Bon pour les oreilles

Les années erratiques (IV)

Arcade Fire Fer de lance du succès étendu et inattendu de la scène indépendante, le groupe canadien doit sa rampe de lancement aux internautes plus qu'à internet.

Même si les années 2000 n'ont pas accouché d'un phénomène comme Nirvana - Radiohead a refusé le rôle, Coldplay a préféré se prendre pour U2 et Muse à viré Queen - la scène indépendante a triomphé comme rarement.

Certes, pas de nouveau Mute ou 4AD comme écuries royales. Certes, des labels comme Touch n Go ont levé le pied et de nombreux autres mis la clef sous la porte. Certes, difficile de considérer le géant XL comme un label indépendant. Mais dans le même temps, comment ne pas se réjouir de la santé retrouvée de Domino et Matador ou du succès fulgurant d'Arcade Fire et Franz Ferdinand. Et comment ne pas rester estomaqué face à l'engouement sucité par les tournées de reformation des Pixies ou de Pavement, les relectures scéniques de Daydream Nation ou Spiderland.

Derrière ce succès aussi inattendu qu'étendu, internet, bien sûr. Ou pas sûr?

Car si la toile a pu - et peut encore - faire d'un nouveau groupe le triomphe de demain, c'est surtout grâce à ses internautes. Le danger serait d'avoir la mémoire courte et que la légende MySpace (l'histoire du groupe inconnu qui devint connu grâce à MySpace) éclipse les plus modestes blogs, webzines et autres forums.

Le succès d'Arcade Fire tient ainsi moins au "miracle d'internet" qu'aux scribouillards passionnés qui l'auront défendu, partagé (parfois illégalement, of course) et finalement répandu comme la bonne parole. De même, le sacre posthume de Pavement et de Spiderland s'est d'abord bâti sur les innombrables forums de discussion apparus sur la toile à la vitesse haut-débit.

Reste le paradoxe en zig-zag de ces drôles d'années erratiques. Comme ceux qui ont vendu leurs guitares pour acheter des platines ont finalement récupéré leurs six-cordes, l'industrie si prompte à vilipender internet finira bien par reprendre la main et changer son discours. On conspue le téléchargement pirate tout en faisant exploser les disques durs des lecteurs MP3. On lance des pics à Pitchfork et aux blogueurs, tout en reprenant leurs méthodes pour espérer retrouver des lecteurs. On nourrit la légende MySpace, tandis que Rupert Murdoch cherche encore comme en faire un outil rentable.

Heureusement, restent les internautes. Puissent-ils - puissions-nous, plutôt - profiter des années 10 pour sacrer de nouveaux Arcade Fire et donner une gloire posthume au Sophtware Slump de Grandaddy. Et prouver que les années 2000 n'avaient finalement rien d'erratiques, mais inauguraient une mélomanie2.0.

Des années erratiques (III)

Wilco Martyr d'un début de décennie, le groupe de Jeff Tweedy annonçait la lente agonie d'une industrie devenue trop grosse, capable d'envier le Radiohead du voisin et de virer le sien. Avant de le réengager en catastrophe.

Années 2000, années maudites pour l'industrie du disque. La généralisation du haut débit sur l'internet - qui vous croira dans dix ans quand vous raconterez que vous pouviez compter les carrés dans la barre de téléchargement? - a rendu le téléchargement pirate accessible à n'importe quel enfant de 5 ans (ou adulte de 55 ans). Et le grand vaisseau des Majors de se transformer en Titanic.

Téléchargement légal, guerre ouverte contre les pirates, (petite) baisse du prix des CD, tous les moyens furent bons pour tenter d'enrayer cette lente agonie. Mais rien n'y a fait. Au terme de la décennie, l'industrie continue à faire pleurer ses violons, à la manière du quatuor du Titanic.

Surtout, la corrélation entre cette crise et le téléchargement pirate peine à être démontré.

Pire, à l'image de la mésaventure vécue par le Yankee Hotel Foxtrot de Wilco - refusé par Reprise, repêché par Nonesuch, alors que les deux labels appartenaient au même groupe, AOL Time Warner - la grande industrie du disque paraît presque responsable de son malheur, trop pachydermique pour réagir à temps, trop tentaculaire pour s'y retrouver. Jusqu'à imaginer le patron de Sony passer un savon à son responsable de la division disques avant le déjeuner, avant de féliciter son responsable de la division lecteurs MP3 à l'heure des desserts. Quand on vend des périphériques à la capacité monstre, on a beau jeu de s'étonner de voir fleurir le partage des fichiers musicaux.

Reste que ce naufrage programmé n'aura pas eu que des mauvais côtés. Non seulement l'album n'est pas mort, mais en plus il s'est débarrassé de ses mauvaises habitudes. L'édition bonus précède désormais l'édition simple (rappelez-vous les rééditions des années 90), les mauvaises chansons se font rares (rappelez-vous le remplissage des années 90) et les coffrets collectors ingénieux se sont multipliés. Mieux, le CD single, pâle ersatz consumériste du 45 tours, a presque disparu, tandis que le petit 7 pouces a connu un beau retour en grâce, jusqu'à renouer avec l'art équilibriste du split (des labels spécialisés jusqu'à Sonic Youth, Arcade Fire ou Calexico).

Au milieu des années 2000, un collègue imaginait le monde dans une vingtaine d'années. Et me taillait un costume d'artisan-producteur de vinyles. Je ne m'y suis pas encore mis. Mais certains amis ont déjà passé le pas. Et n'en ont que faire de l'internet haut-débit et du spectre du téléchargement.

Des années erratiques (II)

Deerhunter Plus belle incarnation du rock2.0 le groupe Bradford Cox mélange malice et érudition, Peer2Peer et Wikipedia.

Etrange paradoxe: si les discothèques personnelles n'ont sans doute jamais été aussi touffues que durant les années 2000, elles n'ont surtout jamais été aussi petites. Ou comment disques dur et autres iPod ont remplacé des rayonnages de disques, pour le meilleur et le pire.

Le meilleur?

C'est bien sûr l'accessibilité quasi-immédiate née avec l'avènement d'internet. Quand j'étais adolescent, je lisais quelques revues musicales - celles qu'on trouvait en kiosque près de chez moi - y découvrais un nombre incroyable de groupes - nouveaux comme anciens - et passait du temps à choisir lequel j'allais explorer sur disque. Un CD coûtait 30 francs et même en entamant une grève de la faim, je ne pouvais jamais en acheter le tiers du quart de la moitié du dixième de ce que je désirais.

La donne est bien différente aujourd'hui. Pourquoi acheter une revue musicale quand blogs, webzines et autres forums parlent de musique à longueur de pages HTML? Pourquoi choisir entre un Nick Drake et un Nico, un Eno et un Bono, quand n'importe quel P2P, BitTorrent ou Rapidshare vous le fournit gratuitement en quelques clics et autant de minutes?

Reste un problème: la digestion.

L'exemple le plus frappant est sans doute celui de la scène post-rock. Alternative au rock calibré durant les années 90, le style s'est forgé grâce à des musiciens fascinés par les travaux de Steve Reich, Neu!, CAN ou encore Talk Talk. Le tout en transposant ces influences dans le langage rock. Dans les années 2000, on a vu fleurir des campistrons, une seconde génération de formations post-rock inspirées par les travaux de GYBE!, Mogwai ou Tortoise. Et ne transposant plus grand chose au final.

Le même constat vaut pour une brouette de groupes revendiquant leurs racines post-punk, shoegaze, krautrock ou new-wave. Ou comment oublier toute approche post-moderne pour s'enferrer dans un exercice imitatif totalement dans l'ère du temps. Pour les années 10, préparez-vous à voir débarquer une cohorte de combo rêvant d'afro-pop mais citant Vampire Weekend dans le texte plutôt que Paul Simon, David Byrne ou Fela Kuti.

Heureusement, d'autres groupes ont su démontrer une capacité de digestion hors du commun, façonnant un rock érudit et ouvert, bavard et brouillon, passionné et passionnant. Et couvant dans leur coin un grand disque à venir, à la manière de Deerhunter, sans doute l'une de plus flamboyantes incarnations de ce rock2.0, biberonné au Peer2Peer et à Wikipedia.

Quant au pire dont je parlais au début, ils concernent bien sûr la lente et inexorable chute de l'industrie discographique, tirant la langue sous les coups d'internet, tandis que le vinyle renaît à l'heure du iPod.

Des années erratiques (I)

All My Friends Comme LCD Soundsystem et Franz Ferdinand, électroniciens et rockers auront fait cause commune durant les années 2000, déjouant les pronostics des plus pessimistes comme des plus optimistes.

C'est un soir de septembre que les années 2000 ont commencé pour moi. Le 18 septembre 2000. Il est 20h10 et comme chaque soir, un groupe s'empare du plateau de Nulle part ailleurs sur Canal +. Ce soir-là, c'est Radiohead, dont on annonce le nouvel album, successeur du séminal OK Computer. Et c'est le choc. Après une ballade au piano électrique, le groupe anglais vire sa cuti électronique, balançant un Idioteque aussi synthétique qu'explosif (pour la petite histoire, Thom Yorke y laissera un bout de dent).

Et si j'avais mal vu?

Peut-être que les années 2000 se sont en réalité terminées ce soir de septembre. Qu'en s'emparant des terrains de jeux d'Aphex Twin, Autechre et autre Notwist, Radiohead a permis au rock d'arrêter le temps, de recommencer un cycle, de bredouiller son histoire pour se plonger dans la post-modernité.

"I hear that you and your band have sold your guitars and bought turntables. I hear that you and your band have sold your turntables and bought guitars."

Juillet 2002, le rock revient sur les dancefloors embarqué dans un cheval de Troie. LCD Soundsystem joue d'un canevas électronique, mais James Murphy ne parle que de ce rock'n'roll qu'on enterre périodiquement. CAN, Suicide, PIL, Joy Division, Losing My Edge égrène une discographie idéale, rappelant que le rock n'aime rien tant qu'à se tordre pour se réinventer, à se frotter aux autres genres pour se régénérer.

Enhardie par cette première salve, une nouvelle génération ramène les riffs de six-cordes sur les pistes de danse, au nez et à la barbe de l'electro - annoncée un instant - dominante. The Strokes, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Clap Your Hands Say Yeah redonnent aux gazettes anglo-saxonnes leur fierté et leur gouaille passées. Le nouveau meilleur groupe du moment change chaque semaine, la grammaire encyclopédique s'égrène avec panache et les DJ sont obligés de revoir leurs classiques.

Des scènes des festivals aux génériques des talk-shows, des hit-parades de fin de semaine aux radios jeunes, on ne parle plus que de ça: le retour du rock. Comme s'il était parti un jour. Comme si la cohorte d'opportunistes prompts à entonner "Rock'n'roll is dead" sur un refrain putassier avait jamais su de quoi elle parlait.

Avril 2008, Portishead revient mais laisse le trip-hop au cimetière. Le groupe de Geof Barrow et Beth Gibbons enfante le dernier grand disque de la décennie sous haute influence Krautrock et post-punk. Dans ma tête, j'entends James Murphy scander sa discothèque: CAN, Suicide, PIL, Joy Division. Lui qui comme aucun autre a su marier rock et electro - à l'image de All My Friends, Ceremony des années 00 - pactisant avec Franz Ferdinand ou Arcade Fire pour des noces au-delà du rock comme du reste.

Radiohead parlait d'idioteque, mais la décennie ne fut peut-être qu'une grande discothèque, érudite et contagieuse...

Top 50 albums - Années 2000 (X)

5     Portishead - Third (Go Beat! - 2008)

D'abord il y a eu le doute, l'inquiétude. Après dix ans de silence, que pouvait encore avoir à dire Portishead, héros involontaire d'un genre usé jusqu'à l'os, le trip-hop? Sans doute conscient de ces interrogations, le groupe de Bristol débute justement son troisième album par un morceau intitulé Silence, aux sonorités brutes, industrielles, faisant patienter l'auditeur plus de 3 minutes pour entendre la voix de Beth Gibbons, coupant le courant subitement en fin de parcours. Ou comment déjouer les attentes. Après ça, toutes craintes sont dissipées. Et la suite peut s'apprécier pour elle-même. Krautrock numérique (Machine Gun), post-punk tranchant (We Carry On) ou folk retro (étonnante respiration médiane avec Deep Water), la palette de Portishead s'est élargie, même si restent quelques vestiges d'hier (Hunter, Plastic). Surtout, le groupe de Geoff Barrow est capable de concilier songwriting et production dans un même élan, passant d'une ligne de guitare acoustique à un bourdon synthétique (The Rip), faisant naître la mélodie sous un déluge de percussions (Magic Doors). En muant, Portishead n'a pas perdu son souffle soul et urbain, mais l'a rendu plus fascinant et inconfortable encore.

4     Arcade Fire - Funeral (Merge - 2004)

Pour saisir les vertus alchimiques de cet album, il suffit peut-être de lorgner vers ses admirateurs déclarés, Bono, Bowie, Byrne. Du premier, Arcade Fire retient un souffle héroïque jamais boursoufflé, capable d'enfanter un hymne fédérateur (Wake Up) comme un lyrisme éclatant (Rebellion (Lies)). Avec le deuxième, les Canadiens partagent un incroyable don pour les cocktails post-modernes, mélangeant les époques et les univers sonores avec brio, de l'indie-rock de Neutral Milk Hotel à la pop eighties de New Order (Neighborhood #3 (Power Out)). Du troisième, enfin, Win Butler et ses sbires héritent le refus de la facilité, la volonté de parfaire la mixture, l'art de saisir le monde en une chanson, bancal et bouillonnant (Neighborhood #2 (Laika)), sombre et révolté (Neighborhood #1 (Tunnels)). Et de réussir un disque atemporel, reflet d'une époque et de son passé, à cheval entre les genres et déjà tourné vers demain.

3     LCD Soundsystem - Sound Of Silver (DFA - 2007)

Post-punk synthétique ou post-funk synthétique ? On ne tranchera pas et c’est tant mieux. Pour son second album, James Murphy revisite à sa façon les musiques qu’il préfère, en DJ érudit qu’il est, passionné et passionnant. Les lignes de basse suintent un swing numérique, les rythmiques impriment des variations évolutives et quelques chœurs font pulser l’ensemble. Surtout, une production d’orfèvre permet à l’ensemble de tenir et de gagner en ampleur à mesure que l’album se délite, à mesure des écoutes également. De la longue ouverture Get Innocuous! à l’imparable North American Scum, du sommet All My Friends (petit frère contemporain du Ceremony de New Order, entre la cave et le dancefloor) à une déclaration d’amour enflammée mais critique à sa ville (New York I Love You But You’re Bringing Me Down), LCD Soundsystem condense 50 ans de musique dans ses cartes-son, de Sinatra à Joy Division, de Bowie à Blondie, de PIL à ESG.

2     Radiohead - Kid A (Parlophone - 2000)

Après avoir rallumé la flamme rock durant la décennie précédente, le groupe d’Oxford met en pratique son "Ok computer!" Les circuits intégrés et autres cartes-mère remplacent les guitares le temps d’une plongée dans des mondes numériques. Kid A, l’enfant clone, sanglote de façon robotique sur des plaines digitales, tandis que Thom Yorke invente le blues énervé des années internet (Idioteque) et le psychédélisme des ères virtuelles (Everything In Its Right Place). Reste que si la révolution électronique et la portée de cet album ont marqué les esprits, on aurait tort de n’y voir qu’une rupture, un saut dans un univers parallèle. Radiohead ne renie ni le rock - malgré ses cuivres, qu’est-ce que The National Anthem sinon morceau rock? - ni les guitares. Moins présentent, la six-cordes porte ainsi l’une des plus belles ballades du groupe, secondée par un déluge discret d’ondes martenot (How To Disappear Completely). Vécu comme une révolution à sa sortie, Kid A est avant tout un grand album, fruit d’un groupe alors au-dessus du lot, capable comme aucun autre de prendre le pouls d’une époque.

1     Wilco - Yankee Hotel Foxtrot (Nonesuch - 2002)

Et dire que cet album a failli ne pas voir le jour, refusé par Reprise avant d'être sauvé par Nonesuch! Rien que pour cette histoire - être viré par un sous-label de Warner avant d'être signé par un autre sous-label de Warner - Yankee Hotel Foxtrot mérite sa place tout en haut d'une décennie musicale où l'industrie a implosé, grenouille devenue boeuf. Mais ce serait faire injure à Wilco de ne retenir que l'anecdote. Cet album vaut bien mieux. Epaulé par les virtuoses-dynamiteurs Jim O'Rourke et Glenn Kotche, Jeff Tweedy y donne libre court à son inspiration et emmène son songwriting dans un grand huit aussi sinueux que direct. A l'image du sismique I'm Trying To Break Your Heart où malgré les multiples textures à l'oeuvre survit toujours cette ligne de fuite qui fait les chansons, les morceaux de Wilco trouvent ici l'équilibre entre production travaillée, dérapages surprenants et limpidité mélodique. Le tout sans se départir d'un canevas country-rock, traversé d'inflexions étrangères, de cuivres rutilants (I Am The Man Who Loves You) en tempo pop (Heavy Metal Drummer), d'une électricité légère (Ashes Of American Flags) à un violon bavard (Jesus etc.). Sans esbroufe ni forfanterie, Wilco réussit un disque plein, riche et accessible à la fois, inventif mais surtout généreux, évoquant un classique contemporain à la manière d'un grand disque des Beatles.

5     Portishead - Third (Go Beat! - 2008)

D'abord il y a eu le doute, l'inquiétude. Après dix ans de silence, que pouvait encore avoir à dire Portishead, héros involontaire d'un genre usé jusqu'à l'os, le trip-hop? Sans doute conscient de ces interrogations, le groupe de Bristol débute justement son troisième album par un morceau intitulé Silence, aux sonorités brutes, industrielles, faisant patienter l'auditeur plus de 3 minutes pour entendre la voix de Beth Gibbons, coupant le courant subitement en fin de parcours. Ou comment déjouer les attentes. Après ça, toutes craintes sont dissipées. Et la suite peut s'apprécier pour elle-même. Krautrock numérique (Machine Gun), post-punk tranchant (We Carry On) ou folk retro (étonnante respiration médiane avec Deep Water), la palette de Portishead s'est élargie, même si restent quelques vestiges d'hier (Hunter, Plastic). Surtout, le groupe de Geoff Barrow est capable de concilier songwriting et production dans un même élan, passant d'une ligne de guitare acoustique à un bourdon synthétique (The Rip), faisant naître la mélodie sous un déluge de percussions (Magic Doors). En muant, Portishead n'a pas perdu son souffle soul et urbain, mais l'a rendu plus fascinant et inconfortable encore.

4     Arcade Fire - Funeral (Merge - 2004)

Pour saisir les vertus alchimiques de cet album, il suffit peut-être de lorgner vers ses admirateurs déclarés, Bono, Bowie, Byrne. Du premier, Arcade Fire retient un souffle héroïque jamais boursoufflé, capable d'enfanter un hymne fédérateur (Wake Up) comme un lyrisme éclatant (Rebellion (Lies)). Avec le deuxième, les Canadiens partagent un incroyable don pour les cocktails post-modernes, mélangeant les époques et les univers sonores avec brio, de l'indie-rock de Neutral Milk Hotel à la pop eighties de New Order (Neighborhood #3 (Power Out)). Du troisième, enfin, Win Butler et ses sbires héritent le refus de la facilité, la volonté de parfaire la mixture, l'art de saisir le monde en une chanson, bancal et bouillonnant (Neighborhood #2 (Laika)), sombre et révolté (Neighborhood #1 (Tunnels)). Et de réussir un disque atemporel, reflet d'une époque et de son passé, à cheval entre les genres et déjà tourné vers demain.

3     LCD Soundsystem - Sound Of Silver (DFA - 2007)

Post-punk synthétique ou post-funk synthétique ? On ne tranchera pas et c’est tant mieux. Pour son second album, James Murphy revisite à sa façon les musiques qu’il préfère, en DJ érudit qu’il est, passionné et passionnant. Les lignes de basse suintent un swing numérique, les rythmiques impriment des variations évolutives et quelques chœurs font pulser l’ensemble. Surtout, une production d’orfèvre permet à l’ensemble de tenir et de gagner en ampleur à mesure que l’album se délite, à mesure des écoutes également. De la longue ouverture Get Innocuous! à l’imparable North American Scum, du sommet All My Friends (petit frère contemporain du Ceremony de New Order, entre la cave et le dancefloor) à une déclaration d’amour enflammée mais critique à sa ville (New York I Love You But You’re Bringing Me Down), LCD Soundsystem condense 50 ans de musique dans ses cartes-son, de Sinatra à Joy Division, de Bowie à Blondie, de PIL à ESG.

2     Radiohead - Kid A (Parlophone - 2000)

Après avoir rallumé la flamme rock durant la décennie précédente, le groupe d’Oxford met en pratique son "Ok computer!" Les circuits intégrés et autres cartes-mère remplacent les guitares le temps d’une plongée dans des mondes numériques. Kid A, l’enfant clone, sanglote de façon robotique sur des plaines digitales, tandis que Thom Yorke invente le blues énervé des années internet (Idioteque) et le psychédélisme des ères virtuelles (Everything In Its Right Place). Reste que si la révolution électronique et la portée de cet album ont marqué les esprits, on aurait tort de n’y voir qu’une rupture, un saut dans un univers parallèle. Radiohead ne renie ni le rock - malgré ses cuivres, qu’est-ce que The National Anthem sinon morceau rock? - ni les guitares. Moins présentent, la six-cordes porte ainsi l’une des plus belles ballades du groupe, secondée par un déluge discret d’ondes martenot (How To Disappear Completely). Vécu comme une révolution à sa sortie, Kid A est avant tout un grand album, fruit d’un groupe alors au-dessus du lot, capable comme aucun autre de prendre le pouls d’une époque.

1     Wilco - Yankee Hotel Foxtrot (Nonesuch - 2002)

Et dire que cet album a failli ne pas voir le jour, refusé par Reprise avant d'être sauvé par Nonesuch! Rien que pour cette histoire - être viré par un sous-label de Warner avant d'être signé par un autre sous-label de Warner - Yankee Hotel Foxtrot mérite sa place tout en haut d'une décennie musicale où l'industrie a implosé, grenouille devenue boeuf. Mais ce serait faire injure à Wilco de ne retenir que l'anecdote. Cet album vaut bien mieux. Epaulé par les virtuoses-dynamiteurs Jim O'Rourke et Glenn Kotche, Jeff Tweedy y donne libre court à son inspiration et emmène son songwriting dans un grand huit aussi sinueux que direct. A l'image du sismique I'm Trying To Break Your Heart où malgré les multiples textures à l'oeuvre survit toujours cette ligne de fuite qui fait les chansons, les morceaux de Wilco trouvent ici l'équilibre entre production travaillée, dérapages surprenants et limpidité mélodique. Le tout sans se départir d'un canevas country-rock, traversé d'inflexions étrangères, de cuivres rutilants (I Am The Man Who Loves You) en tempo pop (Heavy Metal Drummer), d'une électricité légère (Ashes Of American Flags) à un violon bavard (Jesus etc.). Sans esbroufe ni forfanterie, Wilco réussit un disque plein, riche et accessible à la fois, inventif mais surtout généreux, évoquant un classique contemporain à la manière d'un grand disque des Beatles.

Top 50 albums - Années 2000 (IX)

10     Grandaddy - The Sophtware Slump (V2 - 2000)

Tandis que Radiohead récoltait les lauriers pour son OK aux ordinateurs et son clône Kid A, Grandaddy restait dans l'ombre. Pourtant, son clavier éclaté, son humanoïde Jed et son rock spatial méritent la mention. Et mieux même! Dès le séminal He's Simple, He's Dumb, He's The Pilot en introduction, les barbus de Modesto envoient leur musique sur orbite. Elle n'en redescendra (presque) jamais. Rock lo-fi (Hewlett's Daughter), pop psyché (The Crystal Lake) et élégies brumeuses (Jed The Humanoid, Jed's Other Poem) se succèdent dans une atmosphère surannée et bricolée, pleine de synthés cheap et d'un chant aérien, évoquant aussi bien Air qu'Electric Light Orchestra. Et même si le milieu d'album redescend d'un cran, l'incroyable envolée finale (Miner At The Dial-A-View puis So You'll Aim Toward The Sky) ramène ce Sophtware Slump vers des hauteurs que peu sont capables de fréquenter.

9     Earth - Hex; Or Printing In The Infernal Method (Southern Lord - 2005)

Artificier en chef des drones saturés, lourds et étirés, Dylan Carlson s'offre le Far West. Et en soulève la poussière à grands coups de six-cordes amplifiée.  Le western est lent, écrasant, suffocant. Earth dérive en des territoires décharnés, brodant des thèmes de guitares - slide ou électrique - qui dépouillent rock et country à l'extrême, sans se départir d'un canevas rythmique pesant. marque de son habituel drone doom. Le souffle est cinématographique,  esquissant des paysages qu'on imagine sombres, hantés, abandonnés, évoquant aussi bien David Lynch qu'une version démultipliée du score composé par Neil Young pour le Dead Man de Jim Jarmush. Le sous-titre de l'album - Or Printing In The Infernal Method - est d'ailleurs emprunté au poète William Blake, dont le personnage incarné par Johnny Depp usurpait le nom. 

8     Antony and the Johnsons - I Am A Bird Now (Secretly Canadian - 2005)

Venue de l'underground, une nouvelle voix soul s'impose, mi-freak, mi-queer. A sa façon, sans concession, Antony Hegarty incarne la diva des années 2000, fêlée, fragile, impudique. Seul, au piano, l'Anglais exilé à New York chante sa peur de mourir - et de mourir seul - entre pathos en suspension et envolée lyrique (Hope There's Someone). Invitant ses frères de peine Boy George et Rufus Wainwright, il revendique sa dualité et ses doutes, dans des élans kitsch qui pourtant touchent au coeur, You Are My Sister en tête. Epaulé par son parrain Lou Reed - guitariste, narrateur - il revisite les canons soul d'un autre temps, sans se faire piéger par la patine vintage, ni l'exercice de style (Fistful Of Love). Comme la photo d'Andy Warhol qui orne sa pochette, I Am A Bird Now insuffle un magnétisme funèbre et suranné à la fois à une confession personnelle jusqu'au bout des notes, manifeste intime et extraterrestre pour une soul moderne.

7     Bon Iver - For Emma, Forever Ago (Jagjaguwar/4AD - 2008)

C'est la classique histoire du musicien au coeur brisé, s'isolant pour panser et conter ses plaies. Sauf que Justin Vernon fait mieux que s'apitoyer. Dans sa cabane perdue dans la forêt, il se réinvente un monde, poussant son songwriting vers des rivages surprenants, ajoutant tant et tant d'instruments qu'en naît une musique quasi-inouïe, hantée et impressionniste. Coupé du monde, perdu dans des pensées qui l'emmènent loin, loin, Bon Iver façonne un folk ouvert, constamment prêt à plonger dans l'intime comme à s'envoler vers ailleurs. Un folk aux arrangements bout de ficelle - Vernon est derrière chaque instrument - capables pourtant de donner corps à une symphonie naturaliste, passant du dénuement le plus complet à des vibrations orchestrales, portée par une voix qui n'en évoque aucune autre et devient porte-parole de nos émotions les plus enfouies.

6     Sigur Rós - Agaetis Byrjun (Fat Cat - 2000)

De l'Islande, on connaissait jusque là l'electro organique de Björk et, surtout, son Jóga sismique évoquant les mouvements de terrain de l'île. Désormais, grâce à Sigur Rós, on découvre son panorama glacial et brûlant à la fois, ses neiges et ses volcans, ses nuits sans fin et ses jours blancs éclatants. Paysagiste sonore, le groupe de Reyjkavik est également artificier, esquissant des territoires aqueux (Staralfur) ou magnétiques (Svefn-G-Englar), puis s'emportant dans des charges guerrières (Ny Batteri), avant d'oser un romantisme d'un autre temps, toutes cordes dehors (Vidrar Vel Til Loftarasa). Onirique, organique et lyrique, Agaetis Byrjun est une oeuvre riche en dédales et en instants de grâce, souvent enchanteresse, parfois courageuse mais jamais frileuse. Un grand disque, tout simplement, inépuisable, aux confins des genres.

10     Grandaddy - The Sophtware Slump (V2 - 2000)

Tandis que Radiohead récoltait les lauriers pour son OK aux ordinateurs et son clône Kid A, Grandaddy restait dans l'ombre. Pourtant, son clavier éclaté, son humanoïde Jed et son rock spatial méritent la mention. Et mieux même! Dès le séminal He's Simple, He's Dumb, He's The Pilot en introduction, les barbus de Modesto envoient leur musique sur orbite. Elle n'en redescendra (presque) jamais. Rock lo-fi (Hewlett's Daughter), pop psyché (The Crystal Lake) et élégies brumeuses (Jed The Humanoid, Jed's Other Poem) se succèdent dans une atmosphère surannée et bricolée, pleine de synthés cheap et d'un chant aérien, évoquant aussi bien Air qu'Electric Light Orchestra. Et même si le milieu d'album redescend d'un cran, l'incroyable envolée finale (Miner At The Dial-A-View puis So You'll Aim Toward The Sky) ramène ce Sophtware Slump vers des hauteurs que peu sont capables de fréquenter.

9     Earth - Hex; Or Printing In The Infernal Method (Southern Lord - 2005)

Artificier en chef des drones saturés, lourds et étirés, Dylan Carlson s'offre le Far West. Et en soulève la poussière à grands coups de six-cordes amplifiée.  Le western est lent, écrasant, suffocant. Earth dérive en des territoires décharnés, brodant des thèmes de guitares - slide ou électrique - qui dépouillent rock et country à l'extrême, sans se départir d'un canevas rythmique pesant. marque de son habituel drone doom. Le souffle est cinématographique,  esquissant des paysages qu'on imagine sombres, hantés, abandonnés, évoquant aussi bien David Lynch qu'une version démultipliée du score composé par Neil Young pour le Dead Man de Jim Jarmush. Le sous-titre de l'album - Or Printing In The Infernal Method - est d'ailleurs emprunté au poète William Blake, dont le personnage incarné par Johnny Depp usurpait le nom. 

8     Antony and the Johnsons - I Am A Bird Now (Secretly Canadian - 2005)

Venue de l'underground, une nouvelle voix soul s'impose, mi-freak, mi-queer. A sa façon, sans concession, Antony Hegarty incarne la diva des années 2000, fêlée, fragile, impudique. Seul, au piano, l'Anglais exilé à New York chante sa peur de mourir - et de mourir seul - entre pathos en suspension et envolée lyrique (Hope There's Someone). Invitant ses frères de peine Boy George et Rufus Wainwright, il revendique sa dualité et ses doutes, dans des élans kitsch qui pourtant touchent au coeur, You Are My Sister en tête. Epaulé par son parrain Lou Reed - guitariste, narrateur - il revisite les canons soul d'un autre temps, sans se faire piéger par la patine vintage, ni l'exercice de style (Fistful Of Love). Comme la photo d'Andy Warhol qui orne sa pochette, I Am A Bird Now insuffle un magnétisme funèbre et suranné à la fois à une confession personnelle jusqu'au bout des notes, manifeste intime et extraterrestre pour une soul moderne.

7     Bon Iver - For Emma, Forever Ago (Jagjaguwar/4AD - 2008)

C'est la classique histoire du musicien au coeur brisé, s'isolant pour panser et conter ses plaies. Sauf que Justin Vernon fait mieux que s'apitoyer. Dans sa cabane perdue dans la forêt, il se réinvente un monde, poussant son songwriting vers des rivages surprenants, ajoutant tant et tant d'instruments qu'en naît une musique quasi-inouïe, hantée et impressionniste. Coupé du monde, perdu dans des pensées qui l'emmènent loin, loin, Bon Iver façonne un folk ouvert, constamment prêt à plonger dans l'intime comme à s'envoler vers ailleurs. Un folk aux arrangements bout de ficelle - Vernon est derrière chaque instrument - capables pourtant de donner corps à une symphonie naturaliste, passant du dénuement le plus complet à des vibrations orchestrales, portée par une voix qui n'en évoque aucune autre et devient porte-parole de nos émotions les plus enfouies.

6     Sigur Rós - Agaetis Byrjun (Fat Cat - 2000)

De l'Islande, on connaissait jusque là l'electro organique de Björk et, surtout, son Jóga sismique évoquant les mouvements de terrain de l'île. Désormais, grâce à Sigur Rós, on découvre son panorama glacial et brûlant à la fois, ses neiges et ses volcans, ses nuits sans fin et ses jours blancs éclatants. Paysagiste sonore, le groupe de Reyjkavik est également artificier, esquissant des territoires aqueux (Staralfur) ou magnétiques (Svefn-G-Englar), puis s'emportant dans des charges guerrières (Ny Batteri), avant d'oser un romantisme d'un autre temps, toutes cordes dehors (Vidrar Vel Til Loftarasa). Onirique, organique et lyrique, Agaetis Byrjun est une oeuvre riche en dédales et en instants de grâce, souvent enchanteresse, parfois courageuse mais jamais frileuse. Un grand disque, tout simplement, inépuisable, aux confins des genres.

Top 50 albums - Années 2000 (VIII)

15     Alain Bashung - L'imprudence (Barclay - 2002)

Imprudent Bashung? Oui. Mais en grand équilibriste, il traverse avec brio l'univers orchestral et sismique de L'imprudence. Et peut désormais regarder de loin la chanson française. Si Fantaisie militaire tordait déjà les codes avec bonheur, cet album va plus loin encore. Confiant dans ses compagnons de route, Alain Bashung oscille entre l'interprète et le chef d'orchestre. Choisissant les sons et les mots des autres, il les ordonne à sa sauce, grand architecte d'un monde en construction, tourné vers l'avant. Sa voix fait le reste, diction claire et pâteuse à la fois, inflexions infimes donnant corps aux rimes les plus incongrus ("Tel Machiavel, tel Abel Gance, tel Guillaume Tell, à quoi tu penses?"), tandis que les instrumentations se disloquent ou décollent à l'arrière-plan. Ceux qui suivront cette route paieront leur imprudence. Bashung, lui, laisse un chef-d'oeuvre sombre.

14     The Flaming Lips - Embryonic (Warner - 2009)

Couronné de lauriers en 1999 avec The Soft Bulletin, The Flaming Lips a opté pour une approche plus pop durant la décennie suivante, enfantant des tubes patentés (Do You Realize, The Yeah Yeah Yeah Song) et une descendance (MGMT). Avant de recouvrer son goût pour l'expérimentation en 2009. Forts de ce mojo retrouvé, Wayne Coyne et sa bande se lancent à la recherche du temps perdu et osent un festin sonique sur cet Embryonic bien plus abouti que son nom ne l'annonce. De Pink Floyd à Can, The Flaming Lips fait main basse sur l'héritage des héros d'hier, entre structures à tiroirs et dérives spatiales, y ajoutant un son neuf. Le tout sans renier cette touche d'humour qui fait son sel, à l'image de I Can Be A Frog, duo régressif et décalé avec Karen O. Résultat: un chef-d'oeuvre psyché in extremis pour la décennie.

13     The National - Boxer (Beggars - 2007)

A l'image de sa pochette, Boxer fait la part belle au clair-obscur et à l'électricité rampante, distillant une mélancolie venimeuse cachée sous un costume de velours. Grave et pâteuse, la voix de crooner de Matt Berninger évoque Nick Cave ou Stuart Staples, tandis que les instrumentations trouvent un équilibre rare entre nervosité assumée (Squalor Victoria), épure feutrée (Racing Like A Pro) et arrangements variés (magnifique Ada). Un déluge de cuivres recouvre un mélodie entêtante (Fake Empire), le phrasé de Berninger tient l'édifice face à des rythmiques débridées (Mistaken For Strangers, Brainy), le dénuement ouvre sur la grâce (Green Gloves, Start A War). Aussi fin dans son songwriting que maître de ses coups de sang, Boxer est un sommet de rock noir, entre spleen et romantisme.

12     Animal Collective - Strawberry Jam (Domino - 2007)

Moins foutraque et expérimental qu'à ses débuts, Animal Collective ose pour la première fois cultiver son côté mélodique du début à la fin d'un album. Du frénétique Peacebone à la transe tribale de Derek, le collectif new-yorkais domestique son écriture et ses élans, mélange les genres avec une aisance nouvelle et évite les plages trop étirées où il se perdait parfois. Surtout, il parvient à développer ses morceaux et à les concilier à ses idées, jusqu'à en extraire tout le potentiel, à la manière du diptyque Reverend Green/Fireworks où se télescopent aspirations pop et aspérités rock, refrains beach-boyesques et cris primitifs, gimmicks de piano et rythmiques épileptiques. Rugueux, trituré, inventif et sur le vif, Strawberry Jam donne des couleurs à la pop en l'embarquant dans un carnaval animal.

11     Beth Gibbons & Rustin Man - Out Of Season (Go Beat - 2002)

Retour aux sources pour la chanteuse de Portishead qui, avant l'explosion trip-hop, prêta sa voix à .O.rang, projet des ex-Talk Talk Lee Harris et Paul Webb. Devenu Rustin Man, ce dernier retrouve Beth Gibbons pour un album atypique, aussi éloigné du downtempo grinçant de Portishead que des expérimentations rock de l'ère post-Talk Talk. Explorant des territoires folk et soul, le duo convoque les fantômes seventies le temps d'une dérive brumeuse et nostalgique. On pense à Nick Drake (notamment sur le magnifique Drake), à Nina Simone ou encore à Janis Joplin. Surtout, on reste bouche bée devant les arrangements, pleins et discrets à la fois - à l'exception d'un Tom The Model cinématographique à outrance. Pour le reste, choeurs, cuivres et cordes rhabillent avec délicatesse des chansons fragiles et fortes à la fois, à l'émotion vibrante.

15     Alain Bashung - L'imprudence (Barclay - 2002)

Imprudent Bashung? Oui. Mais en grand équilibriste, il traverse avec brio l'univers orchestral et sismique de L'imprudence. Et peut désormais regarder de loin la chanson française. Si Fantaisie militaire tordait déjà les codes avec bonheur, cet album va plus loin encore. Confiant dans ses compagnons de route, Alain Bashung oscille entre l'interprète et le chef d'orchestre. Choisissant les sons et les mots des autres, il les ordonne à sa sauce, grand architecte d'un monde en construction, tourné vers l'avant. Sa voix fait le reste, diction claire et pâteuse à la fois, inflexions infimes donnant corps aux rimes les plus incongrus ("Tel Machiavel, tel Abel Gance, tel Guillaume Tell, à quoi tu penses?"), tandis que les instrumentations se disloquent ou décollent à l'arrière-plan. Ceux qui suivront cette route paieront leur imprudence. Bashung, lui, laisse un chef-d'oeuvre sombre.

14     The Flaming Lips - Embryonic (Warner - 2009)

Couronné de lauriers en 1999 avec The Soft Bulletin, The Flaming Lips a opté pour une approche plus pop durant la décennie suivante, enfantant des tubes patentés (Do You Realize, The Yeah Yeah Yeah Song) et une descendance (MGMT). Avant de recouvrer son goût pour l'expérimentation en 2009. Forts de ce mojo retrouvé, Wayne Coyne et sa bande se lancent à la recherche du temps perdu et osent un festin sonique sur cet Embryonic bien plus abouti que son nom ne l'annonce. De Pink Floyd à Can, The Flaming Lips fait main basse sur l'héritage des héros d'hier, entre structures à tiroirs et dérives spatiales, y ajoutant un son neuf. Le tout sans renier cette touche d'humour qui fait son sel, à l'image de I Can Be A Frog, duo régressif et décalé avec Karen O. Résultat: un chef-d'oeuvre psyché in extremis pour la décennie.

13     The National - Boxer (Beggars - 2007)

A l'image de sa pochette, Boxer fait la part belle au clair-obscur et à l'électricité rampante, distillant une mélancolie venimeuse cachée sous un costume de velours. Grave et pâteuse, la voix de crooner de Matt Berninger évoque Nick Cave ou Stuart Staples, tandis que les instrumentations trouvent un équilibre rare entre nervosité assumée (Squalor Victoria), épure feutrée (Racing Like A Pro) et arrangements variés (magnifique Ada). Un déluge de cuivres recouvre un mélodie entêtante (Fake Empire), le phrasé de Berninger tient l'édifice face à des rythmiques débridées (Mistaken For Strangers, Brainy), le dénuement ouvre sur la grâce (Green Gloves, Start A War). Aussi fin dans son songwriting que maître de ses coups de sang, Boxer est un sommet de rock noir, entre spleen et romantisme.

12     Animal Collective - Strawberry Jam (Domino - 2007)

Moins foutraque et expérimental qu'à ses débuts, Animal Collective ose pour la première fois cultiver son côté mélodique du début à la fin d'un album. Du frénétique Peacebone à la transe tribale de Derek, le collectif new-yorkais domestique son écriture et ses élans, mélange les genres avec une aisance nouvelle et évite les plages trop étirées où il se perdait parfois. Surtout, il parvient à développer ses morceaux et à les concilier à ses idées, jusqu'à en extraire tout le potentiel, à la manière du diptyque Reverend Green/Fireworks où se télescopent aspirations pop et aspérités rock, refrains beach-boyesques et cris primitifs, gimmicks de piano et rythmiques épileptiques. Rugueux, trituré, inventif et sur le vif, Strawberry Jam donne des couleurs à la pop en l'embarquant dans un carnaval animal.

11     Beth Gibbons & Rustin Man - Out Of Season (Go Beat - 2002)

Retour aux sources pour la chanteuse de Portishead qui, avant l'explosion trip-hop, prêta sa voix à .O.rang, projet des ex-Talk Talk Lee Harris et Paul Webb. Devenu Rustin Man, ce dernier retrouve Beth Gibbons pour un album atypique, aussi éloigné du downtempo grinçant de Portishead que des expérimentations rock de l'ère post-Talk Talk. Explorant des territoires folk et soul, le duo convoque les fantômes seventies le temps d'une dérive brumeuse et nostalgique. On pense à Nick Drake (notamment sur le magnifique Drake), à Nina Simone ou encore à Janis Joplin. Surtout, on reste bouche bée devant les arrangements, pleins et discrets à la fois - à l'exception d'un Tom The Model cinématographique à outrance. Pour le reste, choeurs, cuivres et cordes rhabillent avec délicatesse des chansons fragiles et fortes à la fois, à l'émotion vibrante.

Top 50 albums - Années 2000 (VII)

20     Patrick Watson - Close To Paradise (Secret City - 2007)

Entre Erik Satie et Robert Wyatt, Patrick Watson a choisi de ne pas choisir. Et conte une odyssée qui doit autant à la pop psyché qu'aux musiques expérimentales. Enchanteur, explorateur et défricheur, Close To Paradise marie à merveille instrumentations inventives et mélodies limpides. Giver et Luscious Life évoquent ainsi ce qu'aurait pu être Coldplay si Chris Martin avait laissé aux vestiaires ses rêves de grandeur pour cultiver le sillon inaugural Don't Panic. Plus rugueux, Weight Of The World dessine un cirque abandonné visité par Tom Waits, tandis que The Storm tresse une ballade folk brumeuse et The Great Escape une berceuse apaisante au piano. Contemporain d'un monde bigarré où règnent M, Sigur Rós ou encore Coldplay, Patrick Watson prend un brin de chacun pour les ajouter à son cocktail personnel, formule magique onirique sans jamais être kitsch.

19     The Knife - Silent Shout (Rabid - 2006)

Oscillant entre techno minimale et electro-pop, le duo suédois tisse des brumes synthétiques froides et fascinantes à la fois. Jouant d'une palette sonore surannée, de rythmiques rachitiques et de mélodies répétitives, Olof Drejer façonne un tapis instrumental pour la voix hantée de sa soeur Karin. Comme sur l'inquiétant The Captain et ses paysages polaires soudain fendus par une voix de sorcière numérique. Ou sur le glaçant We Share Our Mother's Health, qui dépoussière l'héritage de Depeche Mode, entre Bontempi et industriel. Une plongée en territoire eighties qui se poursuit sur Marble House, bijou de pop synthétique et mélancolique porté par la voix de Jay-Jay Johanson. Aussi érudit qu'inventif, The Knife donne ses lettres de noblesse à une certaine electro, loin du rock comme des dancefloors.

18     Bonnie 'Prince' Billy - The Letting Go (Drag City/Domino - 2006)

Parti traîner ses guêtres dans l'Islande de Valgeir Sigurdsson, Will Oldham en ramène son album le plus atypique. Arrangé et aérien, The Letting Go rompt avec l'esprit lo-fi comme avec l'héritage des Appalaches. Secondé par l'impeccable Dawn McCarty aux choeurs et posé sur un tapis de corde, le songwriting de Bonnie 'Prince' Billy épouse des courbes nouvelles, plus léchées et orchestrées, ne tournant pas pour autant le dos au folk et à la country - à l'image du joueur No Bad News ou de la ritournelle Love Comes To Me - ni à ses inclinaisons plus rêches (The Seedling) ou malingres (Wai). Mais préfère un rayon de soleil nordique à la noirceur habittuelle. Accueillant comme jamais, ce drôle d'Oldham prouve qu'il a encore quelques belles surprises en réserve.

17     The Notwist - Neon Golden (City Slang - 2002)

Rarement pop et electro se sont mariés avec un tel naturel. Pour peu, on penserait au New Order de Power, Corruption & Lies, pour ses sonorités hybrides comme ses mélodies limpides. Reste que si Neon Golden séduit par cette impression de simplicité, les apparences sont trompeuses. Au fil des écoutes, textures et écritures se révèlent, démontrant une maîtrise du songwriting comme des travaux en laboratoire, faisant craquer le bois des violons (One Step Inside Doesn't Meant You Understand) comme les cartes sons des machines (Off The Rail). Dansant (Pilot), poignant (Pick Up The Phone) ou planant (This Room), The Notwist concilie à la perfection électricité, électronique et acoustique. Et signe un classique intime et synthétique à la fois.

16     Fugazi - The Argument (Dischord - 2001)

Poursuivant l'oeuvre de sophistication de ses élans post-hardcore, le combo de Washington clôt son histoire avec un album aussi maîtrisé qu'aventurier S'ouvrant sur un drône de cordes, The Argument prend un malin plaisir à varier les directions ensuite, porté par une section rythmique parfaite et des riffs tranchants. Sans jamais se départir d'une tension larvée ou rentrée, Fugazi passe d'une rage abrasive (Cashout, Full Disclosure) à des incises plus pop, grâce à des parties de guitares déliées et quelques harmonies vocales lorgnant presque du côté d'Elliott Smith (Life And Lime, Strangelight). A l'image d'Epic Problems, débuté à la manière télégramme crié - "Stop, stop, stop, stop, stop" -  avant une rupture acoustique soudaine, remodelant la fin, McKaye et ses comparses se réconcilient avec les mélodies tout en prenant un malin plaisir à les tordre et les violenter, façonnant un rock brûlant, tendu et ciselé à la fois.

20     Patrick Watson - Close To Paradise (Secret City - 2007)

Entre Erik Satie et Robert Wyatt, Patrick Watson a choisi de ne pas choisir. Et conte une odyssée qui doit autant à la pop psyché qu'aux musiques expérimentales. Enchanteur, explorateur et défricheur, Close To Paradise marie à merveille instrumentations inventives et mélodies limpides. Giver et Luscious Life évoquent ainsi ce qu'aurait pu être Coldplay si Chris Martin avait laissé aux vestiaires ses rêves de grandeur pour cultiver le sillon inaugural Don't Panic. Plus rugueux, Weight Of The World dessine un cirque abandonné visité par Tom Waits, tandis que The Storm tresse une ballade folk brumeuse et The Great Escape une berceuse apaisante au piano. Contemporain d'un monde bigarré où règnent M, Sigur Rós ou encore Coldplay, Patrick Watson prend un brin de chacun pour les ajouter à son cocktail personnel, formule magique onirique sans jamais être kitsch.

19     The Knife - Silent Shout (Rabid - 2006)

Oscillant entre techno minimale et electro-pop, le duo suédois tisse des brumes synthétiques froides et fascinantes à la fois. Jouant d'une palette sonore surannée, de rythmiques rachitiques et de mélodies répétitives, Olof Drejer façonne un tapis instrumental pour la voix hantée de sa soeur Karin. Comme sur l'inquiétant The Captain et ses paysages polaires soudain fendus par une voix de sorcière numérique. Ou sur le glaçant We Share Our Mother's Health, qui dépoussière l'héritage de Depeche Mode, entre Bontempi et industriel. Une plongée en territoire eighties qui se poursuit sur Marble House, bijou de pop synthétique et mélancolique porté par la voix de Jay-Jay Johanson. Aussi érudit qu'inventif, The Knife donne ses lettres de noblesse à une certaine electro, loin du rock comme des dancefloors.

18     Bonnie 'Prince' Billy - The Letting Go (Drag City/Domino - 2006)

Parti traîner ses guêtres dans l'Islande de Valgeir Sigurdsson, Will Oldham en ramène son album le plus atypique. Arrangé et aérien, The Letting Go rompt avec l'esprit lo-fi comme avec l'héritage des Appalaches. Secondé par l'impeccable Dawn McCarty aux choeurs et posé sur un tapis de corde, le songwriting de Bonnie 'Prince' Billy épouse des courbes nouvelles, plus léchées et orchestrées, ne tournant pas pour autant le dos au folk et à la country - à l'image du joueur No Bad News ou de la ritournelle Love Comes To Me - ni à ses inclinaisons plus rêches (The Seedling) ou malingres (Wai). Mais préfère un rayon de soleil nordique à la noirceur habittuelle. Accueillant comme jamais, ce drôle d'Oldham prouve qu'il a encore quelques belles surprises en réserve.

17     The Notwist - Neon Golden (City Slang - 2002)

Rarement pop et electro se sont mariés avec un tel naturel. Pour peu, on penserait au New Order de Power, Corruption & Lies, pour ses sonorités hybrides comme ses mélodies limpides. Reste que si Neon Golden séduit par cette impression de simplicité, les apparences sont trompeuses. Au fil des écoutes, textures et écritures se révèlent, démontrant une maîtrise du songwriting comme des travaux en laboratoire, faisant craquer le bois des violons (One Step Inside Doesn't Meant You Understand) comme les cartes sons des machines (Off The Rail). Dansant (Pilot), poignant (Pick Up The Phone) ou planant (This Room), The Notwist concilie à la perfection électricité, électronique et acoustique. Et signe un classique intime et synthétique à la fois.

16     Fugazi - The Argument (Dischord - 2001)

Poursuivant l'oeuvre de sophistication de ses élans post-hardcore, le combo de Washington clôt son histoire avec un album aussi maîtrisé qu'aventurier S'ouvrant sur un drône de cordes, The Argument prend un malin plaisir à varier les directions ensuite, porté par une section rythmique parfaite et des riffs tranchants. Sans jamais se départir d'une tension larvée ou rentrée, Fugazi passe d'une rage abrasive (Cashout, Full Disclosure) à des incises plus pop, grâce à des parties de guitares déliées et quelques harmonies vocales lorgnant presque du côté d'Elliott Smith (Life And Lime, Strangelight). A l'image d'Epic Problems, débuté à la manière télégramme crié - "Stop, stop, stop, stop, stop" -  avant une rupture acoustique soudaine, remodelant la fin, McKaye et ses comparses se réconcilient avec les mélodies tout en prenant un malin plaisir à les tordre et les violenter, façonnant un rock brûlant, tendu et ciselé à la fois.

Top 50 albums - Années 2000 (VI)

25     Rachel's - Systems/Layers (Quarterstick - 2003)

Rarement disque aura autant mérité le titre de symphonie urbaine. Pour sa collaboration avec la compagnie théâtrale SITI, le trio de Louisville a demandé la contribution de ses auditeurs, invités à livrer leurs enregistrements de sons urbains. Ceux-ci ont ensuite été intégrés à l'oeuvre. A mesure que Rachel's déroule sa partition, on peut ainsi entendre des voitures au Japon, le métro de Boston ou encore un vendeur de glaces à Bruxelles. Panorama étrange et hypnotique, Systems/Layers varie ensuite les ambiances musicales, entre passages orchestrés et dépouillés, mélodies abstraites et classieuses, soli de piano et partie chantée (magnifique Shannon Wright sur Last Things Last). Evoquant Steve Reich, la ville mise en musique par Rachel's est aussi fascinante qu'accueillante.

24     Queens Of The Stone Age - Songs For The Deaf (Columbia - 2002)

Et Josh Homme devint roi. Prince du stoner, grand timonier des Desert Sessions, le roux rocker réussit un disque électrique et explosif, lourd et mélodique, prompt à convertir un large public à son culte à guitares. Epaulé par quelques mercenaires de choix - en tête Dave Grohl et Mark Lanegan - Queens Of The Stone Age se lance pied au plancher dans une virée rock'n'roll qui convoque heavy vintage, blues déglingué et riffs héroïques pour le voyage. Déluges telluriques (First It Giveth, A Song For The Dead), accélération effrénée (One With The Flow et son piano revenu de l'enfer). poussière du désert (No One Knows) ou torch-song irrésistible (Another Love Song), Songs For The Deaf recèle un héritage rock touffu, parfaitement domestiqué par Homme, succédant à Jon Spencer pour le titre d'Elvis de l'époque.

23     Micah P. Hinson & The Gospel Of Progress - s/t (Overcoat/Full Time Hobby - 2004)

Cowboy au visage poupin - entre Buddy Holly et Elvis Costello - Micah P. Hinson façonne une Americana contemporaine, pleine à la fois d'incises pop (choeurs, sonorités aqueuses, mélodies douces et discrètes) et de tensions brûlantes (galops rythmiques, guitares crissantes, lignes acoustiques obsédantes). Une ballade romantique se crashe dans un final hanté (Close Your Eyes), une ritournelle légère se pare d'arrangements inquiétants (Beneath The Rose), un gimmick minimal accouche d'un orage sombre (Don't You Forget) dans ce Far West sépia et strié de déchirures. Obscures et riches, les chansons de ce premier album révèle un songwriter suintant une mélancolie crasse, seul capable de transformer une complainte brève et dépouillée en épopée country au ralenti (The Day Texas Sank To The Bottom Of The Sea).

22     Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-la-la Band + Choir - "This Is Our Punk Rock", Thee Rusted Satellites Gather + Sing (Constellation - 2003)

Abandonnant ses champs décharnés et instrumentaux, le collectif montréalais  donne de la voix sur ce troisième album et invente un folk-rock rugueux et lo-fi qui s'abreuve à de multiples sources. D'une chorale minimaliste et répétitive (Sow Some Lonesome Corners So Many Flowers Bloom) à une lamentation éraillée et élégiaque (Goodbye Desolate Railyard), A Silver Mt. Zion change de cap sans renier les titres à rallonge ni l'emphase instrumentale. Reste que c'est dans l'électricité rêche que le groupe réussit au mieux sa mue, avec deux morceaux médians posant les bases d'un songwriting abrasif et étendu, où plainte et rage se confondent en un râle vibrant. Efrim et ses comparses trouvent leur identité post-GYBE!, plus lumineux et poignants qu'ils ne le seront jamais ensuite.

21     Broken Social Scene - You Forgot It In People (Arts & Crafts/City Slang - 2002)

Avant cet album, on imaginait le Canada comme une plaine post-rock et le Québec comme une terre de chanteuses à voix. Après, plus rien ne fut pareil. Premier ambassadeur d'une scène nationale en pleine ébullition - suivront Unicorn, Arcade Fire, Patrick Watson, Malajube ou encore Metric - Broken Social Scene est un vivier où se croisent des songwriters de classe (Kevin Drew, Jason Collett), des voix à peine écloses (Feist, Emily Haynes) et des musiciens virtuoses (Charles Spearin, Brendan Canning). Et donne naissance à une pop protéiforme, aux changements de rythmes constants (KC Accidental), soudain sprinteuse (Almost Crimes) puis rêveuse (Pacific Theme) ou joliment lo-fi (Anthems For A Seventeen Year Old Girl). Disque à tiroirs et à mélodies, You Forgot It In People a changé le visage du Canada, soudain autre pays de la pop.

25     Rachel's - Systems/Layers (Quarterstick - 2003)

Rarement disque aura autant mérité le titre de symphonie urbaine. Pour sa collaboration avec la compagnie théâtrale SITI, le trio de Louisville a demandé la contribution de ses auditeurs, invités à livrer leurs enregistrements de sons urbains. Ceux-ci ont ensuite été intégrés à l'oeuvre. A mesure que Rachel's déroule sa partition, on peut ainsi entendre des voitures au Japon, le métro de Boston ou encore un vendeur de glaces à Bruxelles. Panorama étrange et hypnotique, Systems/Layers varie ensuite les ambiances musicales, entre passages orchestrés et dépouillés, mélodies abstraites et classieuses, soli de piano et partie chantée (magnifique Shannon Wright sur Last Things Last). Evoquant Steve Reich, la ville mise en musique par Rachel's est aussi fascinante qu'accueillante.

24     Queens Of The Stone Age - Songs For The Deaf (Columbia - 2002)

Et Josh Homme devint roi. Prince du stoner, grand timonier des Desert Sessions, le roux rocker réussit un disque électrique et explosif, lourd et mélodique, prompt à convertir un large public à son culte à guitares. Epaulé par quelques mercenaires de choix - en tête Dave Grohl et Mark Lanegan - Queens Of The Stone Age se lance pied au plancher dans une virée rock'n'roll qui convoque heavy vintage, blues déglingué et riffs héroïques pour le voyage. Déluges telluriques (First It Giveth, A Song For The Dead), accélération effrénée (One With The Flow et son piano revenu de l'enfer). poussière du désert (No One Knows) ou torch-song irrésistible (Another Love Song), Songs For The Deaf recèle un héritage rock touffu, parfaitement domestiqué par Homme, succédant à Jon Spencer pour le titre d'Elvis de l'époque.

23     Micah P. Hinson & The Gospel Of Progress - s/t (Overcoat/Full Time Hobby - 2004)

Cowboy au visage poupin - entre Buddy Holly et Elvis Costello - Micah P. Hinson façonne une Americana contemporaine, pleine à la fois d'incises pop (choeurs, sonorités aqueuses, mélodies douces et discrètes) et de tensions brûlantes (galops rythmiques, guitares crissantes, lignes acoustiques obsédantes). Une ballade romantique se crashe dans un final hanté (Close Your Eyes), une ritournelle légère se pare d'arrangements inquiétants (Beneath The Rose), un gimmick minimal accouche d'un orage sombre (Don't You Forget) dans ce Far West sépia et strié de déchirures. Obscures et riches, les chansons de ce premier album révèle un songwriter suintant une mélancolie crasse, seul capable de transformer une complainte brève et dépouillée en épopée country au ralenti (The Day Texas Sank To The Bottom Of The Sea).

22     Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-la-la Band + Choir - "This Is Our Punk Rock", Thee Rusted Satellites Gather + Sing (Constellation - 2003)

Abandonnant ses champs décharnés et instrumentaux, le collectif montréalais  donne de la voix sur ce troisième album et invente un folk-rock rugueux et lo-fi qui s'abreuve à de multiples sources. D'une chorale minimaliste et répétitive (Sow Some Lonesome Corners So Many Flowers Bloom) à une lamentation éraillée et élégiaque (Goodbye Desolate Railyard), A Silver Mt. Zion change de cap sans renier les titres à rallonge ni l'emphase instrumentale. Reste que c'est dans l'électricité rêche que le groupe réussit au mieux sa mue, avec deux morceaux médians posant les bases d'un songwriting abrasif et étendu, où plainte et rage se confondent en un râle vibrant. Efrim et ses comparses trouvent leur identité post-GYBE!, plus lumineux et poignants qu'ils ne le seront jamais ensuite.

21     Broken Social Scene - You Forgot It In People (Arts & Crafts/City Slang - 2002)

Avant cet album, on imaginait le Canada comme une plaine post-rock et le Québec comme une terre de chanteuses à voix. Après, plus rien ne fut pareil. Premier ambassadeur d'une scène nationale en pleine ébullition - suivront Unicorn, Arcade Fire, Patrick Watson, Malajube ou encore Metric - Broken Social Scene est un vivier où se croisent des songwriters de classe (Kevin Drew, Jason Collett), des voix à peine écloses (Feist, Emily Haynes) et des musiciens virtuoses (Charles Spearin, Brendan Canning). Et donne naissance à une pop protéiforme, aux changements de rythmes constants (KC Accidental), soudain sprinteuse (Almost Crimes) puis rêveuse (Pacific Theme) ou joliment lo-fi (Anthems For A Seventeen Year Old Girl). Disque à tiroirs et à mélodies, You Forgot It In People a changé le visage du Canada, soudain autre pays de la pop.

Top 50 albums - Années 2000 (V)

30     The Avalanches - Since I Left You (XL - 2000)

Bien avant Birdy Nam Nam et autres 2 Many DJ's, ce collectif australien élevait la discipline du turntablism au rang d'art à part entière. Malin et marrant, référentiel et dansant, catchy et barré, Since I Left You est la toile impressionniste d'une dizaine de DJ aux doigts d'or. Et à l'oreille fine. Les samples se suivent par centaines et façonne des mélodies tordues et limpides à la fois. Plus bel exemple, Frontier Psychiatrist est un OVNI aux cuivres tyroliens et aux cris animaux. Quant au morceau titre, il s'est payé le luxe de battre les champions du R'n'B sur leur propre terrain de jeu, MTV. Jusqu'à ouvrir la voix aux ritournelles plus osées (produites par Neptunes ou Timbaland) qui suivront durant la décennie? Peut-être bien.

29     Noir Désir - Des visages des figures (Barclay - 2001)

Etoffant et épurant son écriture à la fois, le groupe bordelais se libère des limites d'un rock dont il avait fait le tour avec Tostaky. Si quelques traces tranchantes subsistent (Le grand incendie, Son style 1 et Lost qui cite L'homme pressé dans sa partie médiane), Noir Désir préfère jouer d'un songwriting aéré (Le vent nous portera, L'enfant roi), lancinant (Des visages des figures, Bouquet de nerfs) ou triturré (L'appartement, Son style 2). La voix de Cantat s'essaie à de nouvelles gammes entre spoken-words et chant apaisé, tandis que ses complices, Teyssot-Gay en tête, désapprennent leurs anciens réflexes. Jusqu'é prendre le relais d'un Ferré sur L'Europe et, surtout, Des armes, sommets qui laissaient augurer de beaux lendemains.

28     Bill Callahan - Sometimes I Wish We Were An Eagle (Drag City - 2009)

Les chagrins d'amour ont parfois des vertus insoupçonnées. Amoureux, Bill Callahan se prenait les pieds dans le tapis du confort, accouchant d'un Woke On A Whaleheart inégal et kitsch. Coeur brisé, le même bonhomme se fend d'un album apaisé, constant et accueillant. Synthèse d'une carrière parmi les plus dignes et marginales des quinze dernières années, Sometimes I Wish We Were An Eagle pare les chansons de Callahan d'arrangements rustiques ou feutrés, à la manière d'un véritable successeur au superbe A River Ain't Too Much To Love de Smog (2005). Surtout, le songwriter américain parvient à intégrer ses marotte surannées à l'ensemble, sans forcer le trait, d'un synthé orientalisant (The Wind And The Dove) à un tango d'un autre temps (Eid Ma Clack Shaw). Au final, un bijou de folk enrichi et à fleur de peau.

27     Sufjan Stevens - Come On Feel The Illinoise (Asthmatic Kitty/Rough Trade - 2005)

C'est un défi un peu fou, sans doute irraisonné. Composer un disque par état américain. Sans nouvelles du projet depuis cet Illinois - second chapitre - on s'en contentera bien. Orfèvre pop atypique, Sufjan Stevens livre une oeuvre gargantuesque, indigeste si elle n'était traversée par un humour mélodique, comme lorsqu'on se prend à fredonner Cure en plein milieu d'une pièce épique (Come On! feel The Illinoise!). Surtout, l'Américain séduit par sa capacité à tutoyer des sommets pop rétro et inventifs à la fois (Chicago; The Man Of Metropolis Steals Our Hearts) - ceux-là même qu'atteignait Neil Hannon dans une autre vie - comme à offrir des ballades à l'écriture pure et puissantee (John Wayne Gacy Jr., Casimir Pulaski Day).

26     Shearwater - Rook (Matador - 2008)

Sur la pochette, une silhouette couverte d'oiseaux. Un clin d'oeil d'un chanteur ornithologue - les deux professions de Jonathan Meiburg - à l'arbre à oiseaux du Laughing Stock de Talk Talk. L'épure précieuse du groupe anglais plane sur Rook, dès l'introductif On The Death Of The Water, avant qu'un fracas électrique n'emmène le folk de Shearwater vers de nouveaux rivages, aux effluves progressives et psychédéliques. Rock cadencé (Rooks), folk suranné (Leviathan Bound) ou songwriting pluvieux (Home Life) se délitent avec naturel, forts d'une écriture maîtrisée et d'un univers abouti. Et lorsque résonnent les premières notes de The Snow Leopard - lointain écho au Pyramid Song de Radiohead - on se dit que Shearwater emmène le folk aussi loin que le groupe d'Oxford a un jour mené le rock.

30     The Avalanches - Since I Left You (XL - 2000)

Bien avant Birdy Nam Nam et autres 2 Many DJ's, ce collectif australien élevait la discipline du turntablism au rang d'art à part entière. Malin et marrant, référentiel et dansant, catchy et barré, Since I Left You est la toile impressionniste d'une dizaine de DJ aux doigts d'or. Et à l'oreille fine. Les samples se suivent par centaines et façonne des mélodies tordues et limpides à la fois. Plus bel exemple, Frontier Psychiatrist est un OVNI aux cuivres tyroliens et aux cris animaux. Quant au morceau titre, il s'est payé le luxe de battre les champions du R'n'B sur leur propre terrain de jeu, MTV. Jusqu'à ouvrir la voix aux ritournelles plus osées (produites par Neptunes ou Timbaland) qui suivront durant la décennie? Peut-être bien.

29     Noir Désir - Des visages des figures (Barclay - 2001)

Etoffant et épurant son écriture à la fois, le groupe bordelais se libère des limites d'un rock dont il avait fait le tour avec Tostaky. Si quelques traces tranchantes subsistent (Le grand incendie, Son style 1 et Lost qui cite L'homme pressé dans sa partie médiane), Noir Désir préfère jouer d'un songwriting aéré (Le vent nous portera, L'enfant roi), lancinant (Des visages des figures, Bouquet de nerfs) ou triturré (L'appartement, Son style 2). La voix de Cantat s'essaie à de nouvelles gammes entre spoken-words et chant apaisé, tandis que ses complices, Teyssot-Gay en tête, désapprennent leurs anciens réflexes. Jusqu'é prendre le relais d'un Ferré sur L'Europe et, surtout, Des armes, sommets qui laissaient augurer de beaux lendemains.

28     Bill Callahan - Sometimes I Wish We Were An Eagle (Drag City - 2009)

Les chagrins d'amour ont parfois des vertus insoupçonnées. Amoureux, Bill Callahan se prenait les pieds dans le tapis du confort, accouchant d'un Woke On A Whaleheart inégal et kitsch. Coeur brisé, le même bonhomme se fend d'un album apaisé, constant et accueillant. Synthèse d'une carrière parmi les plus dignes et marginales des quinze dernières années, Sometimes I Wish We Were An Eagle pare les chansons de Callahan d'arrangements rustiques ou feutrés, à la manière d'un véritable successeur au superbe A River Ain't Too Much To Love de Smog (2005). Surtout, le songwriter américain parvient à intégrer ses marotte surannées à l'ensemble, sans forcer le trait, d'un synthé orientalisant (The Wind And The Dove) à un tango d'un autre temps (Eid Ma Clack Shaw). Au final, un bijou de folk enrichi et à fleur de peau.

27     Sufjan Stevens - Come On Feel The Illinoise (Asthmatic Kitty/Rough Trade - 2005)

C'est un défi un peu fou, sans doute irraisonné. Composer un disque par état américain. Sans nouvelles du projet depuis cet Illinois - second chapitre - on s'en contentera bien. Orfèvre pop atypique, Sufjan Stevens livre une oeuvre gargantuesque, indigeste si elle n'était traversée par un humour mélodique, comme lorsqu'on se prend à fredonner Cure en plein milieu d'une pièce épique (Come On! feel The Illinoise!). Surtout, l'Américain séduit par sa capacité à tutoyer des sommets pop rétro et inventifs à la fois (Chicago; The Man Of Metropolis Steals Our Hearts) - ceux-là même qu'atteignait Neil Hannon dans une autre vie - comme à offrir des ballades à l'écriture pure et puissantee (John Wayne Gacy Jr., Casimir Pulaski Day).

26     Shearwater - Rook (Matador - 2008)

Sur la pochette, une silhouette couverte d'oiseaux. Un clin d'oeil d'un chanteur ornithologue - les deux professions de Jonathan Meiburg - à l'arbre à oiseaux du Laughing Stock de Talk Talk. L'épure précieuse du groupe anglais plane sur Rook, dès l'introductif On The Death Of The Water, avant qu'un fracas électrique n'emmène le folk de Shearwater vers de nouveaux rivages, aux effluves progressives et psychédéliques. Rock cadencé (Rooks), folk suranné (Leviathan Bound) ou songwriting pluvieux (Home Life) se délitent avec naturel, forts d'une écriture maîtrisée et d'un univers abouti. Et lorsque résonnent les premières notes de The Snow Leopard - lointain écho au Pyramid Song de Radiohead - on se dit que Shearwater emmène le folk aussi loin que le groupe d'Oxford a un jour mené le rock.