Bon pour les oreilles

3 x In The Aeroplane Over The Sea

Il n'est jamais trop tard pour refaire son retard. Voilà donc un disque dont j'ai souvent vu la pochette sur le net, mais que je n'avais pas écouté pour autant. Jusqu'au jour où la livre sterling s'est cassée la gueule et où j'ai passé une grosse commande chez Domino Records. J'en ai profité pour le commander, ce In The Aeroplane Over The Sea de Neutral Milk Hotel. Et je n'ai pas été déçu.

Surtout, j'ai rapidement compris que ce qu'on disait était vrai. Le groupe de Jeff Mangun a influencé de manière indéniable la scène rock indé de la dernières décennie. Si Arcade Fire et Franz Ferdinand, entre autres, paient leur dû au groupe en signant quelques notes sur la quatrième de couverture de cette réédition - em attendant départ de Two Headed Boy on pense un brin au départ de Take Me Out - on songe également au petit Beirut, qui a sans doute trouvé chez Neutral Milk Hotel la formule pour marier songwriting et pop balkanique.

Ceci dit, moins qu'y chercher des références, c'est son intérêt qui me titillait avant d'écouter In The Aeroplane Over The Sea. Très rapidement, cependant, la question ne s'est plus posée. Dans sa construction fermée comme dans le lyrisme qu'il dégage, l'album agrippe plus qu'il ne fascine, réconciliant une écriture directe et lo-fi avec des fioritures dignes des meilleurs songwriters, entre scie, cuivres et rythmiques diverses.

In the Aeroplane over the Sea

3 x Touch and Go

The End of a Label Il y a deux semaines, Touch'n'Go annonçait son hibernation à venir. Hommage.

Encore une fois, j'écris peu ces derniers temps. Un peu plus d'explications demain. Reste que cette baisse d'activité m'a fait manquer une information aussi brutale que capitale: le label Touch and Go a annoncé il y a une quinzaine de jours la fin (provisoire?) de ses activités. En gros, exit le secteur distribution, finies les nouvelles signatures.

Déjà que les rock stars mythiques cassent leurs pipes, mais si les labels du même calibre s'y mettent, où va-t-on donc!? Plus de nouvelles signatures, ça veut dire moins de chance de découvrir des groupes comme Calexico, TV on the Radio ou encore Dirty Three, tous apparus à leurs débuts sur Touch and Go. Quant à la disparition de la distribution, elle laisse dans l'expectative des labels aussi variés et captivants que Drag City, Merge ou encore Kill Rock Star.

Mais plutôt que de théoriser sur ce qui va manquer, sur le marché du disque et sa lente agonie ou encore sur l'avenir de tout ça, laissons traîner l'oreille sur ce qui restera. Du séminal Spiderland de Slint au prophétique The End Of The Radio de Shellac, rock sans concession et groupes au même tarif auront marqué l'histoire de Touch and Go. Et pour ceux qui ne le connaissent pas encore, profitez-en pour découvrir l'époustoufflant I Remember A Time When Once You Used To Love Me de Dirty Three.

TOUCH N GO

3 x Dark Was The Night

La nuit noire Pour la bonne cause et avec plein d'artistes qu'on aime. Que demander de plus?

Je sais pas pour vous, mais moi j'ai des souvenirs assez miteux des CD Red Hot Organisation sorties dans les années 90. Des compilations au profit de la lutte contre le SIDA sur lesquelles on retrouvait pas mal de "stars" vieillissantes (Sinead O'Connor, David Bowie), des groupes trendy aujourd'hui oubliés (Soul Asylum, MC Solaar, Morcheeba) et parfois pire encore. Seule me reste l'image d'un compilation dite indie, regroupant certains des artistes "cultes" de l'époque (Gastr del Sol, Built To Spill, Lisa Germano). So nineties tout ça.

Contre toute attente, voilà que cette bonne vieille Red Hot Organisation réapparaît aujourd'hui. Et a le bon goût de se coordonner avec 4AD pour un double CD plein à craquer d'inédits, au casting "grande classe". Nouvelles attendues (The National, Arcade Fire), nouvelles bienvenues (Bon Iver, Iron & Wine) et duos surprenants (Feist & Grizzly Bear, Blonde Redhead & The Devastations). Le résultat est plus que plaisant et donne envie de faire une bonne action, puisqu'elle profite à nos oreilles (amis Français, vous me comprenenez, vous qui avez les "Restos du coeur").

Ceci dit, on peut aussi voir dans cette compilation une confirmation de la bonne santé actuelle de la scène indé. PitchforkMedia donnait récemment les chiffres du Billboard où l'on pouvait découvrir Andrew Bird, Animal Collective et Bon Iver dans le top 20 des ventes, pour des totaux de 23'000 à 25'000 exemplaires écoulés en une semaine sur le territoire américain. Cela peut paraître peu, mais compte tenu de la santé fléchissante du marché du disque, c'est déjà pas mal. Durera, durera pas? Finalement ça n'est pas si important, tant que la musique est bonne (bonne (bonne (bonne))).

3 x Plants and Animals

Des animaux dans les plantes Le Canada a le chic pour les grandes familles, baroques et bancales à la fois, reines de la post-modernité pop.

Nul n'est parfait, moi non plus. Ainsi, j'ai manqué un concert de Plants and Animals à deux minutes à pied de chez moi. C'était en juin dernier au Romandie à Lausanne et je suis forcé d'avouer que je ne connaissais pas le groupe et qu'une (étrange) réputation d'Animal Collective alike n'a pas suffi à me convaincre d'y pointer mes oreilles.

Grosse erreur! C'est avec six mois de retard que je découvre le premier album du groupe canadien, pas distribué en Suisse et acheté au hasard dans les bacs du Rough Trade Shop à Londres la semaine dernière. Loin de la cohorte d'ersatz suivant Animal Collective, Plants and Animals évoque plutôt la scène canadienne actuelle, bancale, baroque et inventive à souhaits. Signé sur même label que son compatriote Patrick Watson (Secret City Records), le groupe rappelle ainsi parfois les passages les plus débridés et ciselés de Close To Paradise. Par son côté "tribu", Plants and Animals renvoie également aux plus belles heures de Broken Social Scene, un canevas folk remplaçant toutefois l'orientation sonique. Enfin, on ne peut s'empêcher de songer à Woodpigeon sur les ballades les plus apaisées et oniriques de l'album.

A sa façon, Plants and Animals s'intègre dans le formidable chaudron post-moderne qui semble présider aux ténors de la scène canadienne. Mieux que de slalomer entre les genres d'un titre à l'autre, on préfère faire le yo-yo constamment. Sur Parc Avenue on oscille ainsi dans une même chanson entre pastorale folk et refrain rugueux (Sea Shanti), coups de sang rock et pop gentiment psychédélique (Keep It Real, qui s'offre même le luxe de finir sur un air de jazz). Ou encore, à l'image de l'excellent Mercy, une promenade de l'afro-beat à une suspension électrique évoquant Sonic Youth, le tout en passant par la case chorus poppy. Sûr que le Canada n'a pas encore fini de nous surprendre!

3 x Tamla Motown

Money, Sex & Power Les fondamentaux d'un empire qui mit de la pop dans la soul

Lundi, c'était le cinquantième anniversaire de Tamla Records, label rapidement devenu Tamla Motown, aux côtés de près de quarante autres noms pour autant de sous-labels. Ou plutôt le cinquantième anniversaire de sa naissance, tant l'historique maison de disques subsitent plus aujourd'hui pour sa légende que pour son actualité.

Reste un catalogue et des années de gloire marquants, qui ont contribué à faire tomber les clivages entre "musique black" et "musique blanche", mais aussi à façonner les contours de la pop moderne (les incessants aller-retours entre Motown et Beatles sont là pour en témoigner). Le tout en y ajoutant une bonne dose d'argent, de sexe et de pouvoir, dans la plus pure tradition des grands empires portés par l'American Dream.

"Keep it simple, stupid", disait le slogan inventé par l'entrepreneur en chef Berry Gordy (le KISS principle). Parfois, ça fait du bien, un peu de simplicité et de stupidité.

3 x The Stone Roses

Pop & Dance Quelques rondelles de citrons posées sur une fresque façon Pollock: Manchester est le toit du monde à la fin des eighties.

"This is simply the best debut LP I've heard in my record buying lifetime. Forget everyone else. Forget work tomorrow." Elogieux à l'extrême, ces quelques lignes de Bob Stanley taillent un costard peut-être exagéré au premier album des Stone Roses. Ou pas tant que ça. Seul hic, l'article ne date pas du 13 mars 1989 - jour de la sortie dudit album - mais du 29 avril 2007. En 1989, le NME s'était contenté d'un modeste 7 sur 10 pour accueillir ce premier essai du groupe de Manchester.

Si l'on est habitué à entendre le NME crier au génie au moindre riffs poppy d'Albion, on l'est moins à le voir jouer les modérés, voire les timorés. Mais peut-être n'était-ce là qu'une réaction à l'incroyable campagne annonçant l'arrivée de ce premier Stone Roses, intronisé dernier espoir et Messie rock d'une décennie foulée au pied par le hard-rock FM, la new-wave pour salons de coiffures, l'euro-dance naissante ou encore les premiers boys-bands.

Vingt ans plus tard, force est de reconnaître que la puissance du buzz est proportionnelle à la survivance de cet album. A-t-on jamais fait mieux depuis en Angleterre? La question mérite d'être posée. Plutôt que de braquer les Beatles, les Jam ou The Coral, les Stone Roses sont parvenus à organiser un festin plus original, variée et relevé à la fois, célébrant les noces inattendues de la pop et du groove. Et puis, un album qui commence par I Wanna Be Adored et se termine sur I Am The Resurrection, tout en taquinant la vieille reine au milieu, ça ne peut être qu'un grand album.

3 x Phil Spector

Mr. Perruque D'une époque à l'autre, la folie a transparu dans les coiffures extravagantes de Phil Spector. Une folie maladive, artistique et peut-être meurtrière.

Etrangement, le second procès de Phil Spector fait moins de vague. Sans doute trop pris par les aventures de Pete Doherty (j'ai un nouveau copain de biture, il s'appelle Graham Coxon) et le retour de Noir Désir (mais vous, qu'en pensez-vous?), la presse quotidienne rechigne à reprendre des dépèches tirées du procès de l'inventeur du Wall Of Sound. C'est un peu dommage. Par exemple, on est privé de l'ajournement lié à la mauvaise chute d'un juré. Ou encore de la découverte des nouvelles perruques de l'ami Phil.

Ceci dit, ce bon vieux Spector n'est pas qu'un héros de fait divers (et non ce blog ne va pas se transformer en Rock & Blood Blog). C'est aussi un producteur dont le nom est resté célèbre (et célébré) sans qu'on sache forcément ce qu'il a produit. Moi-même j'avoue avoir eu quelques surprises en rédigeant ce petit article (saviez-vous par exemple qu'il travaillait encore ces dernières années, produisant notamment les affreux Starsailor? un argument pour les partisans d'un abaissement de l'âge de la retraite).

Ainsi, j'ai retrouvé un souvenir d'adolescence, découvrant sur une K7 trouvée chez un ami une version d'Across The Universe différente de celle que je connaissais jusque là (avec des oiseaux gazouillant au début). Une chanson aux versions finalement nombreuses, dont celle gravée sur sillons par Phil Spector, sur Let It Be. Une drôle d'histoire que ce disque, peut-être symbole de la rupture entre le producteur et l'avancée du rock (McCartney ne digérant pas le travail de Spector, il est allé jusqu'à sortir un Let It Be Naked il y a quelques années). Tout ceci s'ajoute au mythe. Mais les mythes, c'est bon pour les livres. Restent également de très bonnes chansons produites par l'homme aux perruques. En voici trois.

1. The Ronettes - Be My Baby
2. The Righteous Brothers - Unchained Melody
3. The Beatles - Across The Universe

3 x Talk Talk & Mark Hollis

L'habit ne fait pas le moine Malgré ses airs de "garçons coiffeurs", Talk Talk (qui sera rapidement réduit à l'état de trio plus un producteur de l'ombre) vaut bien mieux que ça.

Il y a une dizaine de jours, je parlais ici de ce mal étrange qui dévore les rédactions culturelles du monde entier: l'anniversairite. Une déviance démente, lointaine voisine de celle qui ronge le chapelier fou dans Alice au pays des merveilles. A savoir un besoin de fêter tout et n'importe quoi, de la mort de machin au centenaire de truc, en passant par l'anniversaire du disque de l'autre.

Dans cette course folle au happybirthdaytoyou, il n'y en a cependant eu ni pour Talk Talk, ni pour son chanteur Mark Hollis. Pourtant, cette année, on aurait pu fêter les vingt ans de Spirit Of Eden et les dix ans de Mark Hollis (et, tant qu'on y est, les dix-sept ans de Laughing Stock). Seuls Shearwater et le Montreux Jazz Festival semblent avoir pensé un peu au groupe anglais ces derniers mois. Les premiers en reprenant I Believe In You The Rainbow en face B du 7" Rooks et les seconds en publiant en DVD l'enregistrement du concert donné par Talk Talk sur la scène du Casino en 1986. Une jolie reprise et un concert - fatalement - daté, ça fait peu quand même.

Car Talk Talk, pour ceux qui l'ignoreraient encore, ce n'est pas que Such A Shame et It's My Life (qui en passant ne sont de loin pas les tubes les plus honteux des années 80). Dès son troisième album, le groupe se met en quête d'autre chose. Et concrétise cette recherche en 1988 avec Spirit Of Eden, disque aux arrangements délicats et aux structures étirées. Un travail mal compris à l'époque, surtout par les cols blancs d'EMI qui mettent le groupe à la porte. Heureusement, Verve l'accueille et lui permet de poursuivre sur sa lancée et de publier en 1991 un Laughing Stock plus abouti encore, dépouillant l'armature tout en conservant cette attirance pour les grands espaces.

Talk Talk disparaît après ça.

Beaucoup leur offriront par la suite la parenté de la scène post-rock. Je ne pense pas qu'Hollis et ses acolytes en aient vraiment besoin et resterai donc pour ma part au plus près de l'histoire, me contentant de citer le superbe album éponyme de Mark Hollis paru en 1998, qui ne ressemble à rien d'ouï, à la manière d'un Scott Walker ou d'un Robert Wyatt. Ou encore de louer les talents de producteur de Paul Webb, plus connu sous le nom de Rustin' Man, aux côtés de Beth Gibbons ou de James Yorkston (The Year Of The Leopard). Et vous laisse avec trois titres tirés des trois albums cités au début de ce texte...

1. Talk Talk - Eden (extrait de Spirit Of Eden)
2. Talk Talk - Ascension Day (extrait de Laughin Stock)
3. Mark Hollis - A Life (1895-1915) (extrait de Mark Hollis)

3 x Temptation

Miam miam La tentation c'est bien. Mais y céder c'est parfois dangereux. Tentons le diable quand même...

Quant j'étais enfant, je n'arrivais pas imaginer que deux chansons puissent porter le même nom. Pire, la réutilisation dans les titres d'un seul mot - même entouré d'autres ou décliné au pluriel - me laissait persuadé que j'allais retrouvé une chanson connue, un brin transformée peut-être. Par exemple, le jour où j'ai acheté Very des Pet Shop Boys (que celui qui n'a jamais péché me jette la première pierre), j'étais persuadé que le morceau intitulé Yesterday, When I Was Mad serait une sorte de reprise un peu déjantée du Yesterday des Beatles. Autant dire que j'ai vite déchanté.

Aujourd'hui encore, je ne m'explique pas cette touchante naïveté. Surtout face au rock, étrange machine au vocabulaire sérieusement limité. Je ne suis pas statisticien, mais j'imagine aisément le botin nécessaire pour répertorier toutes les chansons dont le titre mentionne le mot "love". Ou le mot "death". Ou le mot "rock'n'roll" (couplez le tout et envoyez le titre obtenu à AC/DC en vue du tracklisting de leur prochain album). Si je me souviens bien, c'est un peu pour ça que j'ai créé cette section au début de l'année. Même si je n'ai pas beaucoup exploré ce champ depuis. Je me rattrape un coup ce matin avec trois chansons intitulées Temptation, jouant chacune à leur manière la mélancolie de la tentation - assouvie ou non - ici aérienne, là éraillée, là-bas dansante.

1. James Yorkston - Temptation (extrait de When The Haar Rolls In)
2. Tom Waits - Temptation (extrait de Frank's Wild Years)
3. New Order - Temptation (extrait de Substance)

3 x Matt Elliott

Un homme et une guitare Songwriter atypique, l'ex-Third Eye Foundation navigue entre tradition et modernité folk

La première fois que j'ai écouté la musique de Matt Elliott, je débutais dans l'art de la chronique. Le résultat est encore visible sur la toile, un brin académique dans sa forme. Plus que cet essai bavard, c'est une petite phrase à l'intérieur de Drinking Songs que je retiens. Une adresse e-mail en forme d'invitation: si vous avez aimé ce disque, n'hésitez pas à me le dire. Ce que je fis. Une brève correspondance s'amorça entre un Matt Elliott exilé en France et l'apprenti critique que j'étais.

Un peu plus tard, nous nous sommes rencontrés "en vrai", à l'occasion d'un concert lausannois suivant la sortie de Failing Songs. Face à ce grand gaillard sec et ténébreux, aussi entier dans ses coups de gueule que dans son silence, je n'avais finalement pas grand-chose à dire. Nous nous sommes donc contentés de partager un joint en coulisses (une herbe forte, trouvée dans le backstage un peu par hasard). Le concert qui suivit me laissa fascné. Matt Elliott seule sur scène, sa guitare et quelques pédales d'effets, réinventant ses chansons dans une sorte de folk hypnotique entre accents traditionnels et dérives plus composites. Et pour bien faire, le bonhomme ressuscita un coup son Third Eye Foundation en seconde partie de soirée, pour un set au labtop du plus bel effet.

Troisième chapitre cet automne avec Howling Songs, qui clôt cette collection de "Songs", partageant un même univers musical et graphique (les illustrations à l'horreur sépia d'Uncle Vania). A l'image de cette double cohérence, c'est sans réelle surprise qu'on traverse ce nouvel album. Tout juste y découvre-t-on une écriture qui s'est encore raffinée, conviant les fantômes des plaines de l'Est dans des ballets murmurés rêvant de flamenco comme d'élégie. Les choeurs spectraux répondent aux nappes des guitares acoustiques, se taisent parfois le temps de quelques éclaircies où la mélancolie est moins crasse (tel le délicat instrumental Song for a Failed Relationship, peut-être dédié à la France Sarkozy que Matt Elliott a quitté pour l'Espagne). Matt Elliott poursuit son travail d'orfèvre, inventant un folklore sans âge où se mèlent tristesse et rage contenue.

1. The Guilty Song (extrait de Drinking Songs)
2. The Failing Song (extrait de Failing Songs)
3. Song For A Failed Relationship (extrait de Howling Songs)