Bon pour les oreilles

Live music 7 days a week... ou presque

Ah, novembre... Mois de la déprime pour certains, mois romantique pour d'autres, mois de trop pour ceux qui guettent la fin de l'année. Et pour ceux qui aiment traîner dans les salles de concerts, c'est sans doute le meilleur mois de l'année. A tel point qu'il faut souvent faire des choix... ou savoir placer ses vacances. Petit "live report" à mi-parcours.

Other Lives - En route vers les sommets?

C'est sans doute l'une des révélations de l'automne. Avec son second album, Tamer Animals, Other Lives s'est imposé comme le principal challenger de Fleet Foxes, dans la catégorie folk hippie pour barbus à jaquette. Sauf que le groupe américain s'avère moins scolaire que ses prédécesseurs et sait relever son songwriting d'incises psychés et d'une palette instrumentale qui évoquerait presque Bon Iver. Restait à voir s'il était capable de confirmer sur scène.

Dans le décor façon bar de nuit de l'Abart à Zurich, Other Lives doit composer avec un son très moyen, compensé par un public acquis à sa cause. Avec une setlist au 3/4 dévolue à Tamer Animals, le groupe contente son audience. Mais fait mieux que réciter sa leçon. Malgré quelques temps morts, l'ensemble gagne encore en ampleur et en magnétisme, notamment grâce aux incessants changements d'instruments (la palme au guitariste-choriste-violoniste-trompettiste... tout ça dans le même morceau). Et si on pourra regretter que la voix du chanteur soit parfois un poil trop mise en avant par rapport aux instrumentations, on révisera son jugement pour les rappels, entre une belle ballade au piano (Black Tables) et une reprise inspirée de The Partisan. Il reste encore quelques réglages à faire, mais Other Lives a de l'or au bout des doigts. Ce qu'a bien compris Radiohead, qui vient d'inviter le groupe à ouvrir ses concerts pour la première partie de sa prochaine tournée nord-américaine.

Wilco - Lentilles et auto-conviction

Le meilleur groupe sur scène actuellement avec sous le bras son meilleur album depuis 10 ans. Que demander de plus? Pour son unique date suisse, Wilco a choisi la Kaserne à Bâle. Un club ou plutôt une grande salle sans âme avec une scène critiquement basse... au point de ne plus distinguer grand-chose une fois dépassé le 5e rang. Mais bon, le groupe de Chicago a les moyens de faire oublier tout ça. Quoi que...

Dès les premiers morceaux se dégage l'impression d'un groupe pas vraiment là. Le visage creusé, les traits tirés, Jeff Tweedy ressemble au Dylan actuel, caché sous un large chapeau. Surtout, Wilco boude ses classiques d'ouverture (One Sunday Morning, Art Of Almost) pour tenter un démarrage pied au plancher (Dawned On Me, I Might), avant d'alterner avec quelques titres plus composites (I'm Trying To Break Your Heart, Bull Black Nova). Enfin, Tweedy prend le micro et explique en quelques phrases qu'il ne faut jamais s'arrêter sur une autoroute française pour manger des lentilles, qu'il ne s'est jamais senti aussi mal durant un concert, qu'il espère ne pas vomir sur le public... mais qu'il est persuadé que ce sera un concert incroyable.

Bluff ou force de l'auto-conviction, la prophétie se réalise. Comme libéré après cette annonce, le groupe retrouve ses repères et la suite tutoie les sommets. Entre Thurston Moore pour le bruitisme et Mark Knoplfer pour les solos héroïques (ah, Impossible Germany), Nels Cline fait vibrer l'électricité, tandis que Tweedy dirige les opérations. Quelques ballades classieuses (Capitol City, Radio Cure), quelques éclairs rock (Standing O, Country Disappeared, I'm The Man Who Loves You) et, surtout, d'incroyables morceaux de bravoure (l'enchaînement One Sunday Morning, Poor Places, Art Of Almost en fin de set), Wilco est à nouveau Wilco. Et offre six titres en rappel, comme pour s'excuser encore un peu de ce faux départ, d'un Via Chicago plus sismique que jamais (rah, les fûts de Glenn Kotche!) à un Heavy Metal Drummer toujours aussi efficace, en passant par un rare et appréciable Forget The Flowers. Difficile après ça de faire la fine bouche. Ou alors simplement en regrettant l'absence d'I'll Fight, d'Ashes Of American Flag ou de Spiders. Trois bonnes excuses pour retourner voir le groupe américian à Zurich en mars prochain.

Explosions In The Sky - L'avènement du post-rock FM

Près de 600 personnes un mardi soir! L'affluence impressionne pour le second concert lausannois d'Explosions In The Sky, un peu plus de 4 ans après une prestation mitigée au Romandie. A croire que le post-rock fait encore recette. Ou, du moins, qu'après Mogwai, un autre groupe du genre est capable de remplir des salles romandes. Sauf que si Mogwai a su varier les directions - quitte à se perdre parfois - EITS (comme on dit) reste fidèle à sa ligne. Quitte à lasser.

Mais avant cela, deux mots sur The Drift, compagnon de label et open act de cette tournée. Si le groupe de San Francisco n'est plus ce qu'il était depuis la disparition de son trompettiste, il laissait quand même espérer mieux qu'un concert appliqué et statique, du moins à l'écoute de son récent troisième album. Las, le projet de l'ex-Tarentel Danny Grody rappelle les côtés les plus ennuyeux de... Tarentel. De longues plages répétitives et éthérées, moins froides que vides, prisonnières de schémas maintes fois entendus.

On passe un tour, donc, et on se concentre sur EITS. Le son est bon, l'intensité également et le concert démarre sur le récent Postcard From 1952, avant d'embrayer sur Catastrophe And The Cure. Les Texans sont tournés vers le présent. Ou le passé proche. Et on regrette un peu ce choix, tant ce sont les premiers albums qui restent en mémoire. Surtout, comme sur disque, un certain art de la formule transparaît, jusqu'à agacer. On monte, on descend, on plane, on explose... et on recommence. Seules véritables variations... les plus vieux titres. Notamment un formidable enchaînement Greet Death (toujours aussi jouissivement lourd) Your Hand In Mine (et ses orfèvreries de guitares hypnotiques). Pour le reste, à part cet instant de grâce, EITS impressionne par son efficacité. Et contente son public. On se dit juste qu'on a passé l'âge. Et que ce post-rock là sonne plus "friendly" que jamais.

Bill Callahan - L'élégance de la sobriété

Des années qu'on l'attendait sur une scène suisse. Depuis l'abandon du masque Smog. Bill Callahan débarque au Romandie et logiquement la salle lausannoise fait le plein. A tel point que la file d'attente à l'extérieur empêche de voir le début du set de Devon Sproule. Et de rentrer dans la suite. Dommage. Mais c'est souvent comme ça, les événements attendus.

Sur scène, Callahan évolue désormais en trio. Lui à la guitare acoustique, Matt Kinsey à la six-cordes électriques et Neal Morgan à la batterie, de droite à gauche. La tonalité choisie est celle d'Apocalypse, entre folk sobre et inspirations jazz légères, et c'est sans surprise que le concert démarre sur une poignée de titres issus de ce dernier album (Riding For The Feeling, Baby's Breath, Universal Applicant), entrecoupés de quelques titres plus ou moins anciens (Too Many Birds, Honey Moon Child). Tout est dans le détail durant cette première partie, la finesse du dialogue des guitares, les inflexions légères du baryton Callahan, les balais sismiques de la batterie.

Et puis le concert s'emballe, sur America! Les rythmes s'accélèrent, la voix scande plus franche, les six-cordes musclent leur jeu. Le tout sans se départir d'une certaine économie de moyens et d'un son parfait (ce qui est assez rare au Romandie pour être souligné). Our Anniversary, Drover, Eid Ma Clack Shaw (tendance destructuration), Let Me See The Colts, Say Valley Maker (et un final... apocalyptique), les chansons et les époques s'imbriquent avec un naturel saisissant. Pour peu, on jurerait Bill Callahan heureux d'être ici, lui qui n'aura lâché que 5 phrases au public, histoire de noter qu'il n'était plus venu en Suisse depuis un bail. Quand le concert s'arrête, la salle ne bronche pas, applaudit, pendant près de 5 minutes, l'Américain sachant se faire désirer. Mais la patience est récompensée. Trois titres dont In The Vines et Bathysphere, Bill Callahan est généreux et laisse une forte impression, après près de deux heures de concerts. Aucun doute possible: c'est l'un des meilleurs songwriters de l'époque, sobre et élégant à la fois.

Un week-end aux Rockomotives

La maman et la putain; 2 fois Accompagné par Françoise Lebrun pour une ultime coda, Diabologum boucle la boucle, à l'heure de la reformation.

Tandis que la Suisse romande vivait son deuxième Heartland et que Paris accueillait son premier Pitchfork Festival, votre serviteur prenait le large du côté du Loir-et-Cher, pas gêné de marcher dans la boue (ou pas, vu qu'il faisait plutôt un temps clément). Aux Rockomotives de Vendome, plus précisément, petite ville de 16'000 habitants à 40 minutes de train de Paris. Un décor aussi paisible qu'accueillant, où l'on peut croiser les artistes au hasard de ses périgrinations - Tom Barman dans une rue marchande, Will Oldham à l'entrée du concert de Diabologum, Yann Tiersen aux urinoirs - et où tout le monde se connaît, à en croire des amis rencontrés sur place, du moins de vue. Ambiance dans la file d'attente:

- Bonjour.
- Bonjour.
- Vous êtes mon voisin.
- Euh... Possible.
- C'est vous qui avez mis votre poubelle devant ma porte?
- Euh... Non.
- Vous êtes sûr?
- Ben oui. J'ai pas sorti les poubelles ce week-end.
- Ah. Mais bon, je vous ai déjà vu le faire. Alors ne le faites plus. Moi, ça m'ennuie beaucoup.
- Euh... D'accord. Si vous me le dites.

Voilà pour la couleur locale. Reste que l'affiche, elle, n'avait pas à rougir de ses concurrents d'un week-end (surtout que les Rockomotives durent 2 semaines). Petit topo subjectif, en quelques concerts choisis parmi la vingtaine proposés en trois jours.

Amuses bouche - Chokebore 1 - dEUS 0

A nouveau sur la route, un EP tout frais sous le bras, Chokebore a la difficile tâche d'ouvrir un week-end qui s'annonce très riche. Loin de s'en faire, Troy von Balthazar et ses comparses y vont sans embage, pour un set net, direct et précis, qui ne s'embarrasse ni de bla bla ni de courbette. A l'image du Minotaure - salle de concert qui évoque la salle de bal d'une prom night - chez les Hawaïens on fait dans le rock noir et adolescent, quelle que soit l'époque. Et ça marche. Entre nouveaux titres et bons vieux brûlots ressurgis de Black Black ou A Taste For Bitters, le groupe convainc, bien servi par un gros son et un von Balthazar au meilleur de sa forme.

Tout le contraire de dEUS. Malgré un plutôt pas mal Keep You Close, le groupe d'Anvers paraît plus que jamais se reposer sur ses lauriers passés. Tandis que Tom Barman irrite par sa suffisance. Pros, mais pas forcément efficaces, les Belges égrènent une setlist calquée sur sa dernière livraison et renforcée de quelques tubes, attendus (Instant Street) ou pas (The Architect, If You Don't Get What You Want). Et s'offrent même le luxe de bouder leurs sommets, ne visitant ni Worst Case Scenario, ni In A Bar Under The Sea. Dommage. Surtout aux vues d'un concert sans fausse note, mais sans émotion non plus. Quant à Barman, il assure le boniment minimum, histoire de faire bouger le public, mais pas trop (la palme à un Joyeux anniversaire improvisé pour le tour manager du groupe, repris par le public et presque aussitôt éteint par le chanteur, agacé ou speedé, "Bon, bon, ça suffit, il en a assez."). Résultat des courses: 50 minutes de concert montre en main, aucun rappel et un plutôt bon Bad Timing final qui laisse un peu plus encore sur sa faim.

Entrée - Un Bonnie 'Prince' Billy à point

Après ce vendredi soir mitigé, le samedi s'annonce plus copieux. Et commence tôt, avec un concert très attendu de Bonnie 'Prince' Billy dans la Chapelle Saint-Jacques. La file d'attente est longue devant l'entrée et les organisateurs vendomois choisissent de privilégier les spectateurs qui ont payé leur billet avant de laisser entrer les accrédités et autres invités. Certains festivals helvètes pourraient en prendre de la graine.

A l'intérieur, le silence est religieux. Et ça ne tient pas au lieu, non. Comme un respect, mêlé d'une certaine admiration, qui passe parmi les quelques 300 spectateurs. Entouré des musiciens de son dernier album - le fidèle Emmett "The Cairo Gang" Kelly à la guitare et la formidable Angel Olsen aux backing vocals, notamment - Will Oldham débute avec quelques titres récents, de There Is No God à Black Captain, en passant par Quail & Dumplings. L'ambiance est résolument country, mais avec ce supplément d'âme unique, un magnétisme quasi mystique qui émane du barbu de Louisville (qui n'a, en réalité, plus que la moustache). Surtout, le folkeux lo-fi semble avoir cédé sa place à un poète beatnick, ou du moins lunaire. Plus que jamais, les mots de Will Oldham sortent vainqueurs du passage à la scène, distincts, marquants, pleins d'une poésie vibrante.

A côté des ritournelles countrysantes issues de Lie Down In The Light ou Ease Down The Road, ce sont les chansons les plus calmes - les plus sobres également - qui marquent. I See A Darkness, bien sûr, Another Day Full Of Dread, No Gold Digger, mais surtout les récents New Tibet et Cows, le rare You Win ou encore le poignant Teach Me To Bear You. On a souvent voulu faire de Will Oldham l'héritier de Neil Young, mais c'est de plus en plus à Leonard Cohen que l'on pense, pour cette plume aiguisée et magnétique, et une spiritualité étrange. Conquise par ce grand Will Oldham, l'assemblée en redemande. Et obtient un bon et long rappel, qui se termine micros éteints, au milieu des chaises, pour un I Called You Back aux airs de communion qui met un terme à 2 heures de concert d'exception.

Plat principal - Suite ou fin pour Diabologum?

Quelques heures et un bon repas permettent de digérer la très belle prestation de Bonnie 'Prince' Billy, histoire d'arriver frais à ce qui s'annonce comme le clou - le Cloup pour Libération - du week-end, voire du festival: la réunion de Diabologum, le temps d'un concert. 15 ans après #3 et 13 ans après sa séparation, le groupe toulousain remonte sur scène, emmené par Arnaud Michniak et Michel Cloup. Nostalgie? Opportunisme? Ou simple agape? Difficile à dire. On retiendra juste que pour l'instant, aucune tournée ou célébration anniversaire de #3 ne sont prévues. Ce qui n'est pas plus mal. Et permet de savourer l'événement sans arrière-pensée.

Reste qu'il est difficile de ne pas remarquer la froideur, voire la tension, entre Cloup et Michniak. Le premier, au centre, regarde uniquement le batteur et le bassiste - qu'on croirait sortis tout droit des années 90, sans avoir connu l'an 2000 - tandis que le second, à droite de la scène, semble fixer le vide. Malgré cette distance visible, l'alchimie opère. Et fait de belles étincelles. Démarré sur quelques larsens sur lesquels Cloup martèle tel un slogan "A découvrir absolument, à découvrir absolument", le concert s'envole dès un très percutant De la neige en été. Suit Il faut et Michniak au micro, puis, sans surprise, Les angles. Diabologum va-t-il réciter #3 à la lettre?

Heureusement non. Libéré par cette entrée en matière, le groupe slalome un peu plus audacieusement, fidèle à l'héritage de #3, mais intervertissant A découvrir absolument et 365 jours ouvrables, ou osant le pas de côté avec le bien nommé A côté, entendu en son temps sur une compilation d'inédits du défunt label Lithium. Final espéré, La maman et la putain rappelle avec éclat que Diabologum avait un coup d'avance et que ce répertoire vieux de 15 ans n'a rien de daté. Le monologue du film de Jean Eustache et les derniers larsens résonnent encore qu'une nouvelle voix s'élève, tandis qu'une silhouette apparaît au fond de la scène. Françoise Lebrun s'avance - plus vieille de 38 ans depuis le film d'Eustache - répétant le monologue entendu plus tôt, tandis que le groupe reprend, comme une coda. L'instant est magique, unique. Comme une manière de boucler la boucle. Pas sûr que l'on revoie un jour Diabologum sur scène.

Déssert - Multi-instrumentiste devenu caméléon

Programmé juste avant Diabologum le samedi - et donc juste après Bonnie 'Prince' Billy - Yann Tiersen était un peu passé entre la poire et le fromage, malgré une bonne prestation, fidèle aux récents Skyline et Dust Lane (seuls Monochrome et Sur le fil trouveront grâce parmi les anciens titres). Vingtième anniversaire oblige, les Rockomotives offrent une séance de rattrapage le lendemain, à l'occasion d'un concert surprise qui s'avère une carte blanche au Breton. En ouverture, son fils Elliott, celui du programmateur Richard Gauvin et un de leurs amis, présentent quelques morceaux rock tendus et fragiles, du haut de leur douzaine d'années. Un début bon enfant - c'est le cas de le dire - qui donne le ton de la soirée. Suit une brève prestation de Robin Allender, actuel guitariste de Tiersen et ex-membre de Gravenhurst, qui dévoile un songwriting classique, aux intonations Kozelekiennes.

Le vif du sujet, c'est ensuite. Un concert acoustique de Yann Tiersen. Composée uniquement de titres issus de Skyline et Dust Lane, la prestation s'avère fidèle à celle de la veille. Aérienne, habitée, mais peut-être un peu lassante sur la longueur. Si imbriqués dans leur ordre originel ces deux albums sont des réussites - Dust Lane, surtout - leurs échos s'annulent une fois mélangés, donnant un étrange sentiment de redite. Reste que les meilleurs titres mêlent de façon rare brumes et évidence mélodique, d'Ashes à Amy. Ce "showcase" passé, Tiersen revient sur scène, accompagné de deux musiciens seulement. Et de machines uniquement. Comme un feu d'artifice final, le Breton boucle la soirée avec un set 100% electro, durant lequel il revisite à nouveau ses deux derniers albums, de Palestine à Monument, entre IDM, electrokraut et vocoder robotiques. C'est plein d'idées, parfois redondant, mais débordant d'une énergie réjouissante. Surtout, cela ouvre des pistes excitantes pour un artiste qui nous a désormais habitués à enchaîner les mues.

The Ex with Brass Unbound - State Of Shock

"This show represents a triumph of normal people over businessmen, social manoeuvres and celebrities and politicians. This show is a triumph and a recognition of how fundamentally right normal people are. The average marriage lasts 7 years. The average government lasts 4 years. The life spent of a dog is 14 years. 2 years from now all European currencies will disappear. Nothing lasts forever except The Ex. Because they are better than love, they are better than money, they are better than politics and they are better than animals."     Steve Albini, 1999

Il est de ces groupes qu'on nomme peu, dont on oublie certaines livraisons, qui ne font jamais la une des magazines ni des webzines qui font la loi. L'année dernière, comme beaucoup, je suis passé à côté du très bon Catch My Shoes de The Ex. Par chance, j'ai pu me rattraper suite à leur concert de décembre au ATP, puis savourer album et enfin vibrer à leur concert au Kilbi. C'est donc raffermi que j'ai pris mon billet pour le concert des Hollandais la Dampfzentrale de Berne mardi dernier, curieux de voir ce qu'allait bien pouvoir donner leur collaboration avec Brass Unbound (une dream-team de souffleurs composée de Mats Gustafsson, Ken Vandermark, Wolter Wierdos et Roy Paci).

Fidèle à sa dernière tournée, le groupe débute sur l'irrésistible Maybe I Was The Pilote, renforcé pour l'occasion par la trompette "mariachisante" de Roy Paci, déjà présente sur Catch My Shoes. L'effet est là, sans forcément surprendre, comme sur Cold Weather Is Back deux titres plus tard. Et puis c'est l'explosion. Fidèle à son patronyme, le Brass Unbound se débride, emmené par les sons caverneux et stridents du sax base de Gustafsson. Comme Terrie Hessels, Andy Moor et Arnold de Boer se frictionnent et se taquinent, les quatre souffleurs s'en donnent à coeur joie, pris dans un concours de décibels et de digressions maîtrisées. L'ensemble dissonne, eructe, s'échappe, mais ne s'égare jamais, guidé par les rythmes précis et variés de la batteuse Katherina Bornefeld.

Le climax est atteint après quatre titres à peine et ne retombera plus. Slalomant entre Catch My Shoes et des titres plus anciens, The Ex with Brass Unbound s'affirment comme une équation gagnante, quasi miraculeuse. Meilleur exemple, sur State Of Schock le super-groupe rhabille façon cuivrée un classique des Hollandais, jusqu'à (presque) faire oublier le violoncelle de Tom Cora. Surtout, à mesure que la setlist se déroule, les influences éthiopiennes se font plus présentes - notamment sur l'obsédant Eoleyo et le tendu Hidegen fújnak a szelek (un morceau traditionnel hongrois, pourtant), tous deux chantés par Bornefeld - dominant une musique qui se construit au-delà des genres, concassant punk, pop, jazz et sonorités expérimentales avec un naturel confondant. Généreux malgré la maigre assistance, les huit musiciens offrent même deux rappels, 24 Problems puis une version de Them From Konono d'anthologie, chatouillant le fantôme de Fela. L'espace d'un concert, on se dit que certaines magies sont éternelles. Et que The Ex n'a fini ni de surprendre, ni d'enchanter.

Sur la route des festivals - Paléo 2011 (II)

Beth Gibbons Recroquevillée au milieu de la scène, la chanteuse de Portishead a fait souffler une mélancolie blanche, sur fond de frictions entre trip-hop aérien et krautrock tranchant.

De la boue, de la boue et encore de la boue. Et quelques averses entre deux flaques. La météo continue à faire de ce 36e Paléo un grand champ de gadoue. Heureusement, BEAK> joue au Club Tent et donc les pieds au sec, ou presque. Malheureusement, c'est à 17h, et donc en plein jour. Malgré cela, le trio emmené par Geoff Barrow parvient à faire souffler son kraurock noir et saturé sur la maigre audience qui a fait le déplacement, jusqu'à transformer le Club Tent en vrai club. Fidèle à son album, le groupe alterne transe hypnotique et bourdon écrasant, sans jamais se départir d'un minimalisme presque archaïque. C'est froid, rigide et précis, et pourtant, c'est brûlant. Et bouillonnant, tant les trois musiciens semblent prendre du plaisir à mêler beats et vibrations.

Premier des trois projets de Geoff Barrow au programme de la soirée, BEAK> laisse une nouvelle fois une belle impression, une année après un très bon set au Kilbi. Tout le contraire d'Anika, vue également à Kilbi, mais cette année, qui prend la relève sous le Club Tent. Si musicalement on retrouve les ambiances de BEAK> - et deux musiciens - manquent la fougue et la présence. Dans son numéro de Nico post-moderne, la jeune Allemande laisse froid, trop prise dans un jeu de séduction aux limites criardes. Reste que ce concert permettra de vérifier une série: la présence sur l'ampli du bassiste de BEAK> et d'Anika de deux vierges Maries luminescentes. Foin de bigoterie ici, il s'agit juste de tester jusqu'où les organisateurs de concerts sont prêt à aller pour satisfaire l'artiste, en demandant dans le contrat cette petite curiosité. De Kilbi à Paléo, en passant par Antigel, on applaudira l'efficacité des organisateurs suisses.

Suit le grand saut. Et un premier concert devant la grande scène, le clou de la soirée au crépuscule. 13 ans après un concert mémorable au Châpiteau, Portishead revient sur l'Asse. Et démarre pied au plancher sur un Silence sismique, un poil désservi par un son trop faiblard. Heureusement, celui-ci monte en puissance au fil du concert et trouve son quota de décibels dès Machine Gun. Pour le reste, Portishead déroule une setlist parfaite, mixant le meilleur de Third (Magic Doors, The Rip) à quelques vieux titres magnifiquement dépoussiérés ici (Waundering Star, Over, Cowboys). Surtout, malgré la décennie qui sépare les deux premiers albums du groupe de son derniers disque, l'ensemble fascine par sa cohérence musicale, évitant les pièges du vintage comme d'une révolution trop "tabula rasa".

Et si la prestation peut sembler réglée comme du papier à musique, on ne peut que se délecter du brio des musiciens, et des inspirations soudaines de chacun, des soli de guitare d'Adrian Utley aux scratchs virtuoses de Geoff Barrow, cerveau de Portishead ici dans son plus beau rôle. Sans oublier, bien sûr, la voix unique de Beth Gibbons, recroquevillée discrète au milieu de la scène, distillant sans pathos ni excès un chant plein d'une mélancolie blanche. Sur Glory Box et, surtout, Roads, l'interprétation touche au sublime. Et si l'Anglaise ne lâche aucun mot au public entre les chansons, c'est pour mieux s'offrir un bain d'émotion sur le dernier titre - explosif We Carry On - longeant le premier rang pour serrer ses fans dans ses bras, tandis que le reste du groupe s'offre un sprint final puissant et inspiré.

Difficle après ce grand moment de rentrer vraiment dans le concert de Beirut, débuté tandis que Portishead attaquait son dernier quart d'heure. Epaulé par des musiciens un poil ripolinés - accordéon, trompette, tuba et autre bignou dans leurs oeuvres - Zach Condon égrène les titres les plus tubesques de ses albums, pour la plus grande joie d'un public conquis. A croire que sa pop-balkanique colle à l'esprit des lieux. Reste que même si l'ensemble est maîtrisé, il manque une étincelle. Et qu'après Portishead, Beirut c'est un peu comme de se retrouver coincé dans une station de métro pleine de musiciens de rue, alors que son iPod vient de tomber en panne.

A contrario, le set des Chemical Brothers tombe mieux, histoire de boucler la soirée en remuant sans arrières-pensées. Fort en light-shows jean-michel-jarriens et en projections hypnotiques, cette grande messe electro use à merveille de ses vieilles formules pour faire danser la plaine de l'Asse. Le rite est connu, les hits également, mais l'ensemble fonctionne toujours aussi bien, malgré des climax moins marquant que par le passé. Certes, contrairement à ses voisins rois de la scène trip-hop, le duo princier du big-beat ne s'est guère renouvelé. Mais à le mérite de parfaitement assurer le show, au point d'effacer des mémoires l'arnaque Fat Boy Slim d'il y a deux ans et de redonner une chance aux DJ-sets de feu sur la grande scène de Paléo.

Photographie: © Paléo / Boris Soula

Sur la route des festivals - Paléo 2011 (I)

Matt Berninger Imbibé, mais pas trop, le chanteur de The National a gagné en prestance sur scène, à l'image d'un groupe désormais taillé pour le succès.

De la boue, de la boue et encore de la boue. Malgré l'interruption de la pluie, la première soirée de ce 36e Paléo a des airs de revival Woodstock. Sauf que comme on est en Suisse, les bottes de pluie se comptent par brouettes dans le public, tandis que sur la grande scène s'époumone Zaz. Perso, je n'y vais pas, car je voulais en faire une chronique, mais elle m'a dit qu'elle n'en voulait pas. Ou pas.

A la place, je fais halte au Club Tent où joue Pulled Apart By Horses. Démarrant à la manière d'un final - on croise les guitares autour de la batterie en arquant bien les jambes - les Anglais se lancent ensuite dans une cavalcade tonitruante où se télescopent influences garage-rock, heavy, punk, voire metal. C'est débordant d'énergie et de décibels, ça donne envie de faire de la moto dans le désert, mais ça manque un peu de compositions. Dommage. Le flash est jouissif, mais le plaisir ne dure pas éternellement.

Détour donc par le Châpiteau, où Katerine a commencé son show. Fidèle à l'esprit de cette tournée, le Vendéen égrène les compositions de son dernier album, dans l'ordre, ou presque. Un petit Je vous emmerde par-ci, un petit 100% VIP par-là, permettent d'alléger l'impression d'écouter le disque en un peu plus fort, avec juste des visuels en plus (un Katerine maquillé et outrancier à souhait et des pom-pom girls dignes d'une équipe de 3e division). Reste que sur scène, les limites de l'exercice transparaissent vite. Si 2-3 chansons tiennent bien la route (La banane, Liberté), l'ensemble reste trop minimaliste pour convaincre - 2 accords de guitare, 12 mots, 3 minutes au compteur - et fait l'effet d'une succession de blagues. C'est drôle, mais une fois seulement. Et même si la posture est jouissive - Katerine en Andy Kaufman populaire, tordant la variété façon entrisme absurde - on ne peut s'empêcher de regretter la tournée précédente, portée par la fougue des Little Rabbits.

Un passage aux stands plus tard - merci la nourriture asiatique et le rosé local - retour au Châpiteau pour le concert attendu de The National. Deux jours après Gurten et 3 semaines après St-Gall, les Américains bouclent sur l'Asse leur tour de Suisse des festivals. Et doivent confirmer leur statut de nouveau fer de lance d'une certaine scène rock-indé, présente en force à Paléo cette année (et également celui de groupe préféré de Barack Obama). Un poil hésitant, le début du concert laisse craindre une prestation en demi-teinte, calibrée mais pas assez solide pour le lieu. Mais dès Conversation 16, le groupe s'élève. Et muscle son jeu. Plus emphatique que sur disque, The National embarque le public du Châpiteau dans son univers, gagnant en puissance et en aura. Les mains tapent en rythme, encourageant cette montée épique bien sentie. Et si certains regretteront le bon vieux temps des petites salles, on saluera la prestance nouvelle de Matt Berninger, imbibé, mais pas trop (remember Le Romandie, pour ceux qui y étaient).

Slalomant avec aisance parmi la discographie du groupe, la suite fait la part belle à High Violet, tout en s'offrant quelques morceaux de bravoure plus anciens, d'un magnétique Squalor Victoria à un Abel plein de fureur, en passant par un très beau Lucky You, dédicacé à leur fidèle agent helvétique (un très bon gars, croyez-moi). Reste que le plus impressionnant est sans doute l'ampleur nouvelle qui émane des titres issus de High Violet. Plus lyrique et massif, le son de The National colle parfaitement au lieu et laisse soufflé plus d'une fois. L'intro nerveuse de Bloodbuzz Ohio, la grandiloquence vibrante d'England ou encore la mélancolie crasseuse de Sorrow fascinent. Et le final termine cette ascension vers un sacre. Plus classieux que jamais en crooner titubant, Berninger se plonge dans la foule pour Mr. November, juste après avoir invité Zach Condon (Beirut) pour des backing de luxe sur Fake Empire. L'instant est magique et magnifié par un incroyable Terrible Love en guise de révérence, à l'électricité plus abrasive que jamais. Sûr que la prochaine fois, c'est sur la grande scène que l'on retrouvera The National.

Photographie: © Paléo / Anne Colliard

Sur la route des festivals - Gurten 2011

Equipée sauvage Cuir sur le dos, guitare à l'équerre, les Arctic Monkeys sont plus "heavy" sur scène, mais ne perdent pas leur sens du tube minuté.

"Un Gurten Festival sans pluie ne serait pas un vrai Gurten Festival." me prévient un commentaire sur Facebook, tandis que j'embarque dans le train pour Berne dimanche matin, trempé par 5 minutes de marche sous la pluie. Certes, me dis-je, mais quand même. Arrivé dans la capitale, je fais une halte au chaud et renonce à monter sur la colline pour The National. Je les verrai mardi à Paléo, sous la pluie peut-être, mais sous un châpiteau.

J'arrive donc au Gurten Festival en fin d'après-midi seulement, dans la boue, mais sous un ciel plus clément. Et peux jeter un oeil - et une oreille - rapide au concert de Beady Eye sur la grande scène, pour constater que Liam Gallagher n'a guère changé, dans l'attitude comme dans le look: parka vert militaire fermée, capuchon sur la tête, voix gouailleuse et regard qui toise. En plus, à l'exception du frangin Noël, on retrouve à ses côtés toute la bande de la dernière tournée du groupe culte de la brit-pop. Seul hic, les compositions mythiques, elles, sont restées chez Noël et celle de Beady Eye tiennent plus du pub-rock tout-venant. Comme le suggère un confrère blogueur, ça a la couleur, voire l'étiquette Oasis, mais pas le goût.

En parlant de britannique et de boisson, je profite du calme entre deux concerts pour trinquer avec un drôle de numéro, venu tout droit de Londres. Greg Parmley, journaliste parti pour se faire 26 festivals européens de 13 pays différents en un mois. Le tout sur sa moto pour un record du monde à la clef. Ouvrez l'oeil ce soir si vous êtes à Paléo, il y sera (vous le reconnaîtrez à son bras couvert de bracelets de festivals).

Musicalement, les choses s'améliorent ensuite avec la prestation d'Aloe Blacc qui, si elle s'écarte peu des canons d'une certaine soul millésimée Motown, dégage une énergie et un groove remarquables. Accompagné par un groupe ad hoc, enchaînant quasi non-stop les titres de son récent album, l'Américain offre un spectacle sûr et maîtrisé, qui suffit à faire danser le public, dans une ambiance bon enfant particulière à Gurten. Et si certains feront la fine bouche en notant que tout cela n'invente pas grand-chose, on pourra leur rétorquer que c'est toujours mieux qu'une Amy Winehouse définitivement hors-jeu ou, surtout, la soul - quelqu'un a dit soupe? - indigeste d'un Ben l'Oncle Soul.

Reste que ce qui m'a fait poussé à cette parenthèse bernoise, c'est avant tout l'unique date helvétique des Arctic Monkeys, pas revus par ici depuis leur mue, plus heavy dans le son, plus garage dans le look. Alex Turner et Jamie Cook arborent ainsi un dress-code façon Brando dans L'équipée sauvage, jeans serré, T-shirt moulant et perfecto en cuir. Quant à la musique, une fois passé un entrée en scène au son du You Sexy Thing de Hot Chocolate, on rentre de plein pied dans du rock, du vrai. Dès Library Picture et, surtout, Brianstorm, les Anglais balancent leurs décibels, portés par une batterie tellurique et des riffs aiguisés. Leur passage dans la "Josh Homme Academy" se fait sentir et on notera l'assurance nouvelle de Turner au micro, façon Julian Casablanca, le côté bad boy en plus.

Seul hic, des problèmes techniques semblent handicaper le groupe. Les pauses entre deux titres s'allongent irrémédiablement, de Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair à Pretty Visitors, et She's Thurnderstorms sonne le glas de ce concert, avec un faux départ, puis une guitare qui s'éteint. Les Arctic Monkeys quittent la scène et laissent leurs roadies tenter de réparer tout ça (selon mes infos, des problèmes de pédales d'effet). Cinq bonnes minutes passent, mais le public reste en place et ne s'énerve pas. Comme les 4 musiciens de Sheffield, qui reviennent sur scène comme si de rien n'était, s'excusant juste de l'interruption et remerciant le public de sa patience. Jolie leçon de professionnalisme.

Le concert reprend dès lors sur les chapeaux de roues, instaurant avec The View From The Afternoon et I Bet You Look Good On The Dancefloor, un rythme soutenu, qui ne retombera pas. Fidèle à sa setlist actuelle, Arctic Monkeys rattrapent les minutes perdues, pour revenir ensuite à ce maudit She's Thunderstorms, passé cette fois-ci avec brio. La suite est un alignement de tubes minutés qui redonne de l'énergie au public, jusqu'à un formidable When The Sun Goes Down qui fait bondir le public. L'oeil sur le chronomètre, Alex Turner renonce à la sortie de scène avant les rappels, lançant simplement à l'assistance "Hey you Swiss people, do you want more?", avant de balancer un très punchy Fluorescent Adolescent et un plus groovy 505, pour tirer ensuite sa révérence. Comme il y a 3 ans à Paléo, je reste soufflé par l'insolence fougueuse et le côté vieux roublard du groupe. Mais noterai ce supplément de puissance électrique qui suinte désormais d'Arctic Monkeys, capables de rebooster leurs titres les plus anciens à ce régime (notamment ceux de Favourite Worst Nightmare, à l'honneur sur cette tournée), histoire de les mettre dans le ton de leur sonorité actuel.

Photographie: © Konzertbilder.ch

Sur la route des festivals - Montreux Jazz 2011 (IV)

Scottisch Rock Army Général en chef de la troupe Mogwai, Stuart Braithwaite a fait une nouvelle fois trembler le Miles Davis Hall. Sans surprise, mais avec maestria.

Le Montreux Jazz Festival n'est pas un festival comme les autres. Plutôt que le plein air, on y préfère les salles. Plutôt que les affiches gargantuesques, on privilégie la concision. Et la cohérence. Mais la règle souffre quelques exceptions. Les plus de trente ans se souviendront d'une soirée contre-nature il y a une dizaine d'année, mêlant Sonic Youth et... Silmarils. Quant à Mogwai, ils auront sans doute pris l'habitude des plateaux bancals. Il y a 8 ans, les Ecossais bouclaient une soirée lancée par Yo La Tengo, puis Tricky. Il y a 5 ans, on les retrouvait coincé entre un groupe wallon (Venus) et un groupe flamand (dEUS). Et cette année, il complétait une affiche composée de Lamb et Black Dub.

Premier venu, le nouveau groupe de Daniel Lanois s'avère fidèle à ce qu'on a pu entendre sur disque. De très bons musiciens, une chanteuse blanche à la voix black, mais des compositions un peu faiblardes et un goût prononcé pour les refrains forcés. Sauf que sur scène, Black Dub parvient à faire oublier ces limites et à se concentrer sur ses qualités. Surtout lorsque la blonde Trixie Whitley lâche le micro pour se mettre au synthé ou disparaître en coulisses, à l'exception du très bon Ring The Alarm en fin de set. Servi par un batteur parfait de nonchalance (tendance Charlie Watts) comme d'énergie et d'un bassiste brillant par sa virtuosité discrète, Lanois se fait plaisir à la guitare, distillant un son électrique à souhait, et offre une très belle version de Marie-Claire à un public disparate mais respectueux.

Après cette bonne introduction, je passe mon tour sur Lamb, laissant les réminiscences du trip-hop à d'autres, la majorité des spectateurs qui ont fait le déplacement. Un ami me dira plus tard être venu pour le souvenir des années trip-hop, dernier genre marquant à avoir fait son apparition pour lui. Perso, je donnerai ce titre au post-rock. Ce qui expliquera mon empressement à gagner les premiers rangs une fois Lamb sorti de scène, pour ne pas perdre une miette de Mogwai.

Fidèles à l'habitude, les Ecossais s'alignent sur scène sans un regard entre eux, façon Scottish Rock Army, affichant un masque de sérieux qui ne se craquèlera guère durant le concert. Pour le reste, après un White Noise plus planant que bruitiste, Mogwai dégaine l'artillerie lourde pour le pavlovien Rano Pano et ses guitares saturées à l'unisson, qui lance véritablement le concert. La suite alternera entre titres tirés du très bon Hardcore Will Never Die, But You Will et extraits des albums les plus récents du groupe (The Hawk Is Howling, Mr Beast, Happy Songs For Happy People). Et si on regrettera l'absence de la plupart des titres phares du groupe (Ithica 27 ϕ 9, Like Herod, Glasgow Mega Snake, Christmas Steps), on ne boudera pas son plaisir pour autant. Parfaitement en place, Mogwai déroule un post-rock plus racé qu'attendu, servi par des projections parfois fascinantes (quartiers industriels, vélo en caméra embarquée, panorama urbain nocturne).

Maîtrisés sur scène, les derniers titres y gagnent même en puissance ou en magnétisme, de la cavalcade San Pedro à l'orfèvrerie de fureur You're Lionel Richie, en passant par le krautrock assumé de Mexican Grand Prix. Et si les "chansons" comme Hunted By A Freak (et son vocoder) ou Killing All The Flies (et son vocoder), restent toujours un poil dispensables malgré leur lente poussée d'électricité, c'est avec plaisir qu'on redécouvre le coup de sang shoegaze de Travel Is Dangerous, morceau peu réécouté depuis Mr. Beast. Reste que malgré la qualité du set, ce concert n'aurait pas été complet sans un grand Mogwai Fear Satan en bouquet final. Jouant à la perfection des decrescendos et des explosions soudaines, le groupe de Glasgow magnifie son morceau emblématique, tout en évitant les pièges faciles, des poses metal forcées au larsen final. Précis, puissant et vibrant, le final est à l'image de ce troisième concert montreusien de Mogwai: une leçon d'électricité sonique qui, si elle ne s'avère guère surprenante, reste toujours aussi jouissive. C'est con, mais c'est bon.

Sur la route des festivals - Montreux Jazz 2011 (III)

Le syndrome du stade Carré et efficace, Arcade Fire aura peiné à débrider le public montreusien, jusqu'à opter pour le pilotage automatique. La confirmation est là, mais pour la consécration, on repassera.

Il y a comme ça des instants manqués. Dimanche soir, j'ai eu la mauvaise idée de sortir fumer une cigarette juste avant que James Vincent McMorrow ne se lance dans une reprise de Sun Kil Moon (Like The River, a priori). Dommage, j'aurais été curieux de l'entendre. De même, j'ai beau avoir suivi l'intégralité du concert d'Arcade Fire, mes oreilles étaient ailleurs lorsque Win Butler - à en croire plusieurs personnes croisées à la sortie - aurait lâché un plutôt inélégant "Fuck Switzerland", excédé par un public trop mou à son goût. Mais reprenons les choses dans l'ordre.

En grimpant les escaliers de l'Auditorium Stravinski dimanche soir, j'avais l'impression de retrouver l'excitation ressentie huit ans plus tôt, lors du concert de Radiohead au Montreux Jazz Festival. Ce sentiment de privilège d'aller voir sur scène l'un des meilleurs groupes de l'époque, dans un écrin presque à taille humaine. Appelé à ouvrir les feux, le jeune Irlandais James Vincent McMorrow se retrouve ainsi face à un parterre déjà bien garni, seul avec sa guitare au milieu d'une scène qui semble trop grande pour lui. Heureusement, son groupe le rejoint dès le deuxième morceau.

Fidèle au style délicat entendu sur disque, le songwriter offre un set maîtrisé et agréable, alternant ballades composites et airs plus directs, flirtant par instant avec une certaine pop-folk FM. Il y a du bon chez l'Irlandais, du très bon même parfois lorsqu'il laisse respirer sa musique en bon voisin de Bon Iver, mais également des excès, donnant parfois à l'ensemble une teinte quasi-mainstream. A la manière de son grand écart au moment de reprendre ses pairs - ses pères? - Sun Kil Moon, donc, puis Chris Isaak, avec Wicked Game. On le situera quelque part entre les deux.

Précédé d'une bande-annonce façon drive-in, Arcade Fire débarque sous les cris de la foule. Et démarre pied au plancher, enchaînant les titres euphorisants, de Ready To Start à No Cars Go. Mais le public est encore trop mou au goût de Win Butler, qui lâche sa flûte (!) un instant au milieu de Sprawl II pour venir haranguer les premiers rangs. Certes, les clappements de mains et autres bras levés sont un peu faiblards, mais bon... pour l'ambiance de stade, il aurait mieux valu choisir un grand open air plutôt que l'atmosphère feutrée de l'Auditorium Stravinski et ses billets de 95 à 240 francs. Surtout que le son, censé être du velours, laisse clairement à désirer, brouillon, privilégiant basses puis aigus, noyant parfois les voix, à l'image d'un Neighborhood #1 (Tunnels) comme mutilé dans son lyrisme, où l'on entend à peine celle de Butler.

En rang serré, moins explosif que par le passé (à l'exception notable du funambule-à-tout-faire Will Butler), limite carré, Arcade Fire déroule malgré tout sa longue liste de tubes, fidèle à sa feuille de route de tournée. Seules exceptions, un magnifique Crown Of Love, puis Speaking In Tongues, nouveau titre ajouté à la réédition de The Suburbs, malheureusement dispensable et qui calme un peu les timides ardeurs du public. Heureusement, l'emphatique Intervention, puis Rococo, bien plus intéressant sur scène que sur disque, remettent un peu d'huile dans le moteur, avant un formidable enchaînement Month Of May/Rebellion (Lies), tendu et électrique à souhait. Reste que Win Butler paraît toujours fâché de la molesse de la salle et donne l'impression d'enchaîner la suite sans grande conviction, négligeant les transitions à la manière d'un juke-box en pilotage automatique, pour un nouvel alignement de hits, jusqu'au rappel final, avec le très springsteenien Keep The Car Running puis le traditionnel Wake Up, scandé à l'unisson par la foule.

Difficile au final de s'enthousiasmer totalement pour la prestation d'Arcade Fire. Loin du pétard mouillé, mais loin également de la consécration attendue, les Canadiens auront fait le boulot, sans plus, pour un concert qui ne restera sans doute pas dans les annales du festival. La faute au son? Au lieu? Au groupe? Un peu de tout ça, sans doute, tant l'alchimie n'a jamais semblé prendre. Et cette impression qu'Arcade Fire n'a pas vraiment essayé de s'adapter à la salle et à son public, bien loin des halles et autres open airs habituels, malgré quelques très bons moments.

Et si certains en seront tout de même ressortis séduits, ceux qui avaient déjà eu la chance de voir le groupe à l'époque de Funeral ou de Neon Bible auront pu constater la différence entre un grand groupe en devenir et un futur groupe de stade. Orphelin de la folie bancale qui fut un temps sa marque de fabrique, Arcade Fire s'avère une machine bien huilée, capable d'assurer le show même quand l'envie n'y est pas, jusqu'à paraître désincarnée par instant. C'est peut-être regrettable, mais c'est sans doute nécessaire pour conquérir les stades. Et comme ceux-ci sont plutôt mal fréquentés depuis plusieurs années, on se réjouira d'y retrouver bientôt le groupe de Montréal, pour du stadium rock fréquentable. Sans pouvoir tout à fait réfréner une certaine nostalgie.

EDIT: L'enregistrement de ce concert vient de faire son apparition sur la Toile, juste là. La qualité est moyenne (un soundboard brut), mais devrait permettre de se (re)faire une idée sur cette prestation ou de revivre ce concert. Merci à Olivier pour le lien et au Twitter des fans du groupe pour la mise en ligne.

Photographie: © Montreux Jazz Festival / Lionel Flusin

Sur la route des festivals - Montreux Jazz 2011 (II)

Elévations Passant avec grâce d'un piano mélodique à des boucles plus sismiques, James Blake aura démontré sur scène qu'il faudra désormais compter avec lui.

Pauvre sur le papier, la programmation du Miles Davis Hall recelait toutefois 2 soirées prometteuses, pour ceux qui étaient prêts à creuser. Avant le feu d'artifice électrique promis par Black Dub et Mogwai en deuxième semaine, ambiance plus feutrée pour le mardi soir, entre folk et electro.

Le concert de Rumer annulé, la soirée débute par un croisement des genres - façon folktronica - en lieu et place d'une pop-soul un poil trop sage. Invitée au pied levé, la Neuchâteloise Olivia Pedroli a l'occasion de réparer une vraie injustice: suite au très beau The Den sorti l'année dernière, il aurait été malheureux de la priver de Montreux. Et ne la rate pas. Epaulée par des musiciens impeccables de touché - Stéphane Block, Denis Corboz, Jean-François Assy et Nicolas Julliard (aka Fauve) - l'ex-Lole offre un amuse-bouche des plus délicats, reproduisant avec tact les climats cotonneux et mouvants de son album. Et privilégiant une ambiance acoustique qui sied parfaitement au Miles Davis Hall. Pas surprenant, mais confirmant une mue réussie, la parenthèse convainc ceux qui sont venus tôt.

Clairsemée, la salle change de visage ensuite, pour le concert de James Blake, prodige annoncé et attendu. En trio - batterie, basse sismique, piano et machines - l'Anglais fait mieux que reproduire son premier album. Alternant ballade au piano et parties plus électroniques, il parvient à transcender sa formule, insufflant un rythme naturel à son set, y ajoutant même quelques titres issus de ses premiers EP. Servi par un son remarquable, le trio déroule partiesmélodiques et passages plus abstraits, jouant des silences du lieu, sans jamais décrocher son auditoire. Les infrabasses chatouillent, les rythmiques crissent et la voix de Blake, mi-ange, mi-robot, insuffle ce supplément de soul si particulier, capable de faire pleurer les machines, ou du moins de les faire léviter.

Après ce petit miracle, difficile de se plonger dans la country de Laura Marling, pourtant pleine d'un charme tonique en solo ou soutenue par un violoncelle. Dommage. Ce sera sans doute le seul bémol qu'on trouvera à cette soirée: ne pas avoir garder l'élévation Blake pour la fin. On tentera bien une incursion du côté du Jazz Café où bondissent The Vaccines, mais l'envie n'y est plus - de redescendre sur terre - surtout quand on n'a plus 15 ans...

Photographie: © Montreux Jazz Festival / Daniel Balmat

Sur la route des festivals - Cité / Montreux 2011

Fête mélomane Les Américains DeVotchKa et leur tuba à guirlandes ont réconcilié fête au village et concerts de choix à l'occasion du Festival de la Cité.

Donc ça y est, on est en juillet, et les festivals vont se succéder pendant près de deux mois. Détail non négligeable dans cette jungle estivale, plusieurs scènes gratuites sont au programme, de Lausanne à Montreux, offrant des affiches loin d'être inintéressantes.

Première étape du voyage, le Festival de la Cité parvient ainsi depuis deux ans à renouer avec son glorieux passé et ajouter la qualité artistique à sa légendaire ambiance de fête au village. Entre mille rencontres et presque autant de bières, la soirée de vendredi permettait ainsi de découvrir - ou redécouvrir - sur scène Arnaud Fleurent-Didier, DeVotchKa, My Cheap Little Dictaphone ou encore We Are Enfants Terribles. Perso, j'ai misé sur les deux premiers uniquement, avant de me fondre dans la fête au village, pour un bilan mitigé, mais tout de même réjouissant.

Premier sur la scène ronde du Château, Arnaud Fleurent-Didier pâtit d'un son faiblard selon les endroits où l'on est placé (le premier rang notamment) et de la lumière du jour, condamnant ses projections étudiées à ne servir à rien. Parti comme ça, difficile de faire mieux que tant, surtout dans une formule à 3 (basse-batterie-piano) qui oblige à recourir à des boucles pré-enregistrées. Reste quelques bons moments, lorsque la musique se débride, à l'exemple d'un Mémé 68 émancipé et enlevé, que l'on préférera de loin à un France Culture trop fidèle. Courageux et bancal, le set montre rapidement ses limites, plombé encore d'une attitude un poil trop désengagée, entre nonchalance assumée et distance poseuse. Dommage. Mais sans doute que la musique du Français n'est pas faite pour les open air.

Tout le contraire du folk blog-trotter de DeVotchKa. Déjà brillant sur la scène B de Rock Oz'Arènes il y a deux ans, le groupe américain séduit et bluffe son monde. L'assistance est copieuse et restera jusqu'au bout, prise par une musique où s'entrecroisent sonorités russes et sursauts mariachis (et pour répondre à ceux qui me posaient la question à l'issue du concert, DeVotchKa vient du Colorado, si, si). Sur scène, malgré l'absence des danseuses aperçues sur la dernière tournée du groupe, on fait souffler un vent de bastringue communicatif, d'un tuba débordant de guirlandes lumineuses à un extradordaire violoniste-accordéoniste à tout faire, en passant par un chanteur au charisme festif. Les titres du récent - et réussi - 100 Lovers s'enchaînent, avant de céder la place aux "hits" de DeVotchKa, issus de la bande-son du film Little Miss Sunshine. Le sifflottement se propage et le pari est réussi pour la Cité, preuve que l'on peut s'offrir un frisson world-folk sans tomber dans le bal populaire.

Au lendemain de ce petit bain de foule, il est déjà temps de longer les quais du Montreux Jazz Festival, pour un changement d'atmosphère radicale. A la foule bigarrée de la Cité succède le public jeune et branché - qui a dit hipster? - du Jazz Café. Normal, on est samedi, et les groupes annoncés sont WU LYF et Crystal Fighters. Echaudé par un récent concert au Kilbi Festival, je ferai l'impasse sur les seconds, pour me concentrer sur les premiers, grosse sensation de ce début d'année. Avançant - enfin - à visages découverts, les Mancuniens étonnent par leur jeunesse. Et offrent un concert brut de décoffrage, qui laisse hésitant sur leur futur. Difficile de dire s'ils survivront à l'été ou non? Ou si un jour on racontera à d'autres avoir assisté à ce concert en "petite" salle avant le stade. Reste que musicalement, la prestation est à la hauteur du récent Go Tell Fire To The Mountain... pour le meilleur comme pour le pire. Une fougue rafraîchissante, une énergie brûlante, un bordel tellurique, une emphase continue et quelques titres qui frappent fort, très fort (Dirt, Lyf, Concret Gold). Malheureusement, comme un revers de médaille, le gros du concert souffre encore de morceaux mal dégrossis et d'un art de la formule qui tourne un peu en rond (rythmiques épilleptiques, cris gutturaux, lignes de guitares épiques). Rien de grave toutefois. WU LYF aura été à la hauteur de sa réputation, ce qui est déjà pas mal pour un groupe entouré d'un tel buzz. A voir si les autres représentants de cette catégorie appelés à leur succéder sur les scènes romandes cet été parviendront à en faire autant...

Photographie: © Festival de la Cité / Olivier Wavre