Bon pour les oreilles

Leonard & Daniel - Icônes rares et précieuses

Cohen & Johnston Le vieux sage et le vieux fou se sont succédé sur les scènes genevoises.

Le retour du premier a fait coulé beaucoup d'encre. Celui du second fut plus discret. De Leonard, on a dit qu'il était ruiné, sous-entendant que sa tournée était vénal. De Daniel, on l'a dit perdu entre Lennon et le diable, on l'oubliait presque. Cette semaine, tous deux ont foulé les scènes genevoises. Le vieux sage trottinait comme un enfant au moment d'entrer et de sortir de scène. Le vieux fou souriait comme un enfant en reprenant Help des Beatles. Retour sur deux concerts intenses qui en rendent bien d'autres insipides.

Un lundi soir à l'Arena

Dans l'écrin ferrailleux de l'Arena, Leonard Cohen a offert un concert riche et généreux. Rôdé, millimétré, le show n'en oublie jamais l'émotion. Grâce à des chansons atemporelles, aux airs presque naturels de classiques. Neuf musiciens entourent le crooner canadien. Et tous semblent partager le même bonheur d'être là, d'une cabriole mutine d'une choriste sur The Future à la maladresse feinte du batteur sur I Tried To Leave You. 

Quant au maître, il est paisible, sourit comme un enfant, remercie comme un saltimbanque. Il déroule son répertoire avec une facilité déconcertante, mélangeant les genres comme les périodes. Bird On A Wire trace la voie pour Everybody Knows. Un Suzanne aérien succède à un minimaliste Tower Of Song. So Long Marianne fait taper des mains pour accueillir First We Take Manhattan. Et même si quelques titres restent dispensables (Boogie Street, If It Be Your Will, In My Secret Life), ils sont contre-balancés par de nombreux instants de grâce, tel un Partisan d'anthologie.

Cerise toute personnelle, ce second concert romand de Cohen cette année m'a permis d'entendre - enfin - Famous Blue Raincoat. Sobre, habitée, comme en suspension, la ballade épistolaire a enfin droit au chapitre cet automne, après vingt ans de purgatoire. Même le saxophone, discret, ne parvient pas à dénaturer ce bijou de mélancolie apaisée. Merci, merci, Monsieur Leonard.

Un mardi soir à l'Usine

Ici, vous auriez dû lire une interview de Daniel Johnston. Mais les mystères de la mécanique en ont décidé autrement. Coincé sur un morceau d'autoroute près de Lyon, le fou chantant américain n'est arrivé qu'à 23h30 à Genève. Et pour peu, il aurait démarré son concert au saut du van. Un passage en coulisses et quinze minutes plus tard, le voici sur scène, seul, armé d'un étrange ukulélé.

Regard enfoncé, effacé. Visage fermé, sourire malsain. Pull informe, taché. Il mange ses mots en chantant, enfant maladroit traversé de traits de génie. Trois chansons plus tard, son groupe le rejoint. Les trois Hollandais de John Dear Mowing Club l'entourent et lancent un Rock This Town bancal à souhaits. Suit un florilège des marottes Johnstoniennes, d'un Casper désaxé à un Help touchant de naïveté. Dans son monde, plus autiste que maniaco-dépressif, Daniel Johnston n'a pas l'air de réaliser la foule à ses pieds. Ils sont 500 peut-être. Et certains donnent l'air d'être venus voir le monstre. Il faut en avoir du cynisme pour y passer sa soirée, le trouver chou, rire gaiement sans entendre le mal et le génie qui s'y terre.

Johnston parle, plus sérieux que jamais, raconte un rêve effrayant (un suicidé qui s'est raté, condamné à mort), entonne un ultime True Love Will Find You puis s'en va, embarquant ses classeurs de chansons sous le bras. La foule le réclame. Il revient un instant, a capella, Devil Town et 500 paires de mains qui clapent la mesure. Quatre couplets plus tard un simple bye-bye dit la fin. Il s'en va, ne reviendra plus. Il a joué moins d'une heure et je ne lui en veux pas. Est-ce que moi aussi je vois le monstre avant le musicien? Je n'en sais trop rien en vrai. Peut-être suis-je aussi bête que d'autres.

Ce que je sais, c'est qu'entre le divin et le diabolique, une même spiritualité hantée habite Cohen et Johnston. Deux enfants au fond, chez eux sur scène. Le premier a l'air apaisé. Heureux. Et c'est tout ce que j'espère pour le second.

3 x Matt Elliott

Un homme et une guitare Songwriter atypique, l'ex-Third Eye Foundation navigue entre tradition et modernité folk

La première fois que j'ai écouté la musique de Matt Elliott, je débutais dans l'art de la chronique. Le résultat est encore visible sur la toile, un brin académique dans sa forme. Plus que cet essai bavard, c'est une petite phrase à l'intérieur de Drinking Songs que je retiens. Une adresse e-mail en forme d'invitation: si vous avez aimé ce disque, n'hésitez pas à me le dire. Ce que je fis. Une brève correspondance s'amorça entre un Matt Elliott exilé en France et l'apprenti critique que j'étais.

Un peu plus tard, nous nous sommes rencontrés "en vrai", à l'occasion d'un concert lausannois suivant la sortie de Failing Songs. Face à ce grand gaillard sec et ténébreux, aussi entier dans ses coups de gueule que dans son silence, je n'avais finalement pas grand-chose à dire. Nous nous sommes donc contentés de partager un joint en coulisses (une herbe forte, trouvée dans le backstage un peu par hasard). Le concert qui suivit me laissa fascné. Matt Elliott seule sur scène, sa guitare et quelques pédales d'effets, réinventant ses chansons dans une sorte de folk hypnotique entre accents traditionnels et dérives plus composites. Et pour bien faire, le bonhomme ressuscita un coup son Third Eye Foundation en seconde partie de soirée, pour un set au labtop du plus bel effet.

Troisième chapitre cet automne avec Howling Songs, qui clôt cette collection de "Songs", partageant un même univers musical et graphique (les illustrations à l'horreur sépia d'Uncle Vania). A l'image de cette double cohérence, c'est sans réelle surprise qu'on traverse ce nouvel album. Tout juste y découvre-t-on une écriture qui s'est encore raffinée, conviant les fantômes des plaines de l'Est dans des ballets murmurés rêvant de flamenco comme d'élégie. Les choeurs spectraux répondent aux nappes des guitares acoustiques, se taisent parfois le temps de quelques éclaircies où la mélancolie est moins crasse (tel le délicat instrumental Song for a Failed Relationship, peut-être dédié à la France Sarkozy que Matt Elliott a quitté pour l'Espagne). Matt Elliott poursuit son travail d'orfèvre, inventant un folklore sans âge où se mèlent tristesse et rage contenue.

1. The Guilty Song (extrait de Drinking Songs)
2. The Failing Song (extrait de Failing Songs)
3. Song For A Failed Relationship (extrait de Howling Songs)

L'icône rock de demain sera geek, pour le meilleur ou le pire.

Bradley Bradford Cox Bonnet péruvien, magazine féminin et T-Shirt sans manche: le leader de Deerhunter incarne la rock star 2.0.

La semaine dernière, j'ai eu un joli coup de chance. Je surfais au hasard sur le web, entre pages MySpace et conneries YouTube, lorsque j'ai eu l'idée de relancer une vieille recherche. Je tape donc un titre de disque dans Google et voilà que le second lien me renvoie à un site de vente en ligne où se trouve le fameux objet. Pour 7,50 euros je me suis donc payé Dream Of A Drunk Black Southern Eagle de Bonnie 'Prince' Billy, sampler de cinq titres offert en 1999 aux abonnés de Libération. Et une quête de deux ans a soudain pris fin.

Mon bonheur fétichiste n'a cependant pas duré. L'assouvissement d'un désir collectible m'a renvoyé à une discussion récente. Un ami me parlait de la disparition du disque rare à l'ère du web. De cette faculté de toujours pouvoir mettre la main sur ce que l'on cherche, d'un revendeur japonais à un disquaire vidant ses stocks pour cause de retraite au fin fond du Kazakhstan. Comme dans une partie de poker, j'avais dégainé ce Bonnie 'Prince' Billy introuvable en joker, preuve que non, tout n'était pas résolu. Et voici que maintenant un exemplaire de ce CD trône tranquillement dans ma discothèque^, aux côtés d'une quarantaine d'autres disques de l'ami Vieux jambon.

N'y aurait-il pas quelque nostalgie sépia dans ce fétichisme pour rondelles? En quelques clics aujourd'hui, on rapatrie tout sur son disque dur, de collectors en denrées plus accessibles. A quoi bon dès lors s'attacher à l'objet, surtout à une époque où les beaux disques sont de plus en plus rares? Un autre ami, plus âgé, me dit souvent que je suis rattaché au passé. Qu'une génération nous sépare, mais que nous sommes pareils au fond, à nous raccrocher à un objet qui n'a plus de sens. Et dont on annonce la mort prochaine chaque année depuis presque dix ans.

Plus qu'une nostalgie, c'est peut-être une envie de corriger le tir qui m'habite. Comme lorsque j'avais 16 ans et que je découvrais Tindersticks. Dans le magasin, il y avait plusieurs disques du groupe. Mais je ne pouvais en acheter qu'un, vu mon budget. J'avais donc choisi le deuxième album studio, plutôt que le live au Bloomsbury Theater. Grave erreur. Le premier resterait toujours disponibles, jusqu'à même être réédité, tandis que le second allait disparaître. Et il me faudrait plusieurs années pour en trouver une version à bon prix sur le net, remplaçant le CD-r que m'avait envoyé un fan du groupe un peu plus tôt.

Si je me rappelle bien, j'avais lu un article sur Tindersticks, avant de découvrir le groupe sur scène. Après ce concert marquant, je l'avais relu. On y trouvait plein d'autres noms: Nick Cave, Joy Division, Lee Hazlewood, Otis Redding. En extrapolant, j'imagine que si j'étais adolescent aujourd'hui et que je découvrais cet article, je pourrais rentrer tous ces noms dans Google et télécharger une kyrielle d'albums ou de chansons dans l'heure qui suit. Alors qu'il m'a fallu des mois pour entendre tous ces noms en vrais. Et des années pour en faire le tour.

Faut-il pour autant louer cette accessibilité nouvelle? Peut-être que non. Quel avenir nous dessine-t-elle? La mort de l'album, remplacé par des chansons épars, des playlists sélectives. La fin de l'oeuvre, inutile, puisqu'un disque n'a plus la même espérance de vie, concurrencé dès l'heure suivante par un autre, voire des autres déjà. Et pourquoi pas la mort de la chanson, finalement. Le gimmick suffira bien à fabriquer des sonneries de téléphones, des habillages publicitaires et autres produits dérivés. Certains prophètes des nouvelles technologies - les mêmes qui annoncent la mort du disque depuis dix ans - entrevoient déjà le contrat pour une chanson, une chanson seulement. Et si le refrain remplaçait la chanson? Si l'on ne conservait finalement que l'essentiel pour s'extraire de l'offre démentielle.

Le tableau est un peu noir, non? Un peu facile aussi. Car si les modes de distribution, de partage et d'accessibilié ont changé, les auditeurs à l'autre bout ne sont pas forcément si différents d'avant. Ils ingurgitent plus, mais digèrent plus vite également. A la manière de Bradley Bradford Cox, chanteur de Deerhunter et bidouilleur sous le nom d'Atlas Sound, qui qualifie sa musique d'ambient-punk. Le rejeton de Brian Eno et de Sonic Youth, d'une certaine manière, lui-même partagé entre attachement à l'objet et dématérialisation de rigueur, balançant des octets et des octets de 7" virtuels sur son blog, tout en rappelant qu'il doit son existence musicale à ses labels Kranky et 4AD. Geek, oui, mais geek créatif, perpétuant une certaine idée de la musique. Voilà de quoi me rassurer. Comme de savoir qu'il me manque encore L'attirance de Dominque A et Either She Or Me de Bonnie 'Prince' Billy. Et qu'aucun site ne me permet de les acheter pour le moment.

Lou Reed - Caroline Says Pt.2 (live)

Berlin live Trente-cinq ans après la sortie de l'album studio, Lou Reed termine sa réhabilitation et lui offre un épiloque scénique en sons et en images.

Est-il utile de revenir ici sur l'aventure"maudite" de Berlin? A force, l'histoire est devenue une légende que les rockers édentés aiment à raconter au coin du feu aux nouvelles générations. Essayons donc de faire bref. En 1973, Lou Reed s'enferme en studio avec le producteur Bob Ezrin et, sans doute, pas mal de drogues. Comme son précédent album Transformer c'est plutôt bien vendu - merci Walk On The Wild Side - RCA lui fout une paix royale. Résultat, l'ex-Velvet Underground pond un opéra rock contant l'histoire d'un couple de junkies, à grands renforts de piano de cabaret, de cordes orchestrales, de cuivres et de guitares, le tout rehaussés de pleurs d'enfants arrachés à leur mère (à la fin de Kids). La critique étrille l'album. Le public le boude. Et Lou Reed lui-même s'en détourne un temps.

Trente ans plus tard, le temps a fait son oeuvre. Finalement, tout le monde s'accord à dire que Berlin est un chef-d'oeuvre, peut-être même le meilleur album de Lou Reed. L'heure de la revanche à sonner. Il va pouvoir réaliser son rêve et adapter Berlin à la scène (un projet déjà présent en 1973). Et si la vengeance est un plat qui se mange froid, elle se savoure également longtemps. Après sa création à New York en décembre 2006, Lou Reed va passer 2 ans à tourner son Berlin sur les scènes mondiales, entouré notamment par Antony Hegarty et Steve Hunter.

Coda de cette aventure, un CD et un DVD paraissent aujourd'hui, témoignage des première représentations de décembre 2006. Berlin s'y délite dans sa forme originelle, agrémenté d'une courte intro et de quelques tubes maisons en rappel (Candy Says, Sweet Jane, Rock Minuet). Et le résultat est à la hauteur de l'album original. Certains passages ont beau être ampoulés (les soli lourdingues d'Hunter, quelques excès de grandiloquence), l'ensemble dégage une force rare, empreinte d'originalité, d'émotion et de tension. Surtout, l'alternance entre ballades et titres plus massifs et étendus fonctionnent à la perfection, dégageant des respirations inattendues et bienvenues. 

Quant à la chanson du jour, il s'agit bien sûr d'une relecture d'un vieux titre du Velvet Underground (ce qui fut souvent le cas au début de la carrière de Lou Reed et passa plutôt inaperçu puisque l'époque n'avait pas encore connu la parution de V.U.). Stephanie Says devient ainsi Caroline Says Pt.2, gagnant en dépouillement ce qu'elle perd en intensité pop. Magnifique de retenue, cette version voit Antony Hegarty faire barrir sa soul unique dans un final lyrique mais sans excès. A l'image de ce Berlin live qui offre une très belle relecture d'un chapitre mythique de l'histoire du rock.

Lou Reed
Berlin: Live At St. Ann's Warehouse
Matador/Musikvertrieb

www.loureed.com
www.myspace.com/officialloureed

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De Joy Division à New Order

Ceremony 1981 Danse macabre d'un groupe en deuil, cette chanson inaugure une nouvelle ère, pour ne pas dire un nouvel ordre.

Ils sont trois garçons, l'air maladroit sous les spotlights d'un plateau de télévision. Ils portent le deuil sur leurs épaules. Mais ils ont encore des gueules de jeunets. "Here are the young men, a weight on the soulder". C'est comme si Ian Curtis avait écrit pour eux les paroles de Decades. A défaut de décennies, c'en est une, une seule, qu'ils traverseront, changeant la face de la pop sans forcément s'en rendre compte. Comme Joy Division avait changé celle du rock.

Un critique dont le nom m'échappe a écrit un jour qu'avec le 7" Ceremony, New Order signait la meilleure première chanson de l'histoire du rock. Je pourrais bien chercher des exemples pour lui donner tort, j'aime finalement bien cette sentence. Un morceau qui symbolise un début et une fin à la fois. Hérité de Joy Division, Ceremony annonce quelque chose d'autre, conservant la martialité dansante d'une musique, mais la libérant de la profondeur froide d'une voix. Sur cette vidéo d'un premier passage télé, Bernard Sumner semble encore ne pas être sûr. Ne pas savoir quand démarrer, ni comment poser son chant.

La suite de l'histoire tient en un autre 7", une autre chanson. New Order est en studio à Londres, travaille sur son second album, suite à un Movement hanté encore par l'ombre de Joy Division. Entre deux prises, le groupe s'amuse à créer un instrumental qui lui servirait de morceau de rappel, remplaçant leur retour sur scène. La boîte à rythme donne la cadence, mais le synthé de Gillian Gilbert manque son entrée. La compagne du batteur Stephen Morris a rejoint le groupe avec son changement de nom et une simple erreur chamboule tout. Séduit par le décalage entendu, ses comparses construisent une chanson autour du squelette. Le résultat s'intitule Blue Monday et propulse la musique électronique dans un nouvel âge, New Order dans son propre univers. D'un corps amputé, les survivants de Joy Division deviennent une entité à part entière.

Suivra une décennie marquée par des albums et des 7" incontournables. De Power, Lies & Corruption à  Technique,Temptation à True Faith, New Order impose un style que d'autres embrasseront à leur suite (The Cure, notamment). Surtout, jamais la mélancolie n'aura été aussi dansante. Les brasiers electro à venir en naîtront, de Happy Mondays biberonnés à l'Haçienda à des Chemical Brothers invitant Sumner a chanté chez eux, d'affreux Killers chippant leur nom au hasard d'un clip (Crystal) à des Hot Chip se demandant constamment comment New Order interpréterait leurs chansons.

Aujourd'hui, le groupe mancunien n'est plus qu'un fantôme, dévoré par des luttes intestines, aux dernières chansons indignes de sa jeunesse. Mais heureusement d'autres ont repris le flambeau. Et pour se remémorer cette décennie glorieuse, on en boudera pas son plaisir en découvrant les cinq superbes rééditions qui font suite à celles de Joy Division l'année dernière, aussi cohérentes dans leur contenu que dans leur habillement, designé une fois encore par Peter Saville.

3 x Les innocents

Des innocents aux mains pleines Coupables d'avoir su réconcilier variété fréquentable et esprit plus aventureux.

Cela pourrait faire un bonne blague: comment reconnaît-on un bon groupe français de la fin du XXème siècle? Le batteur a un look de vieux. La preuve par Noir Désir (Denis Barthe) et par Les innocents (l'Anglais Michael Rushton).

Cet instant Carambar passé, laissons le rock et parlons de pop. Et ceci même si Les innocents furent punk à leurs débuts, emmenés par le seul JP Nataf. Ambassadeurs d'une variété eighties fréquentable durant sa première décennie d'existence (couronnée par le multi-platiné Fous à lier, second album porté par l'inévitable L'autre Finistère), le groupe lillois (des Ch'tis, donc) a ensuite laissé voir ses affinités pop, tendance britannique, Beatles pour être plus précis. Un horizon qui se ressent aussi bien dans la teinte des mélodies que dans le soin porté aux arrangements ou encore dans les textes, privilégiant musicalité et jeux de mots automatiques en lieu et place des habituelles p(r)oses poétiques. Jusqu'à dévoiler une schizophrénie de plumes, entre JP Nataf et Jean-Christophe Urbain. Un John et un Macca se partageant les succès, entre préciosité inventive et limpidité mélodique (à l'un Un monde parfait, à l'autre Colore, sur Post-partum), avant le divorce successif à un mésestimé ultime chapitre éponyme et quelques divergences au moment de regarder l'avenir.

Aujourd'hui encore, la pop française - ou en français - a rarement fait mieux que Les innocents. Bien sûr, on pourra citer certains disparus glorieux des prémisses de la nouvelle scène (Superflu, Jérôme Minière), des forts en caractère capable de manier la pop à leur façon (sixties chez le Murat de Bird On A Poire, électronique chez le Katerine de Robot après tout) ou encore quelques grands ignorés de notre temps (Arman Méliès ou Barbara Carlotti, tous deux vantés ici il y a peu). Mais aucun n'aura sur à ce point marier pop et variété, jusqu'à faire oublier le douloureux poids du second. Nul n'aura su avancer pareillement, passant d'un bijou de chanson populaire (L'autre Finistère) à un modèle de pop-rock à la française (Un monde parfait) puis au labyrinthe des productions, frôlant le perfectionnisme de ses héros (Une vie moins ordinaire). Retour à l'envers sur ce tiercé gagnant.

1. Une vie moins ordinaire (extrait de Les innocents)
2. Un monde parfait (extrait de Post-partum)
3. L'autre Finistère (extrait de Fous à lier)

Assez de complaisance! Assez de nostalgie! ACDC!

Attention, électricité Gare aux tympans, au sens critique et à la commune mesure!

Si comme moi vous lisez encore la presse - celle imprimée sur du papier - vous n'avez pas pu échapper au retour d'AC/DC (pardonnez-moi, ni mon clavier, ni ma table des caractères ne savent faire l'éclair; on se contentera donc d'un slash (et même s'il s'agit de hard-rock, je ne parle pas ici du chevelu à haut-de-forme qui officiait dans Guns n' Roses)). C'est leur premier disque depuis huit ans et même si le combo australien ne vous a pas manqué, impossible d'y échapper donc. L'album s'appelle Black Ice. Et il porte plutôt bien son nom: la pochette est noire et le contenu sent le congélateur.

Mais bon, c'est ça qui est bon chez AC☼DC (un soleil, c'est mieux qu'un éclair, non?), à en croire mes confrères romands. "Les fondamentaux sont solides", se réjouit 24 Heures, entre crise du disque et crise financière. Un groupe "conservateur et puriste", selon Le Temps, qui "séduit néanmoins les nouvelles générations". Normal quand on n'a "pas d'autre objectif que de "descendre" des bières en rigolant et de jouer très fort un blues-rock éléphantesque", comme le note Le Matin. C'est sans doute pour cela qu'il faudra attendre d'être complètement saoul pour crier au génie, comme le suggère La Tribune de Genève, Tandis que Le Matin Bleu pousse un ouf de soulagement, content de constater qu'AC♪DC reste AC♪DC (une petite note pour rappeler qu'on parle ici de musique).

Cependant, malgré ce concert apparent de louanges, mes confrères ne sont pas dupes. Black Ice sent un peu la formule. Mais encore une fois, c'est tellement bon. De quoi oublier la propension du groupe au bégaiement, jusque dans ses titres de chansons (Rock'n'roll Train, She Likes Rock'n'roll, Rock'n'roll Dream, Rockin' All The Way). Car de toute manière, comme l'explique Le Matin Dimanche, chaque album du groupe australien "est une façon de réaffirmer leur domination sur cette planète" - promis, la prochaine fois je voterai Obama - "une piqûre de rappel à l'intention de ceux qui auraient osé contester leur règne" (et comme en huit ans pas mal de choses se sont passées, The Strokes, Arcade Fire, Editors et même Queens Of The Stone Age tremblent, sûrs de prendre une bonne correction).

Mais bon. Je rigole, je rigole, reste qu'AC۩DC (je ne sais pas ce que c'est, mais c'est marrant) est un groupe gigantesque, second meilleur vendeur de tous les temps avec Back In Black (42 millions d'exemplaires écoulés quand même, quelque part entre Thriller et, sans doute, The Dark Side Of The Moon). Ce mythique album du deuil qui vit le groupe devenu orphelin de son chanteur refuser la remise en question ou la mutation (à la manière, par exemple, du Joy Division se transformant en New Order) et engager un chanteur de karaoké à trois poumons, histoire de continuer sur son autoroute hard-rock (la fameuse autoroute vers le fric et le succès, à ne pas confondre avec la Highway To Hell). Chapeau bas.

Un groupe tellement gigantesque donc, qu'il peut se targuer, comme le rappelle Le Temps, de ne jamais avoir publié de best of, de n'octroyer aucun droit sur ses morceaux à d'autres groupes et de ne pas apparaître sur iTunes et autres magasins de téléchargement en ligne. La raison? Protéger le format album bien sûr! Formidable, non? Reste que si tout le monde s'accorde à relever la droiture quasi-incorruptible des papys du hard-rock, tout le monde oublie étrangement la récente annonce d'un Rock Band dédié au groupe (l'un de ces jeux vidéos où l'on peut rejouer sur une guitare en plastique les meilleurs morceaux du Rock'n'Roll of Fame).

Plutôt que les tympans, AC$DC (no comment) abîmerait-il la mémoire et la commune mesure? Possible. Car en deux jours à peine, la presse romande (amis Français ne riez pas trop vite, Philippe Manoeuvre a sûrement une surprise pour vous) a publié pas moins de six articles - et le plus souvent des pleines pages, s'il vous plaît - sur un groupe qui n'en demandait pas tant, tant il semble promis à la première place du hit-parade et tant il a facilement écoulé les 11'000 places disponibles pour son prochain concert suisse. Un groupe, surtout, dont le nouvel album n'a d'intérêt que par l'immobilisme qu'il présente - qu'on le critique ou qu'on le vante - prompt à combler les afficionados et à laisser les autres indifférents. Pas de quoi s'électrifier, ni justifier un choix aussi unilatéral au moment de mettre en avant son disque de la semaine.

Anni Rossi - Wheelpusher

Une femme et un violon (alto) Des miniatures pop baroques et lo-fi à la fois pour une musicienne à suivre de près.

Petit retour en arrière: juin 2006, Kilbi Festival, Düdingen. Carla Bozulich présente son premier album sorti sur Constellation Records, dans une soirée qui accueille également Herman Düne, No-Neck Blues Band, Final Fantasy ou encore Animal Collective. Le concert est décevant (contrairement à celui qu'elle donnera en 2008 dans le même cadre). Mais une brève apparition sauve la prestation. Sans annonce ni avertissement, une petite violoniste ouvre les feux, alignant quelques miniatures sur lesquelles elle chante. Parmi celles-ci, une reprise de Creep de Radiohead fait mouche. Elle rejoint ensuite le groupe pour le concert de Bozulich, rentre dans le rang.

Deux ans et demi plus tard, voici Afton, son premier album. Ou EP, plutôt, publié chez 4AD. Elle s'appelle Anni Rossi, vient du Minesota et a enregistré sous la houlette de l'incontournable Steve Albini. Elle ne joue pas du violon, mais du violon alto, comme elle le précise sur sa page MySpace. Les six titres composant Afton ont été mis en boîte en octobre 2006. Celui que je vous propose aujourd'hui, Wheelpusher, était déjà présent sur un 7" sorti chez Too Pure en janvier de cette année. D'autres titres ont également pu être entendus sur le site d'Anni Rossi ces derniers mois. Et un album, un vrai, devrait suivre début 2009, toujours via 4AD et Steve Albini.

Malgré le duo violon (alto)/voix, on est loin de l'univers léché et arrangé de Final Fantasy. Plus brutes et dépouillées, les chansons d'Anni Rossi sautent du coq à l'âne d'une mesure à l'autre, évoquant une kyrielle de femmes chantantes (Björk, Shannon Wright, Cat Power) et une longue liste de violons rugueux (Hangedup, Dirty Three, Esmerine), sans jamais imiter vraiment l'une ou l'autre de ces références. Baroque et lo-fi à la fois, l'univers d'Anni Rossi conserve l'amour du format miniature entrevu sur scène, tout en osant la batterie, la basse et une clarinette de passage comme accompagnements. Petite fille miaulante, l'Américaine mélange nappes cordées et pizzicati, réussissant un premier effort prometteur et grimaçant, dont les poses mutines n'agacent jamais grâce à la souplesse des instrumentations.

Anni Rossi
Afton
4AD/Musikvertrieb

www.myspace.com/annirossi

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Brian Eno invente l'ambient pour tous

Bloom L'ambient pour les nuls, par Brian Eno. Ou comment transformer un téléphone en synthétiseur futuriste.

A quel point Brian Eno s'est-il ennuyé en studio avec Coldplay? Au point d'inventer un programme capable de le remplacer. Oui, j'exagère. Mais je ne peux m'empêcher de lier Viva la vida et Bloom, programme récemment apparu sur iPhone, né du travail du producteur anglais, père de l'ambient, épaulé par le musicien Peter Chilvers.

Qu'est-ce que Bloom, me direz-vous? Une sorte d'ambient pour les nuls. Ou encore un instrument de musique pour les pauvres (enfin, les pauvres qui possèdent un iPhone). Vendu un peu moins de 5 francs, l'application propose de façonner ses propres nappes musicales, par la simple pression de ses doigts sur l'écran de son téléphone. Des bulles de couleurs apparaissent à chaque impact tactile, puis reviennent à cadence régulière, épousant un doux decrescendo selon le mode choisi. Intuitif et aléatoire - une fonction permet en effet de laisser les boucles créées se regénérer selon un mode shuffle - le programme (l'instrument?) permet à tout un chacun de créer ses musiques pour aéroport (ou pour bureau, salon, chambre à coucher, toilettes, selon l'endroit où vous vous ennuyez et cherchez à tuer le temps).

Lointain cousin du Tenori-On, Bloom reste trop proche des sonorités new-age pour totalement convaincre. Mais peut-être est-ce dû à mon statut de débutant dans le genre ambient. Néanmoins, il démontre la capacité de Brian Eno d'être en phase avec son époque. Car plus qu'une adaptation mercantile à un marché en pleine expansion (celui des applications pour iPhone), Bloom participe d'un mouvement qui devrait croître avec le temps: le détournement des objets de loisirs. Comme The Notwist qui bidouille des manettes de Wii sur scène, Eno transforme un téléphone bourré de gadgets en instrument de musique, préfigurant le sort que les mômes d'aujourd'hui réservent à leurs jouets pour demain. A l'heure des Rock Band et autre Guitar Hero, je ne serai pas étonné que le futur des musiques électroniques passe par des guitares en plastique.

3 x Hemlock Smith & Les Poissons Autistes

Deux poissons et un Smith Des cadavres exquis aux relents cinématographiques.

Je parlais hier des blogs. Avec en filigranne cette bonne vieille question: à quoi bon? Attention, pas de ton déprimé ou de fatigue automnale ici. Tout juste vaut-il parfois la peine de s'arrêter et de s'interroger. Histoire de savoir où l'on va.

Cette philosophie de comptoir passée, voici une réponse concrète qui prend la forme d'un nouveau groupe. Ou une association plutôt. Hemlock Smith & Les Poissons Autistes, trois musiciens lausannois qui sortent cet automne un album composé à six mains, Three Times Dead (Everest Records). Et croyez-le ou non, ces trois-là se sont rencontrés ici même, il y a un peu plus d'une année, à l'occasion du second volet de la compilation Bon pour les oreilles.

Annoncé pour le 15 novembre, Three Times Dead ressemble un peu à ses géniteurs. Mais pas vraiment aux Poissons Autistes. Ni à Hemlock Smith. Ce beau bébé évoque plutôt les passions musicales des trois musiciens, mais aussi littéraires ou cinématographiques. Slalomant avec grâce entre ballades nues au piano et champs plus ambient, ce premier essai impressionne, fascine, séduit. J'en parlerai plus en novembre. Mais en attendant, voici les trois titres d'ouverture.