Bon pour les oreilles

Sigur Rós - Dánarfregnir og jarðarfarir

Lutins islandais Avant de devenir le champion du post-rock, Sigur Rós était un groupe mystérieux, capable de reprendre le tout aussi mystérieux chant des morts islandais.

C'était il y a un peu plus de dix ans. Un ami revenait d'un concert de Radiohead - sous châpiteau itinérant, drôle d'idée - et ne tarissait pas d'éloge sur le groupe de première partie: Sigur Rós. Un groupe islandais dont personne ici n'avait jamais entendu parler. Et dont les disques n'avaient pas encore traversé l'Atlantique (inutile de préciser qu'à cette époque internet était encore un mot... comment dire... exotique).

Très vite, j'avais réussi à obtenir en import Agaetis Byrjun, le deuxième album du groupe - le premier croyais-je - et guettais la venue de Sigur Rós en Suisse. Chose faite en 2001 dans le cadre du Montreux Jazz Festival, pour un concert magnifique au coeur de la nuit, après Sinner DC, DAAU et Arab Strap (une de ces soirées dont Montreux avait le secret). Par la suite, j'ai revu plusieurs fois Sigur Rós sur scène, mais sans jamais retrouver la magie de ce premier concert.

Idem avec les disques du groupe. Passé un mitigé et un brin pompeux () (même si le dernier titre reste un sommet), la suite des productions de Sigur Rós m'a laissé froid, voire distant, d'albums faciles (Takk..., Með suð í eyrum við spilum endalaust) en projets anecdotiques (Ba Ba Ti Ki Di Do), le groupe islandais s'est perdu dans la formule. Seule exception à mon goût, l'étrange double EP Hvarf/Heim, offrant des relectures inspirés de quelques (très) vieux titres comme Von ou Hafsól.

Confirmation que je reste surtout attaché aux premières années du groupe. Et à ses faces B notamment. Tel le plombant et élégiaque Dánarfregnir og jardafarir, tiré du maxi Ny Batteri. Une reprise d'un des titres les plus joués de la radio islandaise... celui qui accompagne la lecture quotidienne des avis de décès. Incroyable mais vrai, dans le pays de Björk et d'Eyjafjöll, chacun a le droit d'être nommé sur les ondes lorsqu'il disparaît. Et la petite musique qui l'accompagne est connue de tous les Islandais. Comme Sigur Rós.

Sigur Rós - Ny Batteri (maxi)
1. Rafmagnið búið 2. Ny batteri
3. Bíum bíum bambaló
4. Dánarfregnir og jarðarfarir

Okkervil River - Mermaid

We need a myth Une sirène, des hommes et des maux. En une chanson, Okkervil River concilie ballade folk ancestrale et poésie façon troubadour.

Okkervil River a changé. I Am Very Far l'a prouvé cette année. Jonathan Meiburg parti avec Shearwater - et jouer les pianiste de luxe pour Bill Callahan - Will Sheff a transformé sa créature bicéphale en un véhicule pour ses aspirations pop, quasi spectoriennes. Certains s'enthousiasmeront, d'autres le regretteront, et ceux qui comme moi sont attachés au groupe d'Austin l'accepteront. Mais garderont l'oreille ouverte quand même.

Ainsi, dans le même temps ou presque où sortaient I'm Very Far, Okkervil River publiait un vinyle composé de 2 inédits. Et si la face B restera anecdotique dans la carrière du groupe, la face A, elle, aurait mérité les honneurs d'un album. Un peu comme The President's Dead, il y a quelques années.

Dès la première écoute, Mermaid s'impose comme une certaine quintessence du style Okkervil River. Une mélodie simple, traversée d'inflexions épiques et bien servie par des arrangements classieux. Un texte scandé et habité, revisitant un mythe séculaire (la sirène), dont Sheff s'empare pour sonder la part d'ombre de l'être humain. Résultat: un mariage parfait entre folk ancestrale et poésie façon troubadour.

Composée à l'origine pour le film In Search Of A Midnight Kiss, cette ballade est restée 4 ans dans les tiroirs, avant d'être réenregistrée et remodelée pour devenir un 12" inédit. On y retrouve Jonathan Meiburg pour les backing vocals. Et on a presque l'impression de revenir dans un pays connu, celui du Okkervil River d'hier, qui lui, n'aurait sans doute pas hésité à offrir une place de choix à ce titre sur I Am Very Far.

 

Okkervil River - Mermaid (12")
1. Mermaid
2. Walked Out On A Line

The Flaming Lips - Can't Get You Out Of My Head (KEXP Version)

Lalala lalalala la lalala... Lyrique, pompière, affectée, Kylie Minogue façon The Flaming Lips, ou comment dégainer le premier degré pour un effet second degré.

Peu d'artistes mainstream ont été aussi "pervertis" par la scène indé que Kylie Minogue. En duo avec Nick Cave, remixée par Fisherspooner ou Soulwax/2 Many DJ's, profitant - ou non - de compositions d'Emiliana Torrini ou de Hot Chip, l'Australienne aura été comme adoubée dès la fin des années 90, sortie du purgatoire des nineties (joli album éponyme) après la pop jetable des eighties.

Peu d'artistes indés ont été aussi prompts à "pervertir" la musique des autres - indés ou mainstream - que The Flaming Lips. Revisitant Dark Side Of The Moon de A à Z, malaxant les tubes de MGMT pour le plaisir de la scène, détournant - involontairement? - ce bon vieux Cat Stevens (Fight Test attaqué pour sa trop grande ressemblance avec Father And Son), le groupe d'Oklahoma City est sans doute l'un des plus libres de l'époque, pour le meilleur et l'excellent parfois.

Forcément, ces deux là étaient faits pour se rencontrer. Musicalement du moins. Et c'est The Flaming LIps qui a choisi de s'attaquer, à sa façon, au tube multi-platiné de Kylie Minogue, Can't Get You Out Of My Head. Face au mash-up érudit de Soulwax (Can't Get Blue Monday Out Of My Head), au remix musclé de 2 Many DJ's ou à la relecture façon bluette d'une Helena Noguerra, Wayne Coyne et ses sbires sortent l'artillerie lourde. Percussions profondes, synthés planants, presque cérémoniaux, et chant affecté, plein d'un lyrisme sur le fil. Ou comment dégainer le premier degré pour mieux réussir un détournement au second degré.

Enregistrée à l'origine pour une KEXP Session d'AOL, cette reprise se retrouve sur le EP Fight Test. Et y côtoie deux autres covers bien senties... et plus indies. Une relecture plutôt classique du Golden Age de Beck et une autre, sous Prozac psyché, du Knives Out de Radiohead. Le tout complété par une ballade country décalée en hommage à Jack White. Et la preuve de l'esprit potache de The Flaming Lips n'est plus à faire.

 

The Flaming Lips - Fight Test (EP)
1. Fight Test 2. Can't Get You Out Of My Head (KEXP Version)
3. The Golden Age (CD101 Version) 4. Knives Out (KRCW Version)
5.Do You Realize?? (Scott Hardkiss Floating In Space Version)
6. The Strange Design Of Conscience 7. Thank You Jack White (For The Fiber-Optic Jesus That You Gave Me)

Elliott Smith - Because

Beautiful loser Chaînon manquant entre les Beatles et Nick Drake, le songwriter américain allait choisir le chemin du second... et devra sans doute attendre pour en connaître le culte.

S'il y a une chose que je n'aime pas dans le rock, ce sont les anniversaires. Tout est aujourd'hui matière à célébration. Les 20 ans de Nevermind, les 30 ans de la mort de George Brassens (ou les 90 ans de sa naissance, je ne suis plus très sûr), les 20 ans de Achtung Baby et son coffret à 500 francs... A ce rythme-là, on songerait presque à se plonger dans le récent Retromania de de Simon Reynolds. Ou à inventer de nouveaux anniversaire. Genre les 50 ans de la première dent de Stephan Eicher (quelque part en 1961, je dirais), les 2 jours de l'annonce de la reformation des Stone Roses ou encore les un an de la mue de Justin Bieber.

Ceci dit, j'aime bien certains anniversaires. Ceux que personne ne fête, par exemple. Il y a trois ans comme aujourd'hui, j'étais à un concert de Chris Garneau durant lequel il joua Between The Bars d'Elliott Smith. Quelques heures plus tard, je recevais un SMS d'une amie me rappelant que le chanteur américain était mort il y a cinq ans. Le 21 octobre 2003, pour être exact.

Depuis cette date, Elliott Smith a déjà publié trois disques. Un album posthume que j'ai mis six ans avant d'écouter (From A Basement On The Hill), un joli double album de chansons enregistrées avant Either/Or (New Moon) et un best of parfaitement dispensable pour qui connaît l'oeuvre de l'Américain. Mais bizarrement, personne n'a encore eu l'idée de sortir une compilation de B-Sides et de raretés. Dommage.

Car si Elliott Smith laisse derrière lui cinq albums sortis de son vivant, il a également semé pas mal de chansons à gauche et à droite. Parmi celles-ci, quelques unes ont servi à des films, tel Miss Misery entendu dans Good Will Hunting. Ou encore Because, reprise des Beatles qui servait de générique de fin à American Beauty. Une chanson sur laquelle Elliott Smith laisse plein champ à sa voix, à l'image de quelques passages entendus plus tôt dans sa discographie (le magnifique I Didn't Understand qui clôt X.O.). Sur la seconde partie du titre, la guitare électrique fait son apparition, pour un final en suspension. En à peine plus de deux minutes, Elliott Smith confirmait son statut de petit prince de la pop, aussi bien héritier des Beatles que de Nick Drake. Dommage qu'il ait eu une carrière aussi brève que ce dernier. Et pas sûr que demain on pense à fêter les 8 ans de sa disparition, malgré la "rétromania" ambiante.

Various Artists - American Beauty (Soundtrack)

2. Elliott Smith - Because

Oui, je sais, vous avez peut-être déjà lu ce post. Mais comme je veux relancer cette rubrique "Le morceau caché" et que les sons ne fonctionnaient plus depuis belle lurette, je me dis que ça vaut le coup de se refaire cette chanson (surtout que c'est une super chanson!).

Radiohead - The Amazing Sound Of Orgy

Amnésie partielle Même s'il refuse aujourd'hui le jeu des faces-B, Radiohead fut un bon fournisseur du genre par le passé.

En choisissant depuis quelques années - et son départ de Parlophone - de ne plus publier de singles, Radiohead pensait sans doute faire la nique au système. Mais aura surtout privé ses fans de cette petite mine d'or qu'étaient devenues avec le temps ses faces-B. Et ce ne sont pas les remixes en tous genres que sort désormais le groupe d'Oxford - à l'image du tout frais, tout neuf Tkol rmx 1234567 - qui consoleront les fans qui savaient tendre l'oreille.

Anecdotiques aux débuts du groupe, ces morceaux écartés de la discographie "officielle" ont rapidement porté en eux les mutations à venir, expliquant par exemple l'évolution qui module la triplette Pablo Honey/The Bends/OK Computer. Pour s'en convaincre, il suffit d'écouter ceux qui composent le maxi Street Spirit - Talk Show Host et Bishop's Robes - qui marquaient l'arrivée d'un nouveau producteur, Nigel Godrich, dans le même temps qu'ils dévoilaient une partie des perspectives à venir. Une session complétée encore par Lucky, publié sur la compilation Help d'abord, puis sur OK Computer.

Certaines des chansons se sont retrouvées sur des compilations comme No Surprises (Running From Demons), Airbag/How Am I Driving ou encore le plus dispensable Com Lag 2+2=5. Mais étrangement, plusieurs d'entre elles sont restées dans l'oubli, telles celles de la période Amnesiac, peut-être parmi les meilleures enregistrées par Radiohead. Heureusement, le divorce consommé d'avec Parlophone aura amené l'ancienne maison de disques du groupe à rééditer l'entier de son catalogue il y a deux ans, agrémentant chaque album studio d'un second disque rempli de faces-B et autres chutes plus ou moins intéressantes.

Sans surprise, c'est donc la réédition d'Amnesiac qui aura offert les plus belles (re)découvertes, alignant quelques faces-B d'exception, dessinant des perspectives bien éloignées de Hail To The Thief ou de In Rainbows, les deux albums qui allaient suivre. Jusqu'à suggérer déjà, plutôt, les brumes de The King Of Limbs, mêlant krautrock hanté et afro-beat déstructuré, à l'exemple de Kinetic ou Trans-Atlantic Drawl. Reste que mon titre préféré de cette période est sans aucun doute The Amazing Sound Of Orgy, morceau échoué sur le single Pyramid Song, et qui laissait augurer un futur riche en loopings et en sommets pour Radiohead. L'histoire n'a pas toujours tenu ses promesses, mais ce titre seul n'a guère vieilli et reste toujours un "must have", un petit peu moins caché aujourd'hui, mais au moins disponible pour tous.

Radiohead - Pyramid Song (CD Maxi 1)
1. Pyramid Song
2. The Amazing Sound Of Orgy
3. Trans-Atlantic Drawl

Venus - Germano's Voice

Histoire belge Méconnu, mésestimé et disparu sans bruit, Venus laisse trois bons disques derrière lui. Et même quelques belles faces B.

C'est un peu une histoire belge. Au début on ne sait pas comment ça va finir. Et à la fin on réalise que ce n'est pas drôle. Venus apparaît entre 1997 et 1998 avec une poignée de EP's et des concerts remarqués. Un an plus tard, Welcome To The Modern Dance Hall marque le passage du groupe bruxellois au format long, pour un disque de rock acoustique et tendu, évoquant aussi bien le versant malsain du Velvet Underground que les poses expressionnistes du Ziggy Stardust de Bowie. Bien reçu à sa sortie, l'album tombe dans l'oubli au moment des bons points de fin d'année, préfigurant la suite pour Venus.

Car malgré un pharaonique projet orchestral (The Man Who Was Already Dead, enregistré en 2000 avec l'Ensemble des Musiques Nouvelles), Venus s'éteint une première fois. Et renaît là où on ne l'attend pas. En 2003, le sautillant Beautiful Day envahit les ondes FM, annonçant la parution d'un mitigé Vertigone. Le groupe a changé de visage (ils ne sont plus que quatre, dont deux nouveaux), déçoit certains fans et devient un "one hit maker" pour les autres. La mutation pop ressemble à un mauvais coup de poker.

Une brouette EMI et trois ans plus tard, Venus renoue avec ses premières amours, l'électricité en plus. Produit par Head, The Red Room séduit sans surprendre. Maîtrisé et habité, son blues rugueux rappelle la PJ Harvey des débuts. Venus a un train de retard, mais ce n'est pas grave. Venus est à nouveau fréquentable et plus si affinités même (en témoigne cette interview réalisée à l'époque, où le chanteur Marc Huygens n'élude pas les errances des années passées). Suit une longue tournée, où les titres de Welcome To The Modern Dance Hall ont à nouveau droit au chapitre, tandis que ceux de Vertigone passent pour la plupart aux oubliettes.

Sur cette tournée, je me rappelle d'un concert à Lausanne, un soir de Saint-Valentin. Venus en acoustique. Mon quatrième concert du groupe. Et si le plus beau restera le premier - magnifique dans le cadre forestier du défunt Fornex Festival - cette agape acoustique aura su retrouver le souffle des débuts. Un baroud d'honneur, malheureusement, puisque Venus se séparera quelques mois plus tard. Heureusement pour moi, ce soir-là ils jouèrent Germano's Voice, ma chanson favorite de leur répertoire. Un petit bijou noirâtre, acoustique, mélancolique, vénéneux, entendu en face B du EP Royalsucker. Un morceau rare et méconnu d'un groupe oublié. C'est aussi ça un beau morceau caché.

Venus - Royalsucker (EP)
1. Royalsucker 2. Germano's Voice
3. Pop Song 4. Theme For The Ghost

Oui, je sais, vous avez peut-être déjà lu ce post. Mais comme je veux relancer cette rubrique "Le morceau caché" et que les sons ne fonctionnaient plus depuis belle lurette, je me dis que ça vaut le coup de se refaire cette chanson (surtout que c'est une super chanson!).

Nirvana - Even In His Youth

Smells Like Teen Memory Vingt ans et toutes ses dents... ou pas. "Nevermind" ressort en grandes pompes et avec lui quelques faces-B riches en souvenirs.

Donc voilà, Nevermind a vingt ans. L'occasion pour les tenants du merchandising estampillé Cobain d'écouler quelques brouettes supplémentaires de ce désormais "classique", déjà vendu jusqu'ici à 30 millions d'exemplaires. Et de compléter une longue liste de sorties posthumes, inaugurée avec le magnifique Unplugged et nourrie ensuite de hauts (Live at Reading, la réédition de Bleach, le coffret With The Lights Out) et de bas (From The Muddy Banks Of The Wishkah, 2 best of et un inédit insipide).

Au final, malgré le culte incroyable qui entoure Kurt Cobain (qui, à part Jim Morrisson et Bob Marley peut se vanter de rhabiller autant d'adolescents nés après sa mort?), on constate avec un brin de surprise que la dérive mercantile aura été en partie évitée. Du moins au niveau discographique. Même si ce Nevermind célébré - et sa version coffret hors de prix - semble devoir être réservé aux archéologues du grunge, avides de démos, d'alternate takes et de mixes oubliés. Quoi que...

Comme par surprise, au moment de l'écouter, un arrière-goût de madeleine me prend. Une fois passé les douze titres attendus, entendus et réentendus, un autre titre, ressurgi du passé. Even In His Youth. 3:03 de furie mal dégrossie, dans la lignée de Drain You, Breed ou Territorial Pissing dans l'esprit, le génie mélodique en moins. 3:03 de rage adolescente, de frustration saturée, reléguées depuis belles lurettes dans les oubliettes de Nirvana (à l'exception du coffret With The Lights Out et du dispensable box Singles), alors qu'Ameurysm, face-B voisine, avait trouvé grâce le temps d'un Incestecide. 3:03 qui me laissent presque gêné aujourd'hui, au moment d'expliquer pourquoi ce souvenir si fort.

A moins que ce ne soit juste parce que c'était mon premier disque de Nirvana. Le single de Smells Like Teen Spirit, acheté quand j'avais 12 ans. Le clip qui tournait en boucle sur MTV et cette impression étrange de découvrir quelque chose de nouveau. Mon premier "vrai" disque, peut-être. Le rock sans doute, sans plus. Comme pour une génération entière, adolescente au début des années 90. Plus tard, très vite, j'achèterai Nevermind et l'userai jusqu'à la corde. Reste que Nirvana restera toujours avant tout pour moi un trio de chansons: Smells Like Teen Spirit, Ameurysm et ce Even In His Youth. J'avais perdu ce single lors d'un déménagement il y a quelques années. Et rien que pour cette redécouverte, les 20 ans de Nevermind auront eu un sens.

 

Nirvana - Smells Like Teen Spirit (CD maxi)
1. Smells Like Teen Spirit
2. Even In His Youth
3. Ameurysm

Dominique A - West terne

Ouest rèche Le temps d'une K7 solo offerte en 2001, Dominique A renoue avec les ambiances dépouillées de "La fossette". Et reprend Sapho.

Septembre 2001. Dominique A offre un pré-concert genevois à son nouvel album Auguri. Seul sur scène, guitare en bandoulière et pédales d'effets sous le pied, le musicien nantais dévoile des nouveaux titres, revisite son répertoire et reprend Dalida. Dans le cadre imposant du Victoria Hall, en première partie de Yann Tiersen, il interloque les fans d'Amélie Poulain. Un seul tonnerre d'applaudissements s'élève durant son set, saluant sa version des Enfants du Pirée, tandis que Le courage des oiseaux laisse la majorité de la salle muette. "Comme quoi le plus vieille France de nous deux, c'est bien vous!", lance-t-il alors, moqueur.

Ce concert romand ne fait pas vraiment partie de cette sa tournée automnale. De fait, aucune distribution n'accompagne sa prestation. Les spectateurs français d'octobre seront plus chanceux (sauf ceux de Toulouse). Une K7 intitulée Une femme chante sur le quai leur est en effet offerte le soir du concert. Deux faces et une douzaine de titres enregistrés en solo, entre chansons lo-fi et collage épars, comme un carnet de route de Remué à Auguri, un appendice à ce dernier. Parmi cette tracklist, une reprise de Ouest terne, chanson de Sapho rebaptisée ici West terne, s'impose. Une ballade folk dépouillée, doublée d'une guitare à l'effet mandoline, comme Dominique A aime à l'appeler parfois. Un morceau qui n'aurait pas dépareillé sur Auguri ou encore sur le EP qui accompagnait sa première édition (offrant au passage une reprise dans le même esprit du J'ai tué l'amour de Barbara).

Dans son petit livre Un bon chanteur mort (éditions La Machine à cailloux), Dominique A revient sur sa découverte de Sapho, au début des années 80."Amour absence de Sapho me cloue au sol: j'y entends tout ce que j'attendais, sans m'en douter, du français" Cette langue française si faiblement accentuée qu'elle n'offre qu'un "genre de bourdonnement, ou de ronronnement dans le meilleur des cas (d'où, éventuellement, la légitimité de sa réputation dans le domaine amoureux)". Cette langue française ennemie du rock comme de la pop, de la new-wave comme du folk, réconciliés ici le temps d'une chanson piquée aux années 80 et ramenée à la plaine déserte du western qu'elle évoque. En attendant qu'un jour, enfin, Dominique A ose son disque folk en solo - dont il parlait ici même il y a quelques années - pour un nouveau West terne ou une autre Rue des marais.

 

Dominique A - Une femme chante sur le quai (K7)
A 1. Une femme chante sur le quai 2. West terne 3. Le poids du monde
4. Une belle lumière d'été 5. Fill To Bridge 6. Acheter un mort
B 1. Bienvenue à... 2. Les jours à l'horizontale
3. Des dictionnaires et des cuisines 4. Half A Monster From '99
5. Our Love Is Fully Booked 6. Fanfare de ronda, semana santa

Oui, je sais, vous avez peut-être déjà lu ce post. Mais comme je veux relancer cette rubrique "Le morceau caché" et que les sons ne fonctionnaient plus depuis belle lurette, je me dis que ça vaut le coup de se refaire cette chanson (surtout que c'est une super chanson!).

Portishead - Theme From "To Kill A Dead Man"

B.O. noire Avant le succès de "Dummy" et la gloire mondiale, Portishead s'illustrait avec le score fascinant d'un film mystérieux.

Celles et ceux qui ont plus de 30 ans se souviennent peut-être d'un court-métrage étrange qui passait tard sur MTV en 1994. Noir et blanc, des plans lents et profond, façon film noir. Un jeu d'échecs, un sniper, un meurtre, une femme attachée face à des écrans, puis sur un lit d'hôpital. Ambiance malsaine, pesante. Et une bande son à la John Barry, parasitée par quelques frictions électroniques.

Dans le même temps ou presque, un clip plus "classique", plus tôt dans la journée, puis en rotation lourde. Un petit miracle mariant soul et scratch, atmosphère feutrée et crispante à la fois, mélancolie poignante et rage larvée.

Derrière ces deux vidéos, To Kill A Dead Man et Glory Box, un même groupe, Portishead. Mais bizarrement, au moment où sort Dummy, son premier album, le groupe anglais n'y intègre pas ce Theme From "To Kill A Dead Man". Le succès est là, mais ce "score" composé pour Alexander Hemming tombe dans l'oubli ou presque. Seule la pochette de Dummy rappelle cette première apparition, avant que le titre ne soit publié en face B de Sour Times, un an plus tard. Quand au clip, il restera dans les tiroirs jusqu'au DVD Roseland NYC.

Dommage. Car si ce premier morceau n'est pas encore porté par la voix de Beth Gibbons - ici juste actrice - il donne déjà à voir le monde de Portishead. Et vaut mieux qu'une face B, fort d'un climat moins passéiste qu'il n'y paraît. Entrecroisant BO glacées et bourdons synthétiques, tandis que sous le classicisme apparent couve une tension palpable, Theme From "To Kill A Dead Man" n'a perdu ni de son mystère ni de son aura, plus de quinze ans après sa sortie. Et se savoure comme la matrice fragile d'un des groupes les plus importants des deux dernières décennies.

Portishead - Sour Times (CD Maxi I)
1. Sour Times 2. It's A Fire
3. Pedestal 4. Theme From "To Kill A Dead Man"

Calexico - Ocean Of Noise

Music lovers Fans attentifs et passionnés, les membres de Calexico n'hésite pas à reprendre leurs héros... avec classe.

La semaine dernière, je vous parlais d'une perle cachée dans les tiroirs d'Arcade Fire. Non contents de garder quelques pépites sous le pied, les Canadiens s'offrent également de belles parenthèses entre amis, à l'occasion de splits précieux avec LCD Soundsystem (Poupée de cire, poupée de son/No Love Lost) ou de Calexico (Intervention/Ocean Of Noise). C'est du second dont je vais vous parler aujourd'hui.

Dans une interview il y a quelques années, Joey Burns se confiait sur sa tendance a la reprise. The Clash, Joy Division, The Specials ou encore Love, autant de groupes passés dans la machine Calexico, sur disque comme sur scène. Erudite et passionnée, la troupe de Burns et Convertino n'hésite jamais à dévoiler ses amours musicales, alternant hommage, improvisation et relecture.

Si certaines reprises restent ainsi fidèles à l'originale (Alone Again Or de Love, par exemple), d'autres sont l'occasion de redessiner certains contours tout en démontrant à ceux qui en douteraient l'incroyable talent de Calexico. Ocean Of Noise est de cette seconde catégorie. Quelques semaines à peine après la sortie du Neon Bible d'Arcade Fire, Calexico s'emparait de cette ballade mouvante, à la mélancolie saccadée. Une reprise qui n'échappait pas au label Merge, la proposant en écoute sur son site, ni à la bande de Win Butler. Ces derniers décidèrent ainsi d'inviter leurs nouveaux amis de Tucson à partager un 7" pour l'occasion.

Capturé en studio, l'Ocean Of Noise version Calexico surprend. Là où l'on s'attendrait à un déluge de cuivre (l'original ayant d'ailleurs accueilli la section cuivre du groupe), les gars de Tucson optent pour une version toute en retenue. Une harpe délicate accompagne seul un Burns guitare/voix, avant l'entrée d'une batterie jouée aux balais, épousant la montée du chant. Les éléments se mettent en place petit à petit, façonnant une ascension tranquille, sans esbrouffe ni artifice. La trompette illumine le final mais reste en retrait, le chant de Burns suffisant à jouer l'apogée, maîtrisé comme rarement. Beau morceau chez Arcade Fire, Ocean Of Noise devient un sommet chez Calexico, grand groupe à l'humilité saisissante.

Intervention/Ocean Of Noise (7")
FACE A: Arcade Fire - Intervention
FACE B: Calexico - Ocean Of Noise

Oui, je sais, vous avez peut-être déjà lu ce post. Mais comme je veux relancer cette rubrique "Le morceau caché" et que les sons ne fonctionnaient plus depuis belle lurette, je me dis que ça vaut le coup de se refaire cette chanson (surtout que c'est une super chanson!).