Bon pour les oreilles

La télévision n'aime pas la musique

Jem et les hologrammes Adapté au format télévisé, le rock n'est plus que folklore et paillettes d'un autre temps.

C'était l'événement musical de la rentrée. Un messie attendu depuis le milieu des années 90 au moins et appelé à sauver la face de la scène d'ici, attirant sur elle la chaleur des projecteurs. Une confirmation de "l'engouement que suscite aujourd'hui la musique suisse, dont la qualité est reconnue à l'intérieur comme à l'extérieur de nos frontières", pour reprendre la formule du site Action Swiss Music.

Oui, oui, je sais ce que vous pensez. Voilà qu'il nous bassine encore avec sa Sophie Hunger, promise à une carrière jamais vue depuis Stephan Eicher ou The Young Gods. Mais vous avez tout faux. Foin d'incarnation divine ici, c'est de culte qu'il s'agit. Une messe cathodique, pour être précis. Une semaine tout juste après le grand raout Label Suisse, la télévision emboîtait le pas à la radio pour célébrer la musique suisse. L'office est hebdomadaire, s'appelle Musicomax et s'est choisi le MAD comme église. Un nom un brin ridicule - mais guère pire qu'une future émission culturelle intitulée Tard pour bar - pour un écrin aux paillettes délavées, temple nocturne des années house.

Lecteurs d'ici, vous me direz sans doute que j'exagère l'intérêt de la chose. Lecteurs d'ailleurs, vous me direz que mon événement n'est qu'un détail pour vous. Mais pour moi, cela veut dire beaucoup (et pour vous aussi, vues vos émissions musicales sur petit écran). Le retour de la musique à la télévision, ça se fête. Reste à voir comment. Après visionnage du premier numéro de Musicomax, j'opterai pour la gueule de bois. Mais sans l'ivresse de la veille. Toujours pas remise des affres de l'inquisition, la musique format télévisuel reste engluée dans une malédiction crasse, balafrée des stigmates de ses propres décibels. Mais préférons d'abord la froide analyse aux formules crypto-cyniques.

Dans un décor nu, deux présentateurs s'escriment avec un amateurisme-pour-faire-cool, sous une caméra aux mouvements saccadés-pour-faire-arty-mais-qui-agacent. Lever de rideau. People politique, Valérie Garbani débarque à moto dans le studio, peinant à feindre l'échappée pétaradante, Born to be Wild. On papote puis l'on s'offre un live d'un ersatz neuchâtelois de Bad Religion et Pennywise. On papote à nouveau, Mme Garbani critique, déstabilise les gentils animateurs, puis rebelote, punk-rock forever. On se promène ensuite dans un bar obscur dont le patron rêve de Pink Floyd ou de Led Zeppelin sur sa scène. On copie-colle enfin l'agenda radiophonique des concerts du soir, d'un tribute à AC/DC à un Queen ressuscité. Face à cette impression d'être en 88 plutôt qu'en 08, je craque et zappe. Dont act. (Si vous ne me croyez pas, jetez-y un oeil par vous-même).

L'événement a fait flop et ce n'est pas faute d'y avoir cru, d'avoir essayé, troquant l'impossible foi contre une mauvaise foi nécessaire. Mais la musique sur la télé d'ici n'a pas changé. Pour preuve, son butin amassé durant les festivals de l'été passé: une interview de The Charlatans, un extrait de concert de The Verve. Nineties quand vous nous tenez... Téléspectateur occasionnel, je brocarderais volontiers le producteur inamovible de ces spectacles successifs, Patrick Allenbach, défenseur du Lemmy et de la permanente, intrigué par My Chemical Romance plutôt que par les Dodos. Avec lui aux commandes, les émissions musicales de la TSR ressemblent depuis deux décennies à des ersatz de Wayne's World, garages peuplés de gentils chevelus inféodés au culte hard-rock (remarquez, l'ancêtre le plus récent de Musicomax s'appelait Garage). Ou encore à Jem et les hologrammes, manga eighies rose bonbon et cheveux longs, sorte d'aieul de Tokio Hotel au féminin. A la grande époque de Guns N' Rose, l'orientation faisait illusion. Quinze ans et autant de "révolutions" plus tard - grunge, trip-hop, post-rock, IDM, brit-pop et j'en passe - le tableau fait musée paléontologique (où les mammouths font bouger leur frange au son des riffs).

Malgré tout, on a l'impression désagréable de tirer sur une ambulance en critiquant de la sorte. Un comble quand on aime le rock - terme générique ici - et qu'on regrette fréquemment son absence des grilles télévisuelles. Le problème réside peut-être dans ce paradoxe: ces émissions musicales ne s'adressent pas à ceux qui aiment la musique. Elles cherchent plutôt à convaincre ceux qui s'en fichent, ceux qui ne s'y intéressent pas, ceux qui n'en connaissent rien encore. A contenter un peu tout le monde, plutôt que beaucoup un public. Une hypothétique audience de 7 à 77 ans, comme pour rester en phase avec un média public condamné à faire son Tintin. Mais comme disait l'autre, qui fait l'ange fait la bête, Milou ici, pour un exercice cabotin bien loin de servir la musique.

Avec Musicomax comme avec tant d'autres tentatives télévisuelles de parler de musique, on plonge dans la visite guidée pour touristes en goguette. Le rock est toujours cet autre monde peuplé de gentils marginaux - jeunes ou éternels adolescents de préférence - figé dans une image d'Epinal dont plus personne ne sait bien l'origine (le punk fut-il un mouvement musical ou est-ce une marque de fringues?). Surtout, seul un obscur agenda dicte le menu, entre promotion et asile pour hardeux sans abri. La sélection ne connaît pas de critères musicaux. Et sa vitrine préfère privilégier la performance au discours, l'interview dans le sens du poil à la critique. Quand littérature, cinéma ou art contemporain ont encore droit au débat critique cathodique, la musique s'en tient aux faits, sans avis préalable ou post-partum. A défaut de spécialistes, on choisit des animateurs pour jouer au Monsieur Loyal et seul l'invité ose le commentaire (Valérie Garbani citée plus haut ou encore un musicien analysant la scène suisse où l'on ne vit pas de sa musique, sauf "concessions" (oublier Bad Religion et tenter la musique actuelle?), "chance" (Loto? Euromillion?) ou "talent" (no comment)).

La critique musicale - érudite, passionnée, drôle, cinglante, truculente ou que sais-je encore, pas de corporatisme ici - reste à la porte des studios de télévision. Et c'est dommage puisqu'elle seule pourrait peut-être légitimer ce genre d'émission, lui donner l'air d'autre chose que d'une enfilade de showcases et de pseudo-conférences, tout juste dignes d'un café de supermarché culturel. Sans point de vue ou ligne rédactionnel, l'exercice reste au mieux une manière de vivre (enfin) avec son temps, au pire un déballage alibi pour justifier son rôle. A cette absence d'audace ou d'ambition, on comprendra ceux qui lui préféreront des télé-crochets à grosses ficelles ou des chaînes musicales au débit de robinetterie. Quant aux autres, reste l'écrit, étrangement plus propice à parler d'un art avant tout sonore. Mais tout change si vite. On n'a rarement autant parler de musique qu'aujourd'hui, mais on n'a jamais aussi peu parler de la musique qu'aujourd'hui.

Lambchop - Slipped Dissolved And Loosed

Un état proche de l'Ohio Mais Kurt Wagner et sa troupe n'ont pas le moral à zéro pour autant, préférant les vertus d'une mélancolie douce.

Rien ne ressemble plus à un album de Lambchop qu'un autre album de Lambchop. Le groupe de Nashville a su creuser son sillon. L'erreur serait pourtant de dire que rien ne change. Même si c'est cette impression qui se dégage aux premières écoutes d'OH (ohio). Du velours, tout simplement, déroulé pour la voix inimitable de Kurt Wagner. Deux ans après le très beau Damaged, le collectif de Nashville poursuit dans sa veine propre, country sobre, soluble dans des réminiscences jazz, blues et rock.

Un regard aux crédits de la pochette offre cependant une piste pour appréhender ce Lambchop cuvée 2008. Deux producteurs épaulent le groupe sur OH (ohio), se partageant l'habillage sonore des chansons de Wagner. Mark Nevers, le plus connu, a déjà travaillé avec Lambchop, mais également aux côtés de Calexico ou Bonnie 'Prince' Billy, notamment sur le récent Lie Down In The Light. Moins connu, Roger Moutenot a lui produit les derniers albums de Yo La Tengo, avant de migrer à Nashville. A Nevers les titres les plus aériens, aux arrangements les plus limpides (Ohio, Of Raymond ou encore ce superbe Slipped Dissolved And Loosed), à Moutenot les chansons plus enlevées (National Talk Like Pirate Day) ou orchestrées (Sharing A Gibson With Martin Luther King Jr.). A Nevers un son countrysant (Close Up), à Moutenot les effluves soul (A Hold Of You).

Malgré ce partage, OH (ohio) apparaît constamment porté par une réelle cohérence, comme si la musique de Lambchop imposait ses inflexions propres à l'ensemble. Tournant le dos aux arrangements à l'économie complexe de Damaged, la troupe de Kurt Wagner renoue avec une mélancolie douce, accueillante, confortable. Là est le changement, sans renier l'excellence. On surprend même quelques tempi grisants (on ne dira pas joyeux tout de même), réjouissants. Sans en avoir l'air, Lambchop offre l'un des grands disques de l'automne, de ceux qui s'apprécient différemment à chaque écoute, à mesure qu'on en saisit les contours secrets, les aspérités discrètes.

Et pour bien faire, ruez-vous sur la version limitée que propose City Slang, offrant sur un second CD la fameuse reprise du Chelsea Hotel #2 de Leonard Cohen - entendue live au Montreux Jazz Festival en 2007, notamment - et quatre titres d'OH (ohio), aux producteurs inversés. Où Roger Moutenot joue l'épure teintée de soul ou de jazz (sa version de Slipped Dissolved And Loosed, notamment). Où Mark Nevers tente la country réarrangée (son clair Please Rise). Le tout s'intégrant idéalement au mix original. Comme pour justifier un peu plus encore cette cohérence que crée la musique de Kurt Wagner. (NB: Cette édition limitée présente une coquille dans sa tracklist imprimée sur le back: le deuxième titre est en réalité Slipped Dissolved And Lossed), la suite est ensuite exacte).

Lambchop
OH (ohio)
City Slang/TBA

www.lambchop.net
www.myspace.com/lambchopisaband

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Sophie Hunger: chapitre deux

Touched by the hand of God Le fabuleux destin de Sophie Hunger continue avec Monday's Ghost, second album en forme de confirmation.

Je ne reviendrai pas ici sur l'histoire qui lie ce blog à la chanteuse zurichoise Sophie Hunger. Je vous laisse cliquer si vous voulez tirer le fil: clic, clic, clic, clic... De débuts secrets en concerts révélations, la musicienne âgée aujourd'hui de 25 ans s'est fait un nom et une réputation sur scène comme sur grand écran, séduisant un public de plus en plus large.

Sophie Hunger est donc attendue au tournant pour son second album, deux ans après un Sketches On Sea enregistré "at home" sur un mode "lo-fi". Epaulée par le producteur lausannois Marcello Giuliani, elle passe avec brio l'épreuve grâce à Monday's Ghost, disque équilibré entre ballades intimes et titres plus étoffés. Servie par des arrangements aboutis, un son de velours et une écriture délicate, Sophie Hunger s'impose un peu plus encore et livre un disque parmi les plus ambitieux parus en Suisse ces dernières années. Interview:

Comment résumerais-tu les deux années passées depuis la sortie de Sketches On Sea?

Je ne résume pas, c’est tout simplement le temps qui est passé. Bien sûr, je pourrais dire que tout a changé. Mais je peux aussi bien dire que rien n'a changé. Parfois, je tombe sur des choses que j’ai faites il y a deux ans et ça me surprend. Je vois une personne que je ne connais pas. C'est un peu bizarre, mais en même temps ça me donne la possibilité étrange de me percevoir un peu, après coup.

Quel est ton plus beau souvenir de cette période?

La visage de Christan Prader quand on chante Spiegelbild ensemble. Ou le solo de Michael Flury sur Marketplace chaque fois qu’on le joue.

Et le pire?

Le temps avant les concerts, pendant les concerts et en regardant mon agenda de concerts pour cette année. Je me dis: "Je vais devoir faire tout ça!"

Au moment d'entrer en studio, quels étaient tes objectifs pour cet album par rapport à Sketches On Sea?

Tout simplement d'enregistrer les morceaux de la meilleur manière possible.

Et comment as-tu travaillé pour y arriver?

En fait, la plus grande part était déjà faite en janvier, au moment où nous avons commencé les sessions d'enregistrement à Bruxelles. Plusieurs morceaux avaient été fréquemment joués en concerts, avec Michael Flury et Chritian Prader. Il ne restait plus qu'à comprendre comment nous allions les réaliser, quelle guitare utiliser, quel son de la batterie, etc. C’est là que Marcello Guliani, qui produit le disque, fut très important. Ensuite, au printemps, nous nous sommes attaqués à la production des nouveaux morceaux et alors j'ai "travaillé". Durant cette même période, j'ai encore écrit et enregistré quatre chansons que l'on retrouve sur l'album: Walzer für Niemand, Protest Song, Round and Round et House Of Gods.

Parfois, je tombe sur des choses que j'ai faites il y a deux ans et ça me surprend. Je vois une personne que je ne connais pas. Comme la possibilité étrange de me percevoir après coup.

Parmi les chansons jouées sur scène avant la parution de Monday's Ghost, certaines sont très proches sur le disque, tandis que d'autres présentent des variations, comme les arrangements de Drainpipes ou le piano plus grave au milieu de Rise And Fall. Qu'est-ce qui a motivé ces choix?

Enregistrer et jouer sont deux choses complètement différentes. Il y a des trucs qui ne fonctionnent pas en enregistrant. Il faut alors trouver une autre manière de jouer. Avec Rise And Fall, par exemple, je fais toujours une improvisation pendant les concerts à ce moment-là. Mais sur l’enregistrement j’ai voulu que cela soit quelque chose de concret. J’ai donc choisi de jouer "en time" et j’ai trouvé un arrangement.

Sur Sophie Hunger Blues, tu as par contre laissé quelques petites hésitations, optant pour une prise brute, plus proche des versions concerts. Pourquoi?

Parce que c’était comme ca, que je ne peux pas tout controler. C'est une version enregistrée à Romainmôtier, lors d'une résidence en juillet 2007. Pour moi c’était une bonne prise, je ne voyais de raison de la refaire. Et puis je déteste les enregistrements. Je n'aime ni enregistrer, ni réécouter ce qui a été fait. J'essaie donc généralement de retenir la première prise qui n'est pas totalement mauvaise pour sortir de cette horrible situation. C'est puéril et stupide, je sais...

Tu parlais de Spielgebild avant. Sur Monday's Ghost tu interprètes cette chanson avec Stephan Eicher. Comment l'avez-vous choisie?

Tout simplement parce que c'était mon seul duo. Et qu'il était en suisse-allemand.

Cela représente quelque chose de spécial pour toi de chanter avec lui?

Cela représente juste chanter avec Stephan Eicher.

Monday's Ghost dévoile une facette plus rock de ton répertoire, notamment sur des titres comme The Boat Is Full ou Round And Round, portés par des guitares et marqués par l'introduction d'une batterie. Est-ce quelque chose que tu désirais explorer depuis longtemps?

Je crois plutôt que c'est lié à ma manière d'écrire et de composer. Jusqu'ici, mes chansons étaient solitaire, ne consistaient qu'en ma voix et un instrument. Dorénavant, je suis entourée d'un groupe et mes chansons se basent sur des rythmes. Et comme j'ai commencé à travailler ainsi durant l'enregistrement de Monday's Ghost, cela se ressent sur le disque. Car je ne pense pas que l'on puisse vouloir sonner ainsi. En tout cas pas de la même manière que l'on veut un chien, par exemple. Même si je me rappelle être sortie épuisée de mes concerts acoustiques. C'était dur pour les nerfs, ce silence complet, cette proximité avec le public et la pression d'être seule à porter les chansons. C'est plus simple aujourd'hui avec une batterie et une basse dans mon dos. Et cela me donne plus de plaisir également.

Je souhaite encore grandir avec mes musiciens Christian Prader et Michael Flury et aussi faire partie de leurs identités.

Parmi ces morceaux plus rock, The Tourist était déjà présent sur Sketches On Sea, dans une version brutalement coupée après 36 secondes. Qu'est-ce qui t'a donné envie de reprendre ce titre?

En fait, une version plus longue existait déjà à l'époque de Sketches On Sea. J'avais un refrain avec une ligne de violon et un peu de chant. D'ailleurs, les paroles étaient même en français. Et puis nous n'avons pas réussi à enregistrer correctement le violon chez moi. Le son était vraiment horrible. J'ai donc simplement décidé de couper le morceau juste avant le refrain. Après 36 secondes, voilà. Et en janvier, Marcello Giuliani m'a proposé de reprendre ce morceau. Je lui ai dit que s'il le désirait, on pouvait essayer. Mais je ne voulais plus travailler sur cette chanson.  Il s'est donc chargé des arrangements et le résultat m'a plu.

Sketches On Sea était un album solitaire, ouvert aux rencontres. Monday's Ghost est un album qui dévoile Sophie Hunger et son groupe. Quelle est ta relation avec tes musiciens? Te considères-tu comme une musicienne solo ou comme la leader d'un groupe?

Ni l’une ni l’autre. La réalité ne suit pas des catégories comme celles-ci. Cela depend du contexte. Michael Flury et Christian Prader sont même des personnalité très fortes, c’est pour ca qu’ils sont tellement bien. Notre relation se fonde sur quelque chose de très amical, mais la force des sentiments qui nous lient tient aussi au contexte. Le projet "Sophie Hunger" nous a sans doute plus apporté que le seul niveau personnel. Ensuite, on verra où cela nous mène, mais je souhaite encore grandir avec eux et aussi être une partie de leurs identités.

Pour terminer, après l'ascension de ces deux dernières années, que peut-on te souhaiter pour les mois qui viennent?

Que je trouve ce qui est venu en premier: l'oeuf ou la poule.

Sophie Hunger
Monday's Ghost
Two Gentlemen/Irascible

www.sophiehunger.ch

Sortie le 10 octobre

3 x TV on the Radio

La science du rock Ou la pop selon David Sitek: tendance intello plutôt que bricolo.

J'ai beau vivre avec mon temps, il y a des phénomènes qui me passent au-dessus de la tête. Et je ne parle pas ici de la Tecktonik (marque déposée) ou de Tokio Hotel (look déposé). Même dans les très fréquentables salons de l'indie rock, je dois parfois baisser les yeux quand sortent certains noms. Parmi ceux-ci, TV on the Radio est celui qui me partage le plus. Oui, c'est intéressant. Non, je ne crierai pas au génie.

Telle une valeur refuge, la famille TV on the Radio récolte ses lauriers à cadence régulière grâce à son cerveau déclaré, David Sitek. Qu'il transforme la radio en télévision ou Scarlett Johansson en Sinéad O'Connor, les bons points tombent dans sa poche. Quant à moi, je n'y vois qu'un savoir-faire de producteur - certes impressionnant - un "Dear Science" peut-être, comme le clame le titre de son nouveau LP, mais une science froide à mes oreilles, limite chirurgicale.

La faute en incombe à un déficit mélodique que ne parvient pas tout à fait à masquer la dextérité productrice. Quelques exceptions bien sûr, tel le frais Ambulance des débuts, mais au final une pop à l'image de Sitek, geek binoclard au disque dur bien fourni. Pour peu, j'oserai une comparaison avec l'oublié Butch Vig, devenu référence après Nevermind et parti former Garbage, groupe en kit qui une fois remonté rêvait d'un mur du son façon Phil Spector, mis au service de vieilles scies FM. Alors oui, TV on the Radio n'en est pas encore là. Sa science est impressionnante plutôt qu'indigeste, mais pour l'émotion on repassera. Enfin, peut-être me convaincrez-vous du contraire.

1. Ambulance (extrait de Desperate Youth, Blood Thirsty Babe)
2. I Was A Lover (extrait de Return To Coockie Moutain)
3. Stork & Owl (extrait de Dear Science)

Quand l'industrie du disque lave plus blanc

Kool & The Blanc A défaut de laver ton âme, le disco lavera ton linge.

C'est presque devenu un marronnier pour journaliste musical: face à la crise, l'industrie du disque cherche de nouvelles solutions histoire de vendre à nouveau. La palette est large. On caresse par exemple internet dans le sens du poil après - ou pendant - l'avoir accusé du désastre: le nouveau R.E.M. s'écoute sur Facebook, le nouveau Portishead sur Last.fm, tandis que certains vont jusqu'à offrir un MP3 ou mieux, à l'image de Mercury Rev qui sort un album et en donne un autre en même temps.

L'initiative est ingénieuse - on ne dira pas bonne quand même - mais peut se révéler à double tranchant. Chaque citoyen du monde connecté s'est ainsi vu offrir deux heures d'écoute du dernier Carla Bruni. Un échantillon gratuit comme un produit d'appel, mais surtout de quoi se faire un avis. Résultat des courses, l'album se traîne au Top 50 et finira son sprint loin, bien loin des vainqueurs de l'année, comme si de rien n'était.

Dans un autre registre, certains poussent à l'extrême la dématérialisation de la musique, transformant l'industrie du disque en industrie du textile ou du badge. Ainsi, si vous connaissiez déjà les vinyls avec code de téléchargement intégré, préparez-vous à découvrir leurs homologues miniatures (les badges) ou carrés (les sacs). Comme chez Of Montreal qui décline son nouvel album en sept formats différents. Libre au fan de s'offrir le CD sans bonus, le vinyl et ses MP3 ou encore une collection de badges, un T-shirt ou même un lampion. Avec à chaque fois un précieux code pour télécharger Skeletal Lamping, si jamais on a encore envie d'écouter de la musique une fois sa cave éclairée (au lampion).

On rigole, on rigole, mais on ne fera pas un procès aux gentils Of Montreal, pénibles sur la longueur d'un disque mais foncièrement sympathiques au demeurant. On restera par contre plus circonspect face à l'annonce passée un brin inaperçue qu'a lâché Universal la semaine dernière. Fort de sa "volonté de développer la distribution de musique de manière originale et novatrice sur un marché qui ne demande qu'à être révolutionné", la multinationale du disque s'offre une union qui ferait pâlir d'envie les fraîchement divorcés Sony et BMG. Universal épouse Bonux, pour le meilleur et surtout le pire. Et le pauvre rejeton s'appelle Kool & The Gang. Traduisez: pour un grand paquet de lessive acheté, vous aurez droit à Still Kool, nouvel album des vétérans du disco. Trois tubes, une douzaine d'inédits pour une édition limitée estampillée "Bonux/Kool & The Gang, le duo qui innove" (remarquez comme le nom de l'artiste vient en second dans le couple).

Ceux qui ont un peu de mémoire se souviennent de la fin des années 80 et des compilations de tubes en mousse - je parle de musique ici et non de lessive - offert dans les supermarchés dès un certain montant d'achat. Foin d'innovation donc. Pourtant, même le manager du groupe y croit, scandant ce slogan à portée d'apophtègme: "Une légende vivante pour une marque légendaire". On a connu meilleur mythe. Mais le choix s'explique quelques lignes plus bas dans le communiqué, par la voix de Noémie Ganem, Chef de Groupes Lessives (je ne connais pas ce groupe notez, mais il a sans doute été découvert sur MySpace): "Un cadeau transgénérationnel et inédit, capable de satisfaire toute la famille. Le groupe Kool & The Gang a été une évidence. Toutes les générations aiment ce groupe." CQFD.

On en reste coi. Tout juste se réjouira-t-on que cette formidable innovation se conjugue sur le mode dé-cryogénisation. Nos groupes préférés - souvent encore valides - échappent à l'effet Bonux. Mais qui sait. Peut-être seront-ils happés par d'autres mariées. Imaginez seulement l'impact qu'auraient eu les petits Français Coming Soon si leur très joli premier album avait été distribué dans les grandes boîtes de Pampers. Avec un peu de chance la révolution folk aurait fait son chemin en France, transformant le pays de Michel Sardou en dernier bastion country d'ici 25 ans. On peut rêver. Et en attendant comprendre Sonic Youth, fuyant Universal au galop pour rejoindre Matador, six mois à peine après avoir casé une compilation entre la crème et le sucre dans les chaînes Starbucks américaines. Le café oui, la poudre blanche non. Le rock'n'roll n'est décidément plus ce qu'il était.

Grails - Reincarnation Blues

Des bêtes et des cordes Tableau idéal pour le rock bestial et psychédélique à la fois de Grails.

Méchamment progressif sur ses derniers essais, Grails perd un peu de poids sur son second album de l'année (le premier, Take Refuge In Clean Living, est sorti ce printemps sur Important Records), sans pour autant renier ses tendances psychédéliques.

Certes les faux "blues" de ce Doomsdayer's Holiday (Reincarnation Blues et Predestination Blues) lorgnent vers des sommets orientalisant, électriques et psychés. Mais le reste de l'album élargit le spectre du groupe, entre incises samplées et instrumentations mutantes. On y sent même poindre une mélancolie sépia, méditative et surannée (The Natural Man) ou encore un souffle jazz, l'atmosphère en suspension, basse et rythmiques hypnotiques (Immediate Mate). Jusqu'à l'envolée spatiale du final Acid Rain, ballade entre deux stratosphères.

L'ensemble ne manque ni de rage ni de profondeur. Ouvert aux variations mystiques, le rock de Grails se renouvelle sans changer trop violemment de cap. Fascinant, voyageur ou encore panoramique, Doomsdayer's Holiday propose un grand écart entre limbes psychédéliques et dérives atmosphériques, évitant l'excès de grandiloquence grâce à des changements de climats bien sentis.

Grails
Doomsdayer's Holiday
Temporary Residence/Irascible

www.grailsongs.com
www.myspace.com/grailsongs

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Pink Floyd - Paintbox

Pink Floyd 1967 Déjà psyché mais encore pop, le groupe de Cambridge vit du souffle de son leader Syd Barrett, mais également de ses autres membres comme Rick Wright.

La nouvelle est tombée en début de semaine: le Floyd originel ne se reformera jamais. Passé cette formulation tendancieuse, on versera plutôt une larme pour Rick Wright, clavier du groupe dinosaure trop souvent considéré comme la cinquième roue du char. On adule Barrett, on vénère Waters, on aime Gilmour et on oublie Mason et Wright. Ce dernier a même vu le dénit poussé à son paroxysme à la fin des années 70, quand le général Waters le déclassa pour en faire un simple musicien de studio, avant de lui montrer la porte.

L'exercice de réhabilitation s'impose au moment du deuil. Mais plutôt que de grandes théories, on préférera ici le constat musical. Wright restera crédité comme l'auteur de plusieurs titres issus des albums les plus marquants du groupe, tel The Great Gig In The Sky sur Dark Side Of The Moon. On lui laissera également une belle partie vocale sur Echos. Ou encore sa participation fidèle aux albums de Syd Barrett, leader en exil d'une dictature rock stupéfiante.

Mieux, l'hommage du piètre amateur de Pink Floyd que je suis se conjugue ici en une chanson, étrangement ma préférée du groupe. Une face B des débuts, sur Apples And Oranges, chantée et composée par Rick Wright. Paintbox, petite merveille de pop mélancolique et onirique à la fois, aux ambiances mouvantes grâce à son alliage de piano et de guitare acoustique pour la mélodie, aux futs tourbillonnants de Mason pour son rythme. Quant aux fans, les vrais, ils retiendront de cette ballade à la fausse douceur pop qu'elle fut la première chanson de Pink Floyd à jouer du mi mineur. Une tonalité qui devint par la suite la marque de fabrique d'un mythe expansif.

Calexico revient au bercail mais n'oublie pas ses souvenirs

Calexico pluri-directionnel Les regards et les yeux vont dans tous les sens, mais le groupe de Tucson trouve toujours sa cohérence.

Il y a deux ans, Calexico étonnait, déstabilisait même, avec un album plus produit, tournant le dos à la formule Tex-Mex pour explorer des stratosphères plus pop. Garden Ruins divisait, mais le groupe de Tucson prouvait dès la tournée qui suivait qu'il n'était pas prêt à renoncer au Far West.

Aujourd'hui, Carried To Dust offre un éclairage nouveau à ce détour. Revenu à ses premières amours, Calexico évite la redite tout en offrant un écrin sonore plus maîtrisé que jamais à sa musique. Voix, arrangements, rythmiques, tout est lumineux sur un album à la palette infinie, passant de perles tubesques à des marottes mélancoliques, de la sécheresse du désert à la chaleur de l'Amérique du Sud. Deux ans après John Convertino, c'est au tour de Joey Burns de nous ouvrir les portes de la maison Calexico:

Pourquoi  avoir choisi d’intitulé ce nouvel album Carried To Dust (littéralement "Porté vers la poussière")?

Principalement parce que c’est un titre ouvert, auquel on peut appliquer de nombreuses interprétations. C’est John Convertino qui l’a trouvé. C’est un grand fan de John Fante, donc ça doit être lié à Demande à la poussière. Lui saurait sans doute vous donner une explication plus poétique.

Sur ce nouvel album, votre voix est plus belle et maîtrisée que jamais. C’est quelque chose que vous avez travaillé ou bien est-ce venu naturellement avec le temps?

J’aimerais bien répondre que c’est à force de travail, mais je mentirais. Il y a bien sûr eu du travail, mais c’était nécessaire, presque essentiel. Et puis à force d’enchaîner les tournées ces dernières années, j’ai acquis de l’expérience et de la confiance. Ensuite, c’est très différent de chanter sur scène ou en studio. En concert, c’est une question de volume et d’énergie. La dynamique est différente. Sur cet album, il y a des orchestrations très douces donc je ne vais pas hurler par-dessus. Et puis j’aime chanter. Quand je découvre d’autres voix ou que j’enregistre avec d’autres chanteurs, j’entends chez eux des choses que j’aimerais pouvoir faire moi-même. Des gens comme Sam Beam d’Iron & Wine, par exemple, qui fait les backing vocals sur House Of Valpareiso.

S'éloigner de là où on vit peut avoir du bon, quand on connaît trop son quartier. Garden Ruins était un voyage sur une autre planète. Et au retour, on est retombé amoureux de notre quartier.

On retrouve également Amparo Sanchez, déjà entendue sur Garden Ruins, pour un duo sur Inspiración. Mais ce n’est pas votre voix qui lui répond, mais celle de Jacob Valenzuela. Pourquoi avoir décidé de ne pas du tout chanter sur ce titre?

Tout d’abord parce que ce n’est pas moi qui l’ai écrite. Cela faisait longtemps que Jacob voulait composer une chanson et nous étions bien sûr d’accord. Mais il fallait qu’il trouve le bon timing avec le groupe et avec le reste de l’album. Et le résultat est très beau et témoigne d’un travail de longue haleine. Nous l’avons enregistrée plusieurs fois, car je ne voulais pas qu’elle sonne trop lounge, mais plutôt qu’elle ose aller vers quelque chose de plus expérimental. Travailler avec Nick Luca nous a permis d’atteindre ce but. Son approche de la musique latino diffère de la nôtre. Nous avions la chanson, mais il fallait quelqu’un avec la clef pour la débloquer.

Cet album ressemble à un mix idéal entre les différentes directions qu’exploraient vos précédents disques. Vous êtes d’accord avec cette idée?

Vous avez raison, oui. C’est comme une cristallisation de tout ce qui fait Calexico. Le précédent album, Garden Ruins, nous a permis de nous libérer en déménageant sur une autre planète. Car l’éloignement peut avoir du bon quand on connaît trop l’endroit où l’on vit. Quand on y revient, on pose un nouveau regard. On retombe amoureux de son quartier.

C’est pour cette raison que vous reprenez Trigger, un de vos anciens morceaux, sur cet album?

Ce n’est pas vraiment une reprise, ni même une réinterprétation. En fait, cette chanson date de l’époque où nous enregistrions Feast Of Wire. En la jouant, nous nous étions rendu compte qu’elle avait des similitudes avec Trigger. Et nous ne voulions pas retomber dans le même type de morceau. Nous l’avons donc laissé entre parenthèses quelques années avant de nous y attaquer à nouveau et de reconstruire autour de la partie de batterie, mélangeant ainsi deux époques. Mais c’est presque normal pour nous. Notre manière de composer n’emprunte pas qu’une direction. Certaines chansons naissent d’improvisations, d’autres se construisent sur le long terme et d’autres enfin vous prennent par surprise.

Ou encore en reprenant les chansons des autres. Comme Dylan qui rejouait de vieilles chansons, persuadé de pouvoir y trouver quelque chose de nouveau.

Clairement. A nos débuts, au sein de Friends Of Dean Martinez, John et moi faisions de nombreuses reprises. Ce qui nous a permis de découvrir pas mal de choses dans l’écriture. Il était même question à un moment d’enregistrer un album de reprises. Mais soudain, nous nous sommes rendu compte que ce n’est pas ce que nous voulions. Nous nous sommes retrouvés en studio et nous avons composé ensemble pour la première fois. Spoke en est le résultat.

Sur scène par contre vous ne vous privez pas de reprendre les chansons d’autres artistes. Qu'il s'agisse d'une "vraie" reprise comme Alone Again Or de Love ou d'une incise comme avec Crystal Frontier qui peut déboucher sur Ghost Town des Specials ou Guns Of Brixton des Clash. C’est une forme de jeu pour vous?

Il nous est également arrivé de switcher sur Love Will Tear Us Appart. C’est un jeu dans un sens, mais aussi quelque chose de spontané. Crystal Frontier est une chanson importante pour nous qui incarne bien cet état d'esprit. Donc lorsque nous la jouons, nous aimons l’idée de laisser la fin ouverte.

Aux Etats-Unis, nous avons le choix entre cinquante marques de céréales au supermarché et seulement deux partis politique au moment d'élire notre président.

En plus d’être une chanson importante pour vous, Crystal Frontier est votre première chanson à être jouée dans l’espace. Comment avez-vous pris cette histoire?

J’ai souri. Et ensuite j’ai regardé le ciel de l’Arizona, rempli d’étoiles, et je me suis demandé où était la chanson. L’idée est venue d’une élue démocrate au Congrès pour l’Arizona. Elle est nouvelle et elle veut tenter des choses, donc nous avons collaboré.

Vous n’avez jamais caché votre énervement face à la présidence républicaine de George W. Bush. A deux mois des élections, croyez-vous au changement qu'est sensé incarner Barack Obama?

Beaucoup de choses intéressantes se jouent maintenant. Mais personne ne changera drastiquement les choses. Ce qui est important, c’est qu’Obama est réellement inspirant pour les Etats-Unis, tant à l’intérieur du pays que pour notre image à l’étranger. De son côté, McCain a sans doute fait de bonnes choses dans le passé et n’est pas un si mauvais candidat, mais il n’incarne pas l’idée de changement, ne serait-ce que par son âge ou sa position conservatrice. Tandis qu’Obama offre de nouvelles perspectives et ramène à lui de nombreux courants de pensées, sans rester enfermé dans une gauche figée. L’idée que l’on peut travailler ensemble, que l’on soit libéral ou conservateur. Notre pays est tellement grand qu’il nous faut nous réunir autour de plus petit dénominateur commun. Ce ne sera pas facile, bien sûr. Mais dans un pays où on a le choix entre cinquante marques de céréales au supermarché et seulement deux partis politiques au moment d’élire un président, c’est important.

Calexico
Carried To Dust
City Slang/TBA

www.casadecalexico.com

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3 x The Coral

Des garçons dans le vent Mais quand on est en Angleterre, la concurrence est rude. Et la barre placée plus haute encore quand on vient de Liverpool.

Un jour il faudra bien reprendre le livre d'histoire de la brit-pop et jouer aux petits révisionnistes. Enlever des lauriers là où ils ont été trop généreusement distribués (Elastica, Stereophonics, Travis), modérer certains jugements (Oasis n'a pas fait que de bons albums, le Pays de Galles est le pays des Manic Street Preachers) ou encore rendre hommage aux méritants mésestimés (le premier Space, les deux premiers Suede, tous les Supergrass sauf le dernier). Et à ce moment-là, il ne faudra pas oublier The Coral, fier représentant de ce que certains nomment la seconde vague brit-pop.

Parce que comme moi, vous êtes sans doute beaucoup à être passés à côté de ce groupe. Certes, peut-être avez-vous vous aussi aimé Shadows Fall première mouture, avant de déchanter à l'écoute d'un premier album à la production moins convaincante (pour Shadows Fall s'entend). Peut-être même, avez-vous lâché l'affaire ensuite sur un Magic And Medecine trop folkloriquement morriconien pour être honnête. Puis vous vous êtes moqués d'un EP prétendument limité, Nightfreaks And Sons Of Beck, qui fit le bonheur des bacs à soldes durant plusieurs années. Ensuite, vous n'avez même pas écouté Invisible Invasion, produit par Geoff Barrow de Portishead (mais vous ne le saviez pas, car vous n'avez pas lu les notes de pochette, puisque vous vous en foutiez de ce disque). Enfin, vous avez fait don de Roots & Echoes (après une distraite écoute) à votre sympathique colocataire, étrangement fan du groupe (allez comprendre). Et puis vous avez vu la lumière.

Alors oui. Oui, j'ai péché! Je suis passé à côté de The Coral. Mais le récent Singles Collection m'a fait comprendre mon erreur. Car comme le dit Saint-Noël Gallagher, c'est "le meilleur groupe de sa génération, d'un bon kilomètre." Euh... oui... bon, n'exagérons pas non plus. Peut-être le meilleur groupe de Liverpool de sa génération, si on veut à tout prix un slogan. Une jolie ville pop d'ailleurs, qui a connu les Beatles, les LA's et donc The Coral. Et il n'est pas trop tard pour apprécier ce songwriting épique, cinématographique et bien torché. D'autres en tout cas n'ont pas attendu aussi longtemps pour en tirer des enseignements (au hasard, The Last Shadow Puppets). Allez en paix, frères popeux. Vous êtes pardonnés.

(Et la semaine prochaine, nous tenterons de voir ce qu'il y a à sauver parmi les nombreux groupes de brit-pop  disparus ou pataugeant dans leur fange, de Menswear à Kula Shaker, en passant par Gene ou Ocean Colour Scene. Ou pas.)

1. Shadows Fall (original) (extrait de Shadows Fall EP)
2. In The Morning (extrait de Invisible Invasion)
3. Jacqueline (extrait de Roots & Echoes)

Bon Iver en session

MySpace sessionne aussi Mais comme c'est Bon Iver, on ne dira rien si ce n'est merci.

Malgré l'abondance de concerts cet automne, en voilà un qui ne posera pas ses valises dans le coin: Bon Iver. Ce qui est plutôt énervant, après le choc magnétique constitué par For Emma, Forever Ago, son premier album. Petit lot de consolation, l'Américain offre nous offre une session, en vidéo et en MP3. La chose a été enregistrée pour la plateforme MySpace. En temps normal, j'aurais pu lâcher une bafouille pour dénoncer la concurrence des sessions qui pululent sur le net, sans doute inspirées par le succès (mérité) des Concerts à l'emporter des amis de La Blogothèque. Mais vues les circonstances et la qualité du showcase offert par Bon Iver, je me contenterai de vous conseiller de le télécharger et de profiter d'un gros quart d'heure de mélancolie légère, de songwriting délicat, de magie subtile. Quitte à regretter un peu plus l'absence d'une étape helvétique dans la promenade automnale de Bon Iver.

Télécharger la session en MP3 (fichier .zip)