Bon pour les oreilles

Raphelson - Everything Was Story, Story Was Everything

Cowboy de saloon Epuré et délicat, le songwriting de Raphelson garde son cap... mais ose de nouveaux horizons, au gré des rencontres et des histoires.

Raphelson - Everything Was Story / Story Was Everything

Un titre en miroir, comme pour boucler la boucle. Ou nouer la gerbe. A moins que ce ne soit un aveu. Celui d'un album fait d'histoires. Et de rencontres.

Avec son premier album, Hold This Moment Still, Raphelson avait osé, il y a 6 ans, l'échappée belle en solo, laissant de côté un instant son groupe, Magicrays. Seul compagnon de route, le producteur et multi-instrumentiste John Parish, ami et conseiller précieux. Fidèle, il apporte également son aide à ce Everything Was Story, Story Was Everything. Mais on est loin de l'aventure solo pour ce deuxième chapitre. De Christine Ott à Erik Truffaz, d'un quatuor à cordes à un joueur de claquettes, Raphelson ouvre son univers à de nombreux invités.

Mais si les featurings sont nombreux, le cap ne change pas tout à fait et le voyage n'a rien de décousu. Raphelson est toujours en quête d'un Far West rêvé, entre la carte postale (scie et banjo, sur Ghost Of A Chance, notamment) et un film de Jarmush (le diptyque Everything Was Story, Story Was Everything en milieu d'album), terreux et aérien à la fois. Tout juste affine-t-il sa formule, servi en cela par chaque intervenant. A moins que ce ne soit le contraire, tant chacun s'imbrique naturellement. La trompette brumeuse de Truffaz magnétise la mélancolie de Safe And Sound. Cordes et claquettes dynamisent la ballade The Devil Danced. Et les Ondes Martenot de Christine Ott terminent d'emmener Horns In My Heart vers une étrangeté rare.

Classique mais riche en détails, épuré et délicat, Everything Was Story, Story Was Everything prolonge parfaitement l'histoire ouverte avec Hold This Moment Still. Songwriter humble et sensible, Raphelson y confirme une plume personnelle, façon cowboy de saloon - et pas de salon, hein - mais prête à se risquer vers de nouveaux horizons... au gré des rencontres.

Raphelson
Everything Was Story, Story Was Everything
Two Gentlemen/Irascible

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Leonard Cohen - Old Ideas

Hey man, Amen Quatre ans après son retour sur scène, Leonard Cohen revient sur disque. Et confirme un retour en grâce miraculeux.

Leonard Cohen - Amen

"I love to speak with Leonard / He's a sportman and a shepperd / He's a lazy bastard / Living in a suit"

Le dédoublement de l'ego n'est pas une nouveauté dans l'oeuvre de Leonard Cohen. Comme dans sa vie. A l'image du troublant Famous Blue Raincoat, le Canadien aime à brouiller les pistes. On ne s'étonnera donc pas de l'imaginer dialogant avec lui-même, dans les vers qui ouvrent Old Ideas, douzième album aussi attendu aujourd'hui qu'inespéré il y a peu.

Revenu sur scène il y a 4 ans pour cause de banqueroute à son insu, le musicien de 77 ans n'a jamais donné l'impression de vouloir remplir son tiroir-caisse. Un simple retour au turbin, comme il disait. La beauté en plus. Reste que malgré cette renaissance scénique, on pouvait douter de son prolongement discographique, après les plus que mitigés Ten New Songs et Dear Heather. Mais on aurait eu tort, aujourd'hui comme hier, de chercher dans son passé la grammaire des chansons à venir. "Quand on écrit, on est toujours un éternel débutant", aime-t-il à rappeler. A prendre pour un recommencement plutôt qu'un aveu de dilettantisme.

Déjà, les premiers extraits rassuraient. Et donnaient la foi, "waiting for the miracle"... Une ballade au piano digne de Tom Waits, Show Me The Place. Une autre à la guitare - ce jeu de guitare si unique -,The Darkness. Deux chansons parées des arrangements habituels de Cohen - synthés minimalistes, choeurs féminins, soli surannés - mais sur d'une façon plus dépouillée. Ou mieux dosée. Sans se dénuder à la manière du Johnny Cash des dernières années, le Canadien semblait tout de même chercher l'épure, à sa façon.

Cette alchimie subsiste sur les huit autres nouvelles compositions qui font Old Ideas. Et ne souffre même pas des quelques rares excès de kitsch qui émaillent sa seconde partie (les choeurs sur Come Healing, les sonorités passéistes de Different Sides). Leonard Cohen ne se réinvente pas, mais semble revisiter ses différentes facettes. L'allongé Amen paraît tirer de la cuisse d'Hallellujah pour son titre, mais évoque musicalement un I'm Your Man remis au goût du jour (d'ailleurs on croirait presque entendre "Hey man" plutôt qu'"Amen"). L'aquatique Anyhow concilie ambiance jazzy et sonorités aqueuses à merveille. Et même le poignant Crazy To Love You a des airs de clin d'oeil à un Cohen lointain, celui de la première - et majestueuse - triplette, la six-cordes en bandoulière pour seule arme.

Quant aux textes - si essentiels dans l'oeuvre du poète devenu chanteur - ils ont toujours ce souffle quasi mystique, forts de peu de mots mais au sens imposant. Ici, le pessimisme est souriant, la mélancolie apaisée et la mort, bien présente, acceptée sereinement. Comme il revisite sa musique, Cohen regarde par dessus son épaule avec talent. De quoi donner à Old Ideas des (faux) airs de disque testament. Alors qu'il s'agit surtout de la confirmation d'une renaissance artistique. Comme quoi, les faillites ont parfois du bon.

Leonard Cohen
Old Ideas
Columbia/Sony

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Matt Elliott - The Broken Man

Nouveau départ Après la trilogie "Songs" - et une coda pour The Third Eye Foundation - Matt Elliott ouvre un nouveau chapitre musical, plus dépouillé et acoustique.

Matt Elliott - Dust Flesh And Bones

Voilà un album sorti sans faire de bruit. Physiquement, lundi dernier, et même deux mois plus tôt, en MP3, pour la modique somme de 2 euros. Deux ans après avoir ressuscité The Third Eye Foundation, Matt Elliott donne enfin une suite à ses efforts sous son vrai nom. Et ouvre un nouveau chapitre, après la trilogie "Songs" (Drinking Songs, Failing Songs, Howling Songs).

Mixé par Yann Tiersen, The Broken Man n'a pourtant rien d'une révolution. L'Anglais poursuit son exploration d'un folklore hybride - de l'Est au Sud -, porté par une simple guitare acoustique et quelques arrangements discrets. Mais laisse parfois de côté les brumes synthétiques et autres bourdons étranges qui hantaient ses précédents recueils de ballades et masquaient par instant sa plume.

Plus dépouillée qu'à l'habitude, la première face du disque fait ainsi la part belle aux arpèges et aux brefs silences - comme des respirations. S'ouvrant sur une longue litanie de guitare - qui n'est pas sans évoquer l'ouverture du dernier Sun Kil Moon - Oh Now We Fell va au plus pur d'un songwriting atemporel, ne convoquant les fantômes que sur ses dernières mesures. Un souffle qui perdure le temps du bref Please, Please, Please, instrumental parasité de quelques murmures choraux. Un début sur la pointe des pieds, qui préparent au premier sommet du disque, Dust Flesh And Bones. Neuf minutes de folk magnétique et hypnotique, poignant et élégiaque, qui ose la nudité avant de se perdre dans une brume spectrale.

La deuxième face repose sur les mêmes structures, intégrant une palette sonore plus large et ouvrant sur de nouveaux horizons. Comme une jonction entre l'univers de Matt Elliott et celui de The Third Eye Foudation, qui auraient pour point commun un goût rare pour l'orfèvrerie. Et au milieu de ce paysage familier, un écart inattendu. Le piano de Katia Labèque pour le long If Anyone Tells Me "It's Bette To Have Love And Lost Than To Never Have Loved At All", I Will Stab Them. Une improvisation sur laquelle Matt Elliott apporte sa patte, alchimique, discrète et prenante. Le second sommet, plus ambient, de The Broken Man, confirmation que si Matt Elliott a su creusé un sillon personnel acoustique et atypique, il est toujours capable de s'offrir de nouvelles perspectives. De quoi attendre avec sérénité les suites espérées de ce nouveau chapite discographique.

Matt Elliott
The Broken Man
Ici d'ailleurs/Irascible

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En concert le 25 avril au Bourg à Lausanne, dans le cadre du festival Impetus.

Dakota Suite | Quentin Sirjacq - The Side Of Her Inexhaustible Heart

Pièce à 4 mains Entre Sirjacq, le pianiste français, et Hoonsoon, le songwriter anglais, l'alchimie est miraculeuse, comme un mariage entre Rachel's et Mark Hollis.

Dakota Suite | Quentin Sirjacq - Where The Tears Go

Voilà un album qui aurait dû figurer dans mon top 50 de 2011. Je l'y avais même glissé au début, quelque part entre la 20e et la 30e place. Et puis je l'ai retiré. Non qu'il n'y avait pas sa place. Juste que je ne l'avais pas vraiment écouté, oublié trop longtemps dans un coin avant d'en faire une écoute distraite. Insuffisante pour un double album.

Et puis, pendant les fêtes, je l'ai acheté en vinyle. Un format souvent plus approprié pour prendre le temps. Deux disques aussi, mais une posture différente, une respiration à prendre, pour 4 faces comme 4 instants choisis.

Car The Side Of Her Inexhaustible Heart ne se livre pas à une oreille distraite. Mais réserve un plaisir rare aux plus attentifs. Celui de ces disques à part qui n'ont peur ni du silence, ni de la lenteur, qui racontent leur histoire à leur rythme, dans leurs teintes. Pour cet album, Chris Hoonsoon - l'homme qui se cache derrière Dakota Suite - tresse un hommage à son épouse, Johanna, la photographe qui signe la pochette de l'album (et des précédents disques de Dakota Suite). Mais n'imaginez rien d'enjoué pour autant...

A l'image de cette pochette, l'ambiance est grise, brumeuse. Parfaite pour la voix de Hoonsoon - qui évoque parfois Mark Kozelek. Seul le piano de Quentin Sirjacq amène quelques brèches lumineuses, osant quelques fugues légères, cousines des lignes de Rachel Grimes. Et pourtant, jamais cette musique ne pèse. Quelque part entre l'épure de Mark Hollis (ces instrumentaux aux cordes grinçantes) et le sadcore feutré de Spain (je vous en reparlerai bientôt), Dakota Suite fait de la mélancolie une mélodie riche et délicate, élégiaque mais jamais pathos, simple et complexe à la fois. Et signe son plus beau disque peut-être. Un disque qui aurait dû figurer dans mon top 10 de 2011.

Dakota Suite | Quentin Sirjacq
The Side Of Her Inexhaustible Heart
Glitterhouse/Irascible

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Radiohead - The Daily Mail / Staircase

Face A/B 100% numérique, le Radiohead nouveau n'a guère fait de bruit. Mais s'avère pourtant un bien bon cru.

Radiohead - The Daily Mail

Revenons aux affaires en douceur, avec une nouveauté qui n'en est pas vraiment une, un disque qui n'en est pas un. Sorti en décembre dernier, uniquement en format digital, The Daily Mail / Staircase n'a pas fait beaucoup de bruit et semble déjà de l'histoire ancienne. A croire qu'à force de sortir des albums et des MP3 par surprise sur son site, Radiohead aura fini par lasser. Soit.

Pourtant, ces deux chansons valent mieux qu'un simple cadeau de Noël pour fans transis. Ecartées de The King Of Limbs car pas terminées, jouées sur scène à l'occasion (durant le très bon Live From The Basement, notamment) et sorties pour cause de mauvais rip leaké sur la Toile, The Daily Mail et Staircase n'ont rien de faces B. La première est même la meilleure chose produite par Radiohead depuis... un bail. Démarrant à la façon d'une ballade au piano dépouillée et minimaliste, elle vire ensuite, convoquant pendant une grosse minute de grâce tout ce qui faisait et fait la force de Radiohead: rythmiques obsédantes, cuivres détournés, rage larvée, mélodie nerveuse.

Pas en reste, Staircase ferait presque croire à une double face A. Plus proche des textures électroniques de The King Of Limbs, portée par une basse princière, la chanson présente également quelques traits très "radioheadiens", notamment par le jeu des guitares dans sa seconde partie, bavardes et hypnotiques. Et s'avère une autre petit bijou. A tel point qu'on en vient à se dire qu'après le déjà bien bon 12" Supercollider / The Butcher, Radiohead a sous le pied de quoi offrir une suite lumineuse à The King Of Limbs.

Radiohead
The Daily Mail / Staircase
TICK (digital)

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Fauve - Clocks 'N' Clouds

Eye of the tiger Après cinq années de silence, Fauve fait mieux qu'un simple come-back sur le ring. Avec "Clock 'N' Clouds", le Lausannois réinvente son univers, tendance electro contemporaine, sans se départir de son univers.

Fauve - Cotton Fields

Cinq ans! C'est ce qu'il aura fallu attendre pour découvrir le second album du Lausannois Nicolas Julliard - alias Fauve - remarqué fin 2006 avec un premier album éponyme bijou de bricolage et de pop alambiquée. Cinq ans, c'est long, même si le bonhomme n'a pas chômé. Un concert avec orchestre à Montreux, des collaborations à gauche à droite (au micro chez Xewin, à la guitare pour Olivia Pedroli) et même un avant goût, il y a 2 ans et demi déjà, à l'occasion d'une compilation produite par votre serviteur.

Cinq ans plus tard, c'est la mue, déjà annoncée par cet inédit, ...And The Winner Is A Winner Is A Winner. Fauve goes electronic... sans se départir de son écriture, riche et méticuleuse. Meilleur exemple, Fur In The Wound a des airs de morceau de transition, démarrant sur un songwriting léger et léché, avant une plongée dans les limbes synthétiques. Comme il le chante sur le très radioheadien Be Kind, Don't Rewind - et comme il l'écrit souvent ici en commentaires de certains articles - Fauve "ne veut pas rembobiner, [il] est fatigué d'hier".

Reste que Clocks 'N' Clouds est contemporain plutôt que futuriste. Voire post-moderne par instants. Les bricolages électroniques évoquent un axe qui irait de Thom Yorke à Modeselektor, mais les textures s'enrichissent de musiques plus anciennes. L'inaugural Cotton Fields sonne à la façon d'un blues-gospel 2.0. Digz (Down The Rabid Hole) obsède par ses rythmiques tribales et son refrain pavlovien. Le piano et les cordes de Señor Citizen mêle un étrange easy-listening à des programmations synthétiques.

Brillante, la première partie de l'album enchante. Dommage que la seconde partie s'avère plus inégale. Passez les titres évoqués plus haut (Be Kind, Don't Rewind et Fur In The Wound), la ballade rétro-jazzy Paris In A Bottle ne convainc qu'à moitié, dans un exercice de crooner de poche pour piano bar, tandis que les deux derniers titres tirent un poil en longueur ou manquent de ressort. On relévera tout de même encore le très bon instrumental Passage du Pécos, impressionniste à souhait.

Au final, malgré ces quelques réserves, Clocks 'N' Clouds s'impose comme l'un des grands albums suisses de l'année. Et l'un de ses bons albums tout court. Fauve y démontre sa faculté à rebondir et se réinventer, sans trahir ni son univers ni sa personnalité. Jusqu'à se dire, rassuré, que ces cinq années d'attente en valait bien la peine.

Fauve
Clocks 'N' Clouds
Two Gentlemen/Irascible

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Feist - Metals

Lignes épurées Troquant la malice contre la profondeur de champ, Feist signe un beau quatrième album où se révèle son talent de songwriteuse. Mais également ses limites.

Feist - Caught A Long Wind

De Feist, on retenait jusque là une certaine malice. Un deuxième album parfait grand écart entre folk léger et pop vintage, plein à craquer de hits clef en main (Let It Die). Un troisième album un poil plus ambitieux, porté par un tube pour iPod (1234). Et entre deux, quelques b-sides et remixes anecdotiques, des apparitions en guest chez l'ami Gonzales, des concerts sympathiques mais pas inoubliables.

Et pourtant, il y avait quelque chose, déjà. Cette certitude que la Canadienne était au-dessus du lot, loin de la chanteuse kleenex, sans doute capable d'offrir plus encore. Sorti au début de l'automne, Metals confirme cette intuition. Et s'écarte des sentiers battus jusqu'ici. Pas de révolution à 180 degrés ici, mais un soin nouveau apporté à la profondeur de champ, troquant les mélodies faciles contre des textures plus composites. Et adjoignant l'orfèvre Valgeir Sigurdsson aux fidèles Mocky et Gonzales côté production.

Alors bien sûr, Feist ne fait pas dans l'expérimental non plus. Les structures des chansons de Metals respectent le plus souvent l'agencement couplet-refrain-couplet-refrain-pont-refrain. Mais font une place nouvelle à la suspension, à la virgule, à l'inflexion, à l'écho léger. The Bad In Each Other et son rythme saccadé. Graveyard et ses cuivres brumeux. A Commotion et son choeur d'hommes martial. Bittersweets Melodies et ses mélopées enfantines. Leslie Feist se révèle en songwriteuse classieuse, capable de varier ses effets par petites touches, fidèle à une ligne jazzy-folk assumée.

Reste que malgré ses qualités d'écriture, l'album peut s'avérer un brin monotone sur la longueur. Cohérent, constant, mais un poil feutré, voire répétitf. Surtout, on pourra tiquer sur certains morceaux qui sentent trop la formule, en tête le single patenté How Come You Never Go There, comme du Feist d'hier au ralenti, ou The Circle Married The Line. Au point qu'on retiendra surtout les titres les plus dépouillés et impressionnistes, tels Undiscovered First ou Caught A Long Wind, pour la pureté du geste, la fragilité de la construction et la richesse du relief. Sur ces instants de grâce, Feist s'impose comme un grande songwriteuse, tout simplement.

Feist
Metals
Polydor/Universal

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Tom Waits - Bad As Me

Baron perché De retour après 7 ans de silence, Tom Waits signe un bon disque, classique, mais pas prisonnier de ses gimmicks.

Tom Waits - Hell Broke Luce

Un sticker collé sur la cover le dit: premier album original depuis 7 ans pour Tom Waits. Premier album depuis? Real Gone. On l'avait presque oublié celui-là. Même s'il avait recueilli quelques louanges en son temps, pour ses percussions bidouillées, son contenu politique (Day After Tomorrow, en réponse à la guerre en Irak) ou juste pour être le premier album original de Tom Waits depuis 5 ans... et le très bon Mule Variations.

Et oui, depuis 1999, Tom Waits a surtout brillé pour sa propension à révéler ses fonds tiroirs, souvent pour le meilleur, du très bon score composé pour Alice au gargantuesque Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards. Bad As Me a donc tout d'un événement et on oublie vite la seconde partie du sticker ("his more accessible and fan-friendly work")... même si c'est peut-être vrai.

Car sur sa première moitié, ce Bad As Me donne furieusement l'impression d'un Tom Waits classicique. Un peu de blues cabossé (Chicago), un zeste de songwriting hanté (Raised Right Men), un soupçon de mélancolie rustique (Pay Me) et même, excusez du peu, un poil de kitsch (Back In The Crowd). Epaulé par le fidèle Marc Ribot, Waits est fidèle à lui-même, peu enclin à sortir des clous, mais inspiré comme aux meilleurs jours (on pense invariablement à l'insurpassable trilogie Rain Dogs / Swordfishtrombones / Frank's Wild Years).

Et puis il y a la seconde partie, qui muscle un peu le jeu et ose par instants se défaire de ses réflexes. Bad As Me est un petit bijou rock'n'roll, Last Leaf une ballade sans masque, dépouillée, presque fragile, et Satisfied un blues façon papier de verre, soutenu par la basse de Les Claypool (Primus), qui alterne ici avec Flea, présent sur deux titres. Mais les plus belles réussites se cachent en toute fin d'album. Côté bricole, Hell Broke Luce s'avère une vraie réussite, salve anti-militariste à munitions, mariant la guitare de Keith Richards à des bruits de mitrailleuses. Quant à New Year's Eve - et son petit côté "Ce n'est qu'un au-revoir" - il s'impose comme un descendant d'Innocent When You Dream, chanson à boire ou à pleurer dans le caniveau.

Au final, Tom Waits retombe donc sur ses pattes et démontre sa capacité à être encore fidèle à lui-même, sans tomber ni dans l'auto-parodie, ni dans l'excès. Classique mais pas prisonnier de ses gimmicks, Bad As Me a les qualités d'un bon vin, mature, subtil et un peu fruité. On pourra toujours lui préférer le sommet Mule Variations, mais c'est un bon cru dans la discographie récente de l'Américain. Et un bon disque, tout simplement.

Tom Waits
Bad As Me
ANTI/Phonag

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Bonnie 'Prince' Billy - Wolfroy Goes To Town

Let's start a family Bien entouré, Will Oldham signe un album atemporel, où le nombre ne tombe jamais dans l'excès. Less is more... même à plusieurs.

Bonnie 'Prince' Billy - Cows

Dans la carrière d'un artiste hyperactif, il y a des cuvées avec et des cuvées sans. Même pour Will Oldham. A mi-parcours, 2011 avait tout d'un cru faiblard. Des 7" et des 10" en pagaille, des collaborations en veux-tu en voilà, de la reprise et du caritatif, mais au final, pas grand-chose d'exceptionnel ou de mémorable à se mettre sous la dent. Beaucoup de bruit - c'est relatif - pour rien... Et voilà que débarque Wolfroy Goes To Town. Et en un album, Bonnie 'Prince' Billy est pardonné, absout même, et l'année 2011 devient un bon millésime.

Si l'enlevé Quail & Dumplings - et son impayable "Fuck birds in the bushes" décliné en sticker dans le vinyle de Wolfroy Goes To Town - s'avérait prometteur et laissait augurer un bon disque, il se révèle également trompeur. Malgré un impressionnant casting - Ben Boye et Emmet Kelly de The Cairo Gang, Daniel Kiely de The Picket Fences, le multi-instrumentiste Shahzad Ismaily et la chanteuse Angel Olsen - ce nouvel album frappe par sa sobriété musicale, son économie spartiate, riche pourtant en magnétisme.

Du lancinant No Match au murmuré Night Noises, le tempo se déroule au ralenti, souligné de quelques rares percussions, tandis que la guitare électrique n'a presque pas voix au chapitre. Surtout, l'ensemble dégage quelque chose d'atemporel, folk sans âge et sans racines, qui lorgne aussi bien vers la tradition des Appalaches ou le folk britannique que vers une musicalité plus primitive encore. A ce titre, l'hypnotique New Whaling ou le dépouillé New Tibet évoquent des mantras en suspension, poignants et obsédants à la fois.

Reste que cette évolution était déjà présente dans les derniers albums de Will Oldham, aussi bien sur le très beau The Wonder Show Of The World enregistré avec The Cairo Gang que sur l'aérien Lie Down In The Light. Ce qui frappe alors sur ce Wolfroy Goes To Town, c'est la voix d'Angel Olsen, qui s'invite sur la majorité des morceaux, entre backing vocals et soli venus d'ailleurs. A l'image de son apparition au milieu de Quail & Dumplings ou à la fin de Time To Be Clear, projetant à chaque fois ces chansons dans une nouvelle dimension. Ou encore sur l'élégiaque Cows, qui se mue en un canon fragile dans son dernier souffle. Une coda qui est finalement à l'image de ce beau disque, démontrant que si le nombre peut offrir de nouvelles perspectives, s'est moins dans la quantité que dans l'équilibre qu'on y trouve. Less is more... même quand on est plus nombreux.

Bonnie 'Prince' Billy
Wolfroy Goes To Town
Drag City/Domino/Musikvertrieb

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Yann Tiersen - Skyline

Ciel dégagé S'extrayant des brumes de "Dust Lane", Yann Tiersen signe une suite plus aérienne. Et confirme sa renaissance musicale.

Yann Tiersen - Forgive Me

A l'interview il y a une année, pour défendre le très bon Dust Lane, Yann Tiersen avouait avoir plusieurs titres prêts en réserve et hésiter entre un nouvel album ou une série de EP. Douze mois plus tard, le Breton a choisi. Et publie Skyline, son septième album studio, qui est tout sauf un disque au rabais.

Car malgré sa conception et sa relative brièveté - 40 minutes au compteur - Skyline frappe par sa cohérence et son intensité, qui va crescendo. Passé l'introductif Another Shore, instrumental obsédant et shoegazien en diable, I'm Gonna Live Anyhow et Monuments dévoilent la facette pop de Tiersen, hypnotique et éthérée, porté par la voix d'Olavur Jacobson d'Orka. C'est délicat, gentiment planant, mais on regretterait presque la brume de Dust Lane.

Heureusement, l'ascension se poursuit et joue à merveille des frictions sonores. Des bouts de discours sur The Gutter ou des cris glaçants sur Exit 25 Block 20 parasitent soudain l'univers de Tiersen. Les mélodies restent accueillantes, mais l'arrière-plan grésille. Surtout, à la panoplie d'instruments du Breton s'ajoute un groupe rôdé - fait de musiciens entendus chez Gravenhurst - parfait lorsqu'il s'emballe. Dommage que cette petite équipe s'empêtre dans le psychédélisme mal digéré d'Hesitation Wound. Mais Forgive Me parvient à relancer la machine, comme la somme des divers climats qui ont soufflé jusqu'ici, avant de lancer The Trial, variation légère autour du très bel instrumental offert à Sage Francis en 2010.

Digne successeur de Dust Lane, Skyline quitte les brumes pour un ciel un peu plus dégagé, à l'image de sa pochette. Et s'il n'atteint pas la perfection magnétique de son prédécesseur, il s'avère un bon cru et confirme la renaissance de Yann Tiersen, après quelques années d'errance post-Amélie Poulain.

Yann Tiersen
Skyline
Mute/Musikvertrieb

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