Bon pour les oreilles

Savages - Silence Yourself

Girl Power Si elles convoquent les saintes reliques post-punk (Wire, Joy Division, Siouxsie), les quatre Anglaises de Savages parviennent à en tirer un souffle neuf, loin, très loin de la concurrence.

  Savages - I Am Here

Vous l'avez peut-être remarqué, cette année, j'ai parlé un peu de vieux disques et pas mal de vieux groupes. L'âge peut-être. Ou une certaine lassitude face à une nouvelle génération façon Des chiffres et des lettres polonais (BRNS, TRST, SBTRKT, etc.). Et puis, l'autre jour, comme par hasard, voilà qu'en écoutant le nouveau Queens Of The Stone Age (QOTSA en langage 2013, donc), je tombe sur Savages, également disponible en streaming sur la plateforme Matador. Et là, la claque. Inespérée.

Pourtant, le premier album de Savages est bâti sur des bases connues. Normal, quand on se revendique de l'étiquette post-punk, sans complexe. Une basse façon Peter Hook sous emphétamines, des riffs tranchants tendance Wire, un chant à l'emphase digne de Siouxsie Sioux, le tout assemblé avec un souffle arty certain. De (très) bonnes références, certes, mais du déjà-vu et revu ces dernières années. Oui. Sauf qu'ici, contrairement à tant de groupes, ça rocke. Et ça claque.

Savages trouve l'équilibre entre ses multiples références sonores, les agence sans en avoir l'air et tape juste. Toujours.

Un bref dialogue tiré d'Opening Night de Cassavettes passé, Silence Yourself démarre pied au plancher avec un Shut Up de circonstance. Basse et batterie dictent un tempo suffocant, tandis que les guitares tressent des lignes tranchantes et gentiment bruitistes. Un beau bordel sur lequel la voix de Jehnny Beth harangue le chaland avec science. Jusqu'à atteindre un acmé sonique du plus bel effet.

On pourrait mettre ça sur le compte de la chance du débutant, mais droit derrière, I Am Here réussit le même coup. A nouveau, Savages trouve l'équilibre entre ses multiples références sonores, les agence sans en avoir l'air et tape juste, entre une section rythmique martiale, une guitare obsédante, un chant habité et des sursauts explosifs... annonciateurs d'un final aussi sismique qu'épileptique.

Je ne vais pas vous faire l'affront de vous proposer un tour complet du propriétaire. Cette description du hall d'entrée devrait suffire à vous donner envie d'aller découvrir Silence Yourself par vous-même. Disons juste que si 2-3 titres de l'album ne tutoient pas ces sommets, c'est juste qu'ils sont déjà très bons, dénotant une écriture capable de varier les approches et les climats, pour preuve l'étiré Waiting For A Sign. Et qu'un Hubsands suffit à absoudre Savages pour son manque d'excellence passager. Ou que la clarinette basse qui ponctue l'album sur la quasi-ballade Marshal Dear laisse rêver à bien des horizons pour un groupe qu'on se réjouit déjà de retrouver... tout en savourant encore le plaisir de la découverte.

Savages
Silence Yourself
Pop Noire/Matador/Musikvertrieb

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En concert: Lundi 20 mai, Kinski, Zurich

Ventura - Ultima Necat

Art of the trio En renouant sans se plagier, Ventura réussit un nouveau grand disque rock, trois ans après la claque "We Recruit".

  Ventura - Amputee

Il y a 3 ans, Ventura prenait tout le monde, ou presque, par surprise et signait avec We Recruit l'un des meilleurs disques de rock de l'année... du moins pour votre serviteur. Un condensé parfait d'indie rock nineties, tendu et tranchant, urgent et érudit à la fois, entre rage et mélancolie maîtrisées.

L'exploit passé, difficile d'imaginer les Lausannois retransformer l'essai, condamnés à décevoir. Tout faux! Evoluant sans se renier, renouant sans plagier, Ultima Necat est le digne successeur de We Recruit, le chapitre suivant, espéré.

Ventura renoue avec la verve de "We Recruit", multipliant les lignes de guitares, les pistes saturées et les variations climatiques.

Tout démarre sur un instrumental, About To Despair, qui flirterait presque avec la sonicité écrasante de Earth. L'auditeur est prévenu, le son sera costaud, fort d'une production une nouvelle fois parfaite, signée Serge Moratel. Pourtant, Little Wolf joue avant tout sur la finesse, marque d'une écriture qui impressionne plus d'une fois, servie par une section rythmique à la précision chirurgicale. Les guitares - nombreuses - suintent et bourdonnent. Avant le sursaut Nothing Else Mattered, premier sommet d'un album qui en comptera d'autres. Le rythme s'accélère, Ventura débride la machine et renoue avec la verve de We Recruit. Seule différence majeure, la voix, plus en retrait. Pour le reste, un seul mot: jouissif.

Body Language et Intruder maintiennent le cap, sans faiblir, multipliant les lignes de guitares, les pistes saturées et les variations climatiques. Mais rien qui prépare vraiment au sommet suivant, l'étiré Amputee, comme un écho au formidable Demons qui clôturait l'album précédent. D'une guitare façon mandoline en mode vibrato, on plonge dans une élégie saturée jusqu'à l'outrance, un power-rock épique à souhait, un trémolo à l'électricité écrasante.

Après un tel tunnel - 11 minutes 41, quand même - on s'attendrait à un final pépère. Et pourtant, Very Elephant Man et Exquisite And Subtle, surtout, poussent un cran plus loin encore le niveau de saturation, jusqu'à renouer avec l'esprit de My Bloody Valentine en fin de parcours. La preuve que Ventura n'est pas prêt de lever le pied. Ni de se reposer sur ses lauriers. Et que si Ultima Necat est un grand disque rock, le prochain le sera tout autant. Pour sûr.

Ventura
Ultima Necat
Vitesse/Africantape/Irascible

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BandCamp

En concert: Genève, L'Usine, Ve 3 / Lausanne, Le Romandie, Je 9

Arman Méliès - IV

Franc-tireur Héritier discret d'un Christophe, Arman Méliès poursuit sa carrière entre ombre et lumière, à la manière de chansons slalomant entre les genres.

  Arman Méliès - Pompéi

On l'a connu recommandé par Dominique A, compositeur pour Bashung ou Thiéfaine, guitariste pour Julien Doré. On l'a catalogué rêveur affûté, nostalgique assumé, bricoleur lunaire. Puis, on l'a perdu de vue, silencieux, effacé, ne resurgissant que le temps d'une chanson de saison qui mêlait ses sonorités analogiques aux mots d'un autre temps d'un désormais ancien chef d'Etat. Malgré ses nombreux parrainages et à la manière de quelques uns de ses modèles, Arman Méliès préfère l'ombre à la lumière. Sans regret.

L'heure de la reconnaissance a pourtant peut-être sonné ce printemps, avec un quatrième album plus accessible et accueillant que ses prédécesseurs, Casino ou Les tortures volontaires. Méliès renonce à certaines ofèrvreries, tresse un peu moins que par le passé et assume plus que jamais son goût pour les sonorités synthétiques et vintage, façon Christophe ou Jean-Michel Jarre.

Certaines compositions lorgnent du côté de Christophe,  avec tact et respect, loin des clins d'oeil appuyés d'un Sébastien Tellier.

Pompéi - co-écrit avec Julien Doré - évoquerait presque le charme martien des Mots bleus ou de La dolce vità, dans son instrumentation comme dans son texte, alignant les rimes façon namedropping, de Stromboli à Capri, du bleu piscine au Martini. Sur des bases sonores similaires, la longue suite Silvaplana et la version instrumentale de Mes chers amis (sans doute que le parolier n'a pas voulu donné son accord) lorgnent également du côté du Beau Bizarre, avec tact et respect, loin des clins d'oeil appuyé d'un Sébastien Tellier.

Reste qu'Arman Méliès ne fait pas uniquement dans le romantisme synthétique d'une autre époque. Plus atemporelle, son écriture concilie également les extrêmes à ses heures. Comme un équilibre miraculeux entre tradition française et pop anglo-saxonne, souvenirs new-wave et songwriting plus permanent. Des lignes claires de L'art perdu du secret au gimmick obsédant de Mon plus bel incendie, en passant par le lancinant Arlésienne, on se laisse prendre par cette chanson qui hésite entre les genres, jusqu'à cultiver son originalité.

Seul regret, la seconde partie de l'album laisse un sentiment plus mitigé, la faute à une certaine motonie, habituelle chez Méliès. Un mal sans doute inhérent au spleen allégé et à la nostalgie trouble qui habitent la musique du Français depuis ses débuts. Et font ce charme étrange qui a déjà séduit les amoureux de francs-tireurs de la chanson... et séduira peut-être un plus large public cette année. Qui sait?

Arman Méliès
IV
AT(h)OME/Disques Office

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The Knife - Shaking The Habitual

Gothique 2.0 Sept ans après Silent Shout, The Knife impressionne toujours, mais pêche par excès d'orgueil.

  The Knife - Full Of Fire

Ça ne vous a sans doute pas échappé, le dernier album de The Knife cumulait les superlatifs avant sa sortie déjà. Imaginez: un double album, triple vinyle même. Et des morceaux à la durée oscillant entre une trentaine de secondes et près de 20 minutes. Shaking The Habitual avait tout du milestone annoncé, sept ans après le remarquable - et remarqué - Silent Shout.

Avril venu, on aura constaté, un brin étonné, que ce double album se conjugue également en version simple. Différence entre les deux objets? Un morceau, Old Dreams Waiting To Be Realized, et ses 19 minutes 02 au compteur. Une pièce qui tient plus de la musique contemporaine que de l'electro, de l'expérience sonore que du dancefloor grisâtre, des bruits de portes que des claviers hantés. Un exercice de style qu'on sera en droit de trouver inutile.

Certains morceaux évoquent plus l'expérience sonore que le dancefloor grisâtre, les bruits de portes plutôt que les claviers hantés.

Est-ce à dire qu'il faudrait opter pour la version simple de Shaking The Habitual? Pas forcément. Car Old Dreams Waiting To Be Realized n'est pas la seule fausse note de l'album. Entre intermissions dispensables (les courts Crake et Oryx, le beaucoup plus long Fucking Fluid Injections) et bidouillages techno-ethnologiques façon Dead Can Dance du pauvre (A Cherry On Top, Stay Out Here), le duo suédois s'égare plus d'une fois en voulant signer son grand oeuvre. Et aurait peut-être été mieux inspiré d'élaguer quelque peu l'ouvrage.

Car une fois passé ces réserves, on s'enthousiasme volontiers pour le reste, renouant avec le meilleur de Silent Shout. Le dépassant même. Si avec des titres comme A Tooth For An Eye, Wrap Your Arms Around Me ou Networking on pénètre en terrain connu - savant mixe entre techno minimale, new-wave gothique et pop glaciale -, d'autres comme Full Of Fire, Without You My Life Will Be Boring ou Raging Lung instillent des frictions bienvenues dans la formule de The Knife.

Le climat reste glaçant, les voix flippantes, les mélodies obsédantes, mais ces fissures permettent à ces compositions de défricher de nouveaux territoires, atténuant le rimmel ghotique pour privilégier la torture des machines. Et de regretter un peu plus encore que The Knife ait voulu trop en faire, tant une bonne moitié de Shaking The Habitual est aussi éclatante qu'enthousiasmante.

The Knife
Shaking The Habitual
Rabid/Cooperative/Universal

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SoundCloud

Crime & The City Solution - American Twilight

All Star Band Dans le désordre et sans être exhaustif 1 Dirty Three + 1 ex-Sixteen Horsepower + 1 Einstürzende Neubauten + 1 ex-Dirtbombs = Crime & The City Solution 2013

  Crime & The City Solution - The Colonel (Doesn't Call Anymore)

C'était un soir neigeux d'automne l'année dernière. Nous étions à peine plus de 200 aux Docks pour l'une des rares dates européennes de Crime & The City Solution. Une tournée de reformation qui avait des airs d'All Star Band. Autour du revenant Simon Bonney, les fidèles Brownyn Adams et Alexander Hacke d'Einstürzende Neubauten, ainsi que son épouse Danielle de Piccioto, et des nouveaux venus, Jim White de Dirty Three, David Eugene Edwards ex-Sixteen Horsepower et actuel Wovenhand, Troy Gregorry ex des Dirtbombs et Matthew Smiths. Un casting de luxe pour un concert royal. L'un des plus beaux vus en 2012.

Six mois plus tard, ce retour se conjugue sur disque. Et même si on n'en parle moins que du dernier Nick Cave - avec qui Simon Bonney a souvent partagé l'affiche dans les années 80, chez Wim Wenders notamment - American Twilight est une aussi belle surprise. L'autre grand album australien de ce début d'année.

Crime & The City Solution dévoile un goût certain pour les ballades brumeuses et poisseuses, qu'on n'avait guère entendu depuis... Nick Cave.

Car si l'album semble démarrer sur des bases un brin datées, il s'écarte rapidement de la simple redite nostalgique, des oripaux d'hier mais pas de l'inspiration, abandonnant le flacon sans oublier l'ivresse. Un groove ténébreux souffle sur My Love Takes Me There et Riven Man, sursauts rock rehaussés de choeurs et d'arrangements bien sentis.  Surtout, Crime & The City Solution dévoile un goût certain pour les ballades brumeuses et poisseuses, qu'on n'avait guère entendu depuis... Nick Cave, Let Love In et Murder Ballads en tête.

De Domina à Streets Of West Memphis, en passant par Beyond Good And Evil, le songwriting comme l'interprétation épatent. Au point qu'on se dit que rarement supergroupe n'a semblé si cohérent. Et maître de ses talents cumulés (Thom Yorke devrait en prendre de la graine). Alors bien sûr, Bonney et ses sbires ne réinventent pas la roue. Mais on ne leur en demandera pas tant. A quoi bon chercher à se travestir, s'adapter à une époque qui n'est pas la sienne, quand on est capable de torcher un bijou noirâtre comme The Colonel (Doesn't Call Anymore)?

Crime & The City Solution
American Twilight
Mute/Musikvertrieb

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The Flaming Lips - The Terror

Odyssée hallucinée Entre psychédélisme ralenti et mantras saturés, The Flaming Lips poursuit sa plongée au coeur de la matière sonore.

  The Flaming Lips - You lust

On l'aura compris depuis le biscornu et persistant Embryonic en 2009, The Flaming Lips n'est plus vraiment un groupe pop. Le temps des Race For The Prize, Do You Realize? et autre The Yeah Yeah Yeah Song semble révolu... même si les Américain sont toujours capables de torcher des pop songs du genre à l'occasion, tel Sun Blows Up Today, proposé en bonus pour les acheteurs de The Terror sur iTunes.

Mais comme le déclarait Wayne Coyne dans une récente interview pour Mojo, composer des tubes ne l'intéresse plus autant qu'avant. A tel point qu'après avoir influencé nombre de groupes,The Flaming Lips s'est fait un plaisir d'en détourner quelques uns du chemin pop, de MGMT à Tame Impala, en passant par Edward Sharpe, embarqués pour des expériences nouvelles sur Embryonic ou The Flaming Lips And Heavy Fwends.

 "The Terror" est une plongée fascinante dans un chaudron sismique, où les mélodies se dilluent dans un magma de larsens et de saturations finement orchestré.

Sans surprise, The Terror reprend donc les choses là où les avait laissées Embryonic. Soit un impressionnant mélange de psychédélisme, de krautrock et d'électricité sonique. Mais si le chapitre précédent était copieux et ouvertement rock, cette nouvelle livraison est plus ramassée et explore des territoires aux climats plus hypnotiques.

Batterie en avant et crissements des amplis, Look... The Sun Is Rising lance le trip à la façon d'une plongée fascinante dans un chaudron sismique. La mélodie s'y dillue dans un magma de larsens et de saturations finement orchestré. Dès Be Free, A Way pourtant, l'effet papier de verre s'estompe pour gagner l'arrière-plan, laissant le leadership aux nappes synthétiques et au chant gentiment élégiaque de Wayne Coyne.

La suite se déroule selon ces deux axes, entre groove ralenti et mantras saturés, à l'image du meddley posté sur la chaîne YouTube du groupe ou, surtout, l'obsédant You Lust, pièce centrale et maîtresse de l'album. Durant plus de dix minutes, on voyage dans un maelstrom sonique à la richesse et à la finesse rares, mélancolique et flippant à la fois. Un souffle rock crépite encore au coeur de cette odyssée hallucinée au centre de la matière sonore, mais il a trouvé son propre mode d'expression, original, voir originel.

The Flaming Lips 
The Terror
Warner/Bella Union/Irascible

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Low - The Invisible Way

En mode mineur Epaulé par Jeff Tweedy, Low lève le pied sur la réverbe et perd en magnétisme. Jusqu'à dévoiler des failles dans son songwriting.

  Low - Plastic Cup

Sur le papier, c'était prometteur. Low et Jeff Tweedy. Les héros du slowcore et plus si affinités d'un côté. Un songwriter d'exception de l'autre, leader du groupe de country-rock le plus captivant des 15 dernières années. Et même si je n'étais pas sûr de voir les liens de parenté entre leurs univers, je me souvenais de la renaissance musicale d'Andrew Bird lorsqu'il s'était enfermé dans le sutdio de Wilco. Tous les espoirs étaient donc permis.

Pourtant, à l'écoute de Just Make It Stop, premier extrait de The Invisible Way, difficile de réellement s'enthousiasmer. Low s'embarque dans une ballade pop-folk mid-tempo et c'est tout le magnétisme fragile du groupe de Duluth qui s'envole. Pire, même les harmonies vocales d'Alan Sparhawk et Mimi Parker sonnent soudain plat.

 La production de Jeff Tweedy se borne à lever le pied sur la reverbe. Un parti-pris dépouillé qui retourne aux racines, mais ne pardonne rien.

Heureusement, le reste de l'album évite ce partis-pris maladroitement sautillant. Et dévie finalement peu de la ligne habituelle du groupe. Pour peu, on dira que la production de Jeff Tweedy se borne à lever le pied sur la réverbe, donnant une teinte plus acoustique à la musique de Low - à l'exception de la seconde partie poussive d'On My Own, en fin d'album - entre guitares rèches et piano profond. Dans les meilleurs moments, l'effet est bluffant, ramenant la musique du trio de Duluth à ses racines, ses fondamentaux. De Plastic Cup à Waiting, en passant par Amethist, le charme opère, poursuivant la mue pop entendue sur C'mon, mais en lui appliquant les restrictions de moyens imposées sur Drums & Guns.

Reste que trop de titres faibles émaillent The Invisible Way pour que l'exercice soit réellement convaincant. En tête, ceux interprétés por Mimi Parker. Si le bref To Our Knees se déguste sans mal, on est ainsi plus emprunté face à So Blue, Holy Ghost ou Four Score, chansons sans génie qui tournent rapidement en rond. Peut-être auraient-elles pu masquer leurs défauts si Low avait opté pour sa production habituelle, qui sait, mais le parti pris dépouillé ne pardonne rien ici. Et condamne ce dixième album a un statut mineur, malgré une volonté louable de se réinventer par petites touches.

Low
The Invisible Way
Sub Pop/Irascible

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Clinic - Free Reign II / Suuns - Images du futur

Masters & Servants Si Suuns (en bas) réussit l'épreuve du second album, il peine toujours à s'écarter des chemins battus par Clinic... qui défriche déjà de nouvelles voies.

  Clinic - King Kong II

  Suuns - Bambi

Il y a un peu moins de 3 ans, je vous vantais les mérites du premier album de Suuns, groupe canadien digne héritier des premiers Clinic, Internal Wrangler en tête. Hasard du calendrier, Suuns sort son second album alors que Clinic semble avoir repris du poil de la bête, pour preuve le très bon Free Reign, sorti il y a quelques mois. Pire, alors que la filiation se fait plus criante encore sur Images du futur, Clinic dégaine Free Reign II, relecture du dit Free Reign, qui a tôt fait de renvoyer Suuns à ses chères études. Mais allons y dans l'ordre.

Pour Free Reign, Clinic avait choisi de collaborer avec le producteur electro Daniel Lopatrin (aka Oneohtrix Point Never). Mais n'avait, au final, choisi de ne conserver que deux titres issus de cette alliance, You et Miss You. Et voilà que 6 mois plus tard, le Anglais sortent de leur chapeau un Free Reign II qui fait la part belle à la production de Lopatrin. A se demander quelle mouche les a piqués, entre album de remixes camouflé et révisionnisme précoce.

Clinic brouille les pistes entre passé, présent et futur, tandis que Suuns s'égare un peu trop dans la redite malgré son titre programmatif, "Images du futur".

Et puis on écoute. Et là, c'est une autre affaire. Remonté à l'envers (la tracklist est inversée et chaque titre de morceau ponctué d'un II), étoffé d'un titre (Done and Dusted II) et produit différemment, Free Reign II n'est plus qu'une réminiscence de Free Reign. Dans ses mélodies surtout. Pour le reste, Clinic s'ouvre de nouvelles dimensions, gagnant en reliefs et en profondeur, transformant l'album de départ par petites touches qui font tout. Et de douter soudain du choix initial d'écarter ce mix. Faute avouée à moitié pardonnée? Mieux: si Free Reign était un très bon disque, Free Reign II met la barre un cran plus haut, mariant psychédélisme, pop et krautrock avec classe, brouillant les frontières entre passé, présent et futur.

Difficile après ça de poser une oreille neutre sur le mal nommé Images du futur de Suuns. On se fiera plutôt à la pochette intérieure et sa photo de marché aux puces. Car comme pour une bonne partie de Zeroes QC, c'est dans le back-catalogue de Clinic que Suuns fait son marché, pour la première moitié du disque du moins, rayon pop-garage malsaine. La filiation est plus prégnante que jamais, presque gênante sur certains titres (au hasard, Power Of Tens, 2020 ou encore le bien nommé Mirror Work).

Reste qu'il serait injuste de cantonner Suuns à la simple copie carbone de Clinic. Comme sur Zeroes QC, c'est lorsque qu'il s'oriente vers le dancefloor que le groupe canadien trouve son originalité, chantre d'une disco malsaine (Bambi, Music Won't Save You) que ne renierait pas le Portishead de Third (Sunspot). La deuxième partie de l'album s'éloigne ainsi du modèle Clinic pour explorer sur un mode plus émancipé les mêmes territoires (krautrock, garage, psychédélisme). Et de confirmer que Suuns est un groupe à suivre, auquel on souhaitera la même réussite artistique que ses aînés... s'il parvient à s'en libérer définitivement et à se départir de son petit côté élève appliqué.

Clinic                           Suuns
Free Reign II                 Images du futur
Domino/Musikvertrieb   Secretly Canadian/
                                    Irascible

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Atoms For Peace - Amok

Tête sans radio En vacances de Radiohead et à la tête d'un nouveau groupe, Thom Yorke poursuit dans la même direction musicale.

  Atoms For Peace - Before Your Very Eyes...

Au départ, il y a une chanson, Atoms For Peace, tirée de l'album solo de Thom Yorke, The Eraser. Puis, un backing band du même nom - supergroupe comprenant le producteur Nigel Godrich, Flea des Red Hot Chili Peppers, le batteur de Beck et REM et un percussionniste brésilien - parti en tournée avec Thom Yorke. Enfin, aujourd'hui, il y a un vrai groupe qui livre un premier album archi-teasé et attendu. Et pourtant, on a l'impression que peu de choses ont changé entre le début et la fin de l'histoire.

L'inaugural Before Your Very Eyes... est pourtant bluffant, porté par des lignes mélodiques et des rythmiques obsédantes directement héritées du courant afro-beat. Mais dès Default, le souffle retombe et on retrouve les ambiances familières des travaux précédents de Thom Yorke, en solo comme au sein de Radiohead.

Thom Yorke aurait pu enregistrer "Amok" seul. Ou avec Radiohead. A se demander pourquoi il a ressenti le besoin de recruter ce casting de luxe.

La ligne ne bougera plus ensuite. Ingenue, Unless, Judge And Jury Executioner, autant de titres que Thom Yorke aurait pu enregistré seul. Ou entouré de ses complices habituels. A se demander pourquoi il aura ressenti le besoin de recruter ce casting de luxe, si c'est pour lui tenir à ce point la bride. Surtout, si on compare les échappées de Yorke à celles de ses camarades (du songwriting touchant de Phil Sellway aux livrets plus complexes de Jonny Greenwood), on ne peut s'empêcher d'en interroger la légitimité.

Reste que malgré ce sentiment de redite et d'occasion manquée d'explorer de nouveaux horizons, Amok est un album de belle facture, riche dans ses textures comme dans son écriture. Mieux, on y retrouve certains titres parmi les meilleurs composés par Yorke, toutes périodes confondues. Before Your Very Eyes..., bien sûr, mais également Reverse Running et son tempo contrarié ou encore Amok, plongée dans une electronica plus ténébreuse et torturée.

De vraies réussites qui font regretter un peu plus encore le manque d'audace général de cette première livraison, réussie, mais pas totalement enthousiasmante, témoignage d'un groupe en devenir et, surtout, de son leader qui cherche encore son second souffle.

Atoms For Peace
Amok
XL/Musikvertrieb

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Mogwai - Les revenants

Y revenir En signant son premier score pour une série TV, Mogwai parvient à trouver un second souffle. Et même mieux encore.

  Mogwai - The Huts

A quelques rares exceptions près (The Fountain, Miami Vice), Mogwai a jusqu'ici peu été utilisé par le cinéma. Et a encore moins composé pour l'occasion. Seules exceptions ou presque, puisqu'il s'agit moins de cinéma que d'art contemporain, ses collaborations avec l'artiste écossais Stuart Gordon, le temps de deux projets originaux, Zidane - A 21st Century Portrait et Music For A Forgotten Future (The Singing Mountain).

De quoi être surpris de retrouver cette année le groupe de Glasgow en bande-son d'une série TV, française de surcroît. Surtout qu'à visionner la première saison des Revenants, on reste sur l'impression de compositions mineures, plus climatiques qu'à l'habitude, difficiles à imaginer sans les images qui les accompagnent. Un sentiment renforcé par la sortie en tout début d'année d'un EP tiré des mêmes Revenants, comme solde de tous comptes.

Mogwai réussit la gageure de se réinventer, poursuivant sur la lancée du EP "Earth Division". Jusqu'à s'ouvrir de nouveaux horizons.

Et pourtant, voici Les revenants, version longue. Sauf que Mogwai a peaufiner ses compos. Passé l'hypnotique Hungry Face, générique de la série, on découvre des morceaux largement retravaillés par rapport à ceux déjà diffusés (dans la série ou sur le site de Canal +). Surtout, on retrouve une facette quasi oubliée du groupe écossais - depuis Come On Die Young peut-être - plus calme que jamais, optant pour des textures et des sonorités aux prédominances acoustiques. Mieux, c'est fréquemment le piano qui se taille la part du lion, dictant la dynamique d'ensemble, de The Huts à Kill Jester, en passant par le plus brumeux Portugal. Plus discrètes, les guitares s'expriment par quelques entrelacements subtils (Relative Hysteria) ou en arrière-plan, fomentant un bruitisme travaillé.

A l'exception de quelques titres familiers, en tête Special N et This Messiah Needs Watching (qui n'auraient pas dépareillé sur Hardcore Will Never Die, But You Will) et de la parenthèse What Are They Doing In Heaven Today? (chanson populaire, reprise ici en choeur), Mogwai réussit la gageure de se réinventer, poursuivant sur la lancée du EP Earth Division (sur lequel un titre comme Wizard Motor aurait largement trouvé sa place). Jusqu'à s'ouvrir de nouveaux horizons, optant pour des formats plus courts, qui lui permettent, paradoxalement, de retrouver une certaine manière de suspendre le temps.

Mogwai
Les revenants                                         
Rock Action/Musikvertrieb

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