Darts of Pleasure), ce premier album n'invente rien mais capitalise à merveille sur des bases irrésistibles. Et offre à la scène écossaise une première place méritée sur le podium de la pop, 30 ans après ses premiers sursauts.

39     Dominique A - Auguri (Labels - 2001)

Ne reniant ni le minimalisme des débuts, ni le rock brûlant de Remué, le Nantais réussit son plus beau chapitre, transposant sa verve unique en un songwriting abouti et sans fioritures inutiles. Espagnolades (Antonia), country légère (Je t'ai toujours aimée), dérives noisy (Pour la peau) et oeillades à la variété (Les enfants du Pirée) composent un album en tous points remarquable. A ce canevas s'ajoutent des textes à la poésie sensible et personnelle, le regard ironique (Les chanteurs sont mes amis), la mélancolie aiguisée (Le commerce de l'eau, Les hommes entre eux). Servi par la production impeccable de John Parish et des instrumentations aussi sobres que variées, Dominique A s'impose comme le franc-tireur humble et essentiel de l'Hexagone.

38     Scott Walker - The Drift (4AD - 2006)

Aussi dérangeant que fascinant, The Drift est un chef-d'oeuvre monstrueux, éprouvant pour les nerfs quand on ose s'y plonger. "Horrorpop!" comme s'est exclamé Momus à l'époque. Grand artificier, Scott Walker y fait dissonner deux orchestres, joue de percussions qu'on croirait sorties d'un abattoir, fait hurler les sax comme des animaux. Quant à son chant, il dérive dans un lyrisme baroque et glaçant, contant l'exécution de la maîtresse de Mussolini (Clara) ou l'histoire du jumeau mort-né d'Elvis (Jesse). Entre passages lancinants - mais toujours hantés - et brusques coups de sang, The Drift a des airs de labyrinthe fantôme, surprenant son auditeur à chaque dédale. Et ne ressemble à rien d'entendu jusqu'ici. Ni depuis.

37     Sonic Youth - Sonic Nurse (Geffen - 2004)

Voilà un album qui démarre pied au plancher, avec un titre qui n'aurait pas dépareillé sur Goo ou Dirty, Kim Gordon en furie et bruits de soudure à l'arrivée (Pattern Recognition). Puis Unmade Bed et Dripping Dream renouent avec le rock minéral de Daydream Nation. Enfin, Kim Gordon & The Arthur Doyle Hand Cream évoque les débuts no-wave, la production un brin moins lo-fi. En quatre titres, Sonic Youth a revisité son histoire. Et ne s'arrête pas en si bon chemin. Eclaté et cohérent à la fois, Sonic Nurse sonne moins comme un album hésitant que démocratique, chaque musicien empruntant son chemin, à la manière de Lee Ranaldo livrant son meilleur morceau avec Papercup Exit. Ou de Thurston Moore rendant son hommage au rock avec New Hampshire. Au final, on tient le meilleur disque du quatuor new-yorkais pour sa troisième décennie d'activité.

36     Liars - Drums Not Dead (Mute - 2006)

Non, les percussions ne sont pas mortes! Elles trônent même au centre de ce véritable concept album, dialogue de sourds entre deux personnages imposant leurs thèmes propres, Drum et Mr Heart Attack. Tribales, désaxées ou approximatives, les rythmiques dictent le ton tandis que les morceaux s'enchaînent, jusqu'à donner naissance à une suite étouffante, quasi claustrophobe, faite de nappes vocales et instrumentales. Seul rais de lumière dans ces ténèbres abrasifs, The Other Side of Mr. Heart Attack dévoile - justement - une autre facette de Liars, ballade en suspension dans la lignée du meilleur de Radiohead et du Velvet Underground, traversée d'un unique battement de mesure. Une manière de signifier que le voyage prend fin et que Liars a bien réussi son coup.

40     Franz Ferdinand - s/t (Domino - 2004)

Habiles et malins, quatre Ecossais reprennent les formules mises en place par Orange Juice et Josef K à la fin des années 70 et rendent justice à leurs aînés. Le tout s'en se cacher ni se planter. Avec la roublardise de vieux briscards, Alex Kapranos et sa bande conquièrent le monde grâce à un tiercé gagnant bien rôdé: design vintage, attitude arty et pop-songs minutées. Collections de hits tranchants (This Fire, Michael), fédérateurs (Take Me Out, Dark of the Matinée) et mélodiques en diable (Jacqueline, Darts of Pleasure), ce premier album n'invente rien mais capitalise à merveille sur des bases irrésistibles. Et offre à la scène écossaise une première place méritée sur le podium de la pop, 30 ans après ses premiers sursauts.

39     Dominique A - Auguri (Labels - 2001)

Ne reniant ni le minimalisme des débuts, ni le rock brûlant de Remué, le Nantais réussit son plus beau chapitre, transposant sa verve unique en un songwriting abouti et sans fioritures inutiles. Espagnolades (Antonia), country légère (Je t'ai toujours aimée), dérives noisy (Pour la peau) et oeillades à la variété (Les enfants du Pirée) composent un album en tous points remarquable. A ce canevas s'ajoutent des textes à la poésie sensible et personnelle, le regard ironique (Les chanteurs sont mes amis), la mélancolie aiguisée (Le commerce de l'eau, Les hommes entre eux). Servi par la production impeccable de John Parish et des instrumentations aussi sobres que variées, Dominique A s'impose comme le franc-tireur humble et essentiel de l'Hexagone.

38     Scott Walker - The Drift (4AD - 2006)

Aussi dérangeant que fascinant, The Drift est un chef-d'oeuvre monstrueux, éprouvant pour les nerfs quand on ose s'y plonger. "Horrorpop!" comme s'est exclamé Momus à l'époque. Grand artificier, Scott Walker y fait dissonner deux orchestres, joue de percussions qu'on croirait sorties d'un abattoir, fait hurler les sax comme des animaux. Quant à son chant, il dérive dans un lyrisme baroque et glaçant, contant l'exécution de la maîtresse de Mussolini (Clara) ou l'histoire du jumeau mort-né d'Elvis (Jesse). Entre passages lancinants - mais toujours hantés - et brusques coups de sang, The Drift a des airs de labyrinthe fantôme, surprenant son auditeur à chaque dédale. Et ne ressemble à rien d'entendu jusqu'ici. Ni depuis.

37     Sonic Youth - Sonic Nurse (Geffen - 2004)

Voilà un album qui démarre pied au plancher, avec un titre qui n'aurait pas dépareillé sur Goo ou Dirty, Kim Gordon en furie et bruits de soudure à l'arrivée (Pattern Recognition). Puis Unmade Bed et Dripping Dream renouent avec le rock minéral de Daydream Nation. Enfin, Kim Gordon & The Arthur Doyle Hand Cream évoque les débuts no-wave, la production un brin moins lo-fi. En quatre titres, Sonic Youth a revisité son histoire. Et ne s'arrête pas en si bon chemin. Eclaté et cohérent à la fois, Sonic Nurse sonne moins comme un album hésitant que démocratique, chaque musicien empruntant son chemin, à la manière de Lee Ranaldo livrant son meilleur morceau avec Papercup Exit. Ou de Thurston Moore rendant son hommage au rock avec New Hampshire. Au final, on tient le meilleur disque du quatuor new-yorkais pour sa troisième décennie d'activité.

36     Liars - Drums Not Dead (Mute - 2006)

Non, les percussions ne sont pas mortes! Elles trônent même au centre de ce véritable concept album, dialogue de sourds entre deux personnages imposant leurs thèmes propres, Drum et Mr Heart Attack. Tribales, désaxées ou approximatives, les rythmiques dictent le ton tandis que les morceaux s'enchaînent, jusqu'à donner naissance à une suite étouffante, quasi claustrophobe, faite de nappes vocales et instrumentales. Seul rais de lumière dans ces ténèbres abrasifs, The Other Side of Mr. Heart Attack dévoile - justement - une autre facette de Liars, ballade en suspension dans la lignée du meilleur de Radiohead et du Velvet Underground, traversée d'un unique battement de mesure. Une manière de signifier que le voyage prend fin et que Liars a bien réussi son coup.

Top 50 albums - Années 2000 (II)

45     The Cinematic Orchestra - Man With A Movie Camera (Ninja Tune - 2003)

En imaginant une nouvelle bande-son pour le classique de Dziga Vertov, le collectif britannique s'offre une cure de rétro qui lui sied à merveille. Et un score qui s'écoute très bien sans images. Entre intermèdes en suspension et morceaux de bravoure, The Cinematic Orchestra déploie toute sa palette sonore - ambient, downtempo, jazz, funk, etc. - mais y ajoutendes cordes  princières ou s''égare dans des thèmes évoquant Bernard Hermann (Work It) comme The Art Ensemble Of Chicago (Theme de Yoyo). Reste que le collectif ne s'assagit pas pour autant, dérivant au gré des samples que distillent le chef d'orchestre Jason Swinscoe ou tournant autour de thèmes obsédant, jusqu'à donner naissance à de furtifs tourbillons.

44     Grizzly Bear - Veckatimest (Warp - 2009)

Mark Hollis, Brian Wilson et Paul Simon réunis dans même studio. Un rêve? Une folie? Un peu des deux sans doute. Mais ça ne retient pas Grizzly Bear qui mêle dans un même élan les obsessions musicales des trois génies précités. Harmonies vocales, variations mélodiques et instrumentations délicates façonnent un patchwork pop-folk atemporel, un brin cérébral parfois, organique souvent. De pastorales tordues (Southern Point, Dory) en pop-songs érudites (Two Weeks, About Face), le groupe de Brooklyn privilégie une écriture en biais, qui emprunte autant qu'elle détourne, qui ose, surtout, traçant sa propre voie, entre expérimentations du temps et arrangements subtils.

43     Mogwai - Rock Action (PIAS - 2001)

Etrange album pour faire suite à la perfection close de Come On Die Young. En 8 titres et 40 minutes à peine, Mogwai tente de se réinventer et explore des territoires en marge de ses gammes post-rock, annonçant la couleur dès l'inaugural Sine Wave qui va faire un tour du côté de chez Warp. Surprenante, l'attitude manque toutefois sa cible par instants, comme sur les anecdotiques transitions que sont O I Sleep et Robot Chant, qu'on jurerait ajoutées pour transformer un EP en LP. Mais elle débouche également sur certaines des plus belles réussites du groupe écossais, du classique You Don't Know Jesus à l'obsédant 2 Rights Make 1 Wrong, en passant par les superbes ballades Take Me Somewhere Nice et Dial: Revenge, enregistrées respectivement avec David Pajo et Gruff Rhys.

42     Robert Wyatt - Comciopera (Domino - 2007)

Découpé en trois partie, Comicopera sonne comme une synthèse d'une carrière riche en sommets et en directions. Apaisé, bricoleur ou carrément dérangé, le barde à la voix d'ange y prend un malin plaisir à brouiller les pistes, passant d'une ritournelle jazzy flirtant avec le easy-listening (Just As You Are) à une ballade folk campagnarde (A Beautiful Peace), d'un collage concocté à base d'Eno (A Beautiful War) à un hommage couleur locale au Che (Hasta Siempre Comandante). Fort de mélodies plus limpides que jamais, Robert Wyatt trouve l'équilibre idéal entre ses diverses tentations, de la pop au jazz, de l'electro au psychédélisme. Et rappelle qu'il reste l'un des musiciens les plus inclassables encore en activité.

41     Leila - Courtesy Of Choice (XL - 2000)

Reine d'un univers aqueux - voire marécageux - l'électronicienne iranienne tisse des textures mouvantes où crissent les machines. Mais sait réserver des écrins étincelants aux voix de Roya Arab et Luca Santucci. Ce dernier lui offre en retour certains de ses plus beaux morceaux, en tête le déchirant To Win Her Love, exercice de crooner au spleen contenu. A l'image de ce standard post-moderne, on voudrait voir en Leila une musicienne capable de triturer l'electro à la manière du jazz, lui imposant des plages confortables pour y inviter des voix, puis l'emmenant dans des frictions et des galops bouillonnants (Thanks, Mr. Jones). Mais ce serait réduire à une formule ses talents alchimiques.

45     The Cinematic Orchestra - Man With A Movie Camera (Ninja Tune - 2003)

En imaginant une nouvelle bande-son pour le classique de Dziga Vertov, le collectif britannique s'offre une cure de rétro qui lui sied à merveille. Et un score qui s'écoute très bien sans images. Entre intermèdes en suspension et morceaux de bravoure, The Cinematic Orchestra déploie toute sa palette sonore - ambient, downtempo, jazz, funk, etc. - mais y ajoutendes cordes  princières ou s''égare dans des thèmes évoquant Bernard Hermann (Work It) comme The Art Ensemble Of Chicago (Theme de Yoyo). Reste que le collectif ne s'assagit pas pour autant, dérivant au gré des samples que distillent le chef d'orchestre Jason Swinscoe ou tournant autour de thèmes obsédant, jusqu'à donner naissance à de furtifs tourbillons.

44     Grizzly Bear - Veckatimest (Warp - 2009)

Mark Hollis, Brian Wilson et Paul Simon réunis dans même studio. Un rêve? Une folie? Un peu des deux sans doute. Mais ça ne retient pas Grizzly Bear qui mêle dans un même élan les obsessions musicales des trois génies précités. Harmonies vocales, variations mélodiques et instrumentations délicates façonnent un patchwork pop-folk atemporel, un brin cérébral parfois, organique souvent. De pastorales tordues (Southern Point, Dory) en pop-songs érudites (Two Weeks, About Face), le groupe de Brooklyn privilégie une écriture en biais, qui emprunte autant qu'elle détourne, qui ose, surtout, traçant sa propre voie, entre expérimentations du temps et arrangements subtils.

43     Mogwai - Rock Action (PIAS - 2001)

Etrange album pour faire suite à la perfection close de Come On Die Young. En 8 titres et 40 minutes à peine, Mogwai tente de se réinventer et explore des territoires en marge de ses gammes post-rock, annonçant la couleur dès l'inaugural Sine Wave qui va faire un tour du côté de chez Warp. Surprenante, l'attitude manque toutefois sa cible par instants, comme sur les anecdotiques transitions que sont O I Sleep et Robot Chant, qu'on jurerait ajoutées pour transformer un EP en LP. Mais elle débouche également sur certaines des plus belles réussites du groupe écossais, du classique You Don't Know Jesus à l'obsédant 2 Rights Make 1 Wrong, en passant par les superbes ballades Take Me Somewhere Nice et Dial: Revenge, enregistrées respectivement avec David Pajo et Gruff Rhys.

42     Robert Wyatt - Comciopera (Domino - 2007)

Découpé en trois partie, Comicopera sonne comme une synthèse d'une carrière riche en sommets et en directions. Apaisé, bricoleur ou carrément dérangé, le barde à la voix d'ange y prend un malin plaisir à brouiller les pistes, passant d'une ritournelle jazzy flirtant avec le easy-listening (Just As You Are) à une ballade folk campagnarde (A Beautiful Peace), d'un collage concocté à base d'Eno (A Beautiful War) à un hommage couleur locale au Che (Hasta Siempre Comandante). Fort de mélodies plus limpides que jamais, Robert Wyatt trouve l'équilibre idéal entre ses diverses tentations, de la pop au jazz, de l'electro au psychédélisme. Et rappelle qu'il reste l'un des musiciens les plus inclassables encore en activité.

41     Leila - Courtesy Of Choice (XL - 2000)

Reine d'un univers aqueux - voire marécageux - l'électronicienne iranienne tisse des textures mouvantes où crissent les machines. Mais sait réserver des écrins étincelants aux voix de Roya Arab et Luca Santucci. Ce dernier lui offre en retour certains de ses plus beaux morceaux, en tête le déchirant To Win Her Love, exercice de crooner au spleen contenu. A l'image de ce standard post-moderne, on voudrait voir en Leila une musicienne capable de triturer l'electro à la manière du jazz, lui imposant des plages confortables pour y inviter des voix, puis l'emmenant dans des frictions et des galops bouillonnants (Thanks, Mr. Jones). Mais ce serait réduire à une formule ses talents alchimiques.

Top 50 albums - Années 2000 (I)

50     Matt Elliott - Drinking Songs (Ici d'ailleurs - 2005)

Tournant le dos aux machines qui ont fait sa renommée du temps de The Third Eye Foundation - à l'exception de la longue improvisation The Maid We Mess en fin d'album - le musicien anglais pioche dans des folklores poussiéreux, entamant une mue surprenante mais assurée. D'un violoncelle princier (C.F. Bundy) à des guitares sautillantes (What's Wrong?), d'une ritournelle de piano hantée (The Guilty Party) à des incantations lugubres (What The Fuck Am I Doing On This Battlefield?), Matt Elliott invente un folk sépia, qui doit autant au spleen qu'aux pays de l'Est. Plus belle incarnation de cette alchimie musicale, l'obsédant The Kursk évoque le naufrage du sous-marin russe le temps d'une élégie aussi inquiétante que fascinante.

49     Katerine - Robots après tout (Barclay - 2005)

Dandy décalé de la nouvelle scène française, Philippe Katerine ose une transformation radicale avec ce sixième album. Exit le easy-listening des débuts comme les loopings des Recyclers. Le Vendéen vire electro, apprenti ès groove-box épaulé par le sorcier Gonzales. Synthétique, minimaliste et inventif, le résultat sert d'écrin à des textes où absurde et anecdotique font bon ménage. Un voyage en train débouche sur une succession de mises en abyme (Le train de 19h), une rencontre avec Marine le Pen tourne en chasse à l'homme (Le 20-04-2005) ou une éjaculation trop précoce ouvre la porte à toutes les associations d'idées (Excuse-moi). Cheveu sur la soupe servie par TF1 et Taratata, Katerine fait du bien à la chanson.

48     The Strokes - Is This It (Rough Trade/RCA - 2001)

Croisement entre Blondie et Television, le combo new-yorkais a fait beaucoup pour la réhabilitation du rock sur les dancefloors avec ce premier album minuté, efficace et, somme toute, tout à fait sympathique. De Last Nite à Someday, de Barely Legal à Hard to Explain, The Strokes alignent les tubes et font souffler un vent de CBGB sur les night clubs les plus miteux d'Europe et des USA. Riffs accrocheurs, rythmiques tendues et chant en dents de scie de Julian Casablanca - entre coups de sang et indolence - Is This It est un classique qui fera école. Et qui s'offre même un petit vent de scandale avec le tonitruant New York City Cops, évincé de la version américaine de l'album.

47     Lhasa - The Living Road (Audiogram/Tôt ou tard - 2003)

Révélée par un premier album trop vite classé sous l'étiquette "World Music", la musicienne américano-mexicaine affine son univers sur ce deuxième essai aux rythmes ralentis et aux compositions plus abouties. En anglais, en espagnol ou en français - magnifique La confession - Lhasa visite des territoires folk variés, passant de sonorités traditionnelles à des arrangements plus léchés. Par sa richesse d'écriture, sa mélancolie langoureuse et ses mélodies à tiroirs, The Living Road évoque une rencontre inespérée entre Tom Waits et Billie Holiday, grand disque de folk feutré et rugueux à la fois, porté par une voix à la profondeur aussi poignante que subtile.

46     Okkervil River - The Stage Names (Jagjaguwar - 2007)

Plus ouvert que le concept-album Black Sheep Boy, ce quatrième essai d'Okkervil River présente un groupe à son sommet, maître de ses envies comme de ses influences. Ou comment malaxer 50 ans d'histoire musicale américaine en 9 titres, de la Motown à Bruce Springsteen, en passant The Beach Boys repris en choeur - et avec du coeur - sur une coda en forme de Sloop John B. Avant ce final éclatant, Will Sheff et ses sbires - en tête le compère de toujours Jonathan Meiburg - auront réussi le grand écart entre rock tranchant et héroïque (Our Life Is Not A Movie Or Maybe, Unless It Kicks) et ballade pop-folk ultra-léchée (Savannah Smiles), dévoilant une palette de songwriting qu'ils sont parmi les rares à posséder.

50     Matt Elliott - Drinking Songs (Ici d'ailleurs - 2005)

Tournant le dos aux machines qui ont fait sa renommée du temps de The Third Eye Foundation - à l'exception de la longue improvisation The Maid We Mess en fin d'album - le musicien anglais pioche dans des folklores poussiéreux, entamant une mue surprenante mais assurée. D'un violoncelle princier (C.F. Bundy) à des guitares sautillantes (What's Wrong?), d'une ritournelle de piano hantée (The Guilty Party) à des incantations lugubres (What The Fuck Am I Doing On This Battlefield?), Matt Elliott invente un folk sépia, qui doit autant au spleen qu'aux pays de l'Est. Plus belle incarnation de cette alchimie musicale, l'obsédant The Kursk évoque le naufrage du sous-marin russe le temps d'une élégie aussi inquiétante que fascinante.

49     Katerine - Robots après tout (Barclay - 2005)

Dandy décalé de la nouvelle scène française, Philippe Katerine ose une transformation radicale avec ce sixième album. Exit le easy-listening des débuts comme les loopings des Recyclers. Le Vendéen vire electro, apprenti ès groove-box épaulé par le sorcier Gonzales. Synthétique, minimaliste et inventif, le résultat sert d'écrin à des textes où absurde et anecdotique font bon ménage. Un voyage en train débouche sur une succession de mises en abyme (Le train de 19h), une rencontre avec Marine le Pen tourne en chasse à l'homme (Le 20-04-2005) ou une éjaculation trop précoce ouvre la porte à toutes les associations d'idées (Excuse-moi). Cheveu sur la soupe servie par TF1 et Taratata, Katerine fait du bien à la chanson.

48     The Strokes - Is This It (Rough Trade/RCA - 2001)

Croisement entre Blondie et Television, le combo new-yorkais a fait beaucoup pour la réhabilitation du rock sur les dancefloors avec ce premier album minuté, efficace et, somme toute, tout à fait sympathique. De Last Nite à Someday, de Barely Legal à Hard to Explain, The Strokes alignent les tubes et font souffler un vent de CBGB sur les night clubs les plus miteux d'Europe et des USA. Riffs accrocheurs, rythmiques tendues et chant en dents de scie de Julian Casablanca - entre coups de sang et indolence - Is This It est un classique qui fera école. Et qui s'offre même un petit vent de scandale avec le tonitruant New York City Cops, évincé de la version américaine de l'album.

47     Lhasa - The Living Road (Audiogram/Tôt ou tard - 2003)

Révélée par un premier album trop vite classé sous l'étiquette "World Music", la musicienne américano-mexicaine affine son univers sur ce deuxième essai aux rythmes ralentis et aux compositions plus abouties. En anglais, en espagnol ou en français - magnifique La confession - Lhasa visite des territoires folk variés, passant de sonorités traditionnelles à des arrangements plus léchés. Par sa richesse d'écriture, sa mélancolie langoureuse et ses mélodies à tiroirs, The Living Road évoque une rencontre inespérée entre Tom Waits et Billie Holiday, grand disque de folk feutré et rugueux à la fois, porté par une voix à la profondeur aussi poignante que subtile.

46     Okkervil River - The Stage Names (Jagjaguwar - 2007)

Plus ouvert que le concept-album Black Sheep Boy, ce quatrième essai d'Okkervil River présente un groupe à son sommet, maître de ses envies comme de ses influences. Ou comment malaxer 50 ans d'histoire musicale américaine en 9 titres, de la Motown à Bruce Springsteen, en passant The Beach Boys repris en choeur - et avec du coeur - sur une coda en forme de Sloop John B. Avant ce final éclatant, Will Sheff et ses sbires - en tête le compère de toujours Jonathan Meiburg - auront réussi le grand écart entre rock tranchant et héroïque (Our Life Is Not A Movie Or Maybe, Unless It Kicks) et ballade pop-folk ultra-léchée (Savannah Smiles), dévoilant une palette de songwriting qu'ils sont parmi les rares à posséder.