Bon pour les oreilles

Leonard Cohen - Old Ideas

Hey man, Amen Quatre ans après son retour sur scène, Leonard Cohen revient sur disque. Et confirme un retour en grâce miraculeux.

Leonard Cohen - Amen

"I love to speak with Leonard / He's a sportman and a shepperd / He's a lazy bastard / Living in a suit"

Le dédoublement de l'ego n'est pas une nouveauté dans l'oeuvre de Leonard Cohen. Comme dans sa vie. A l'image du troublant Famous Blue Raincoat, le Canadien aime à brouiller les pistes. On ne s'étonnera donc pas de l'imaginer dialogant avec lui-même, dans les vers qui ouvrent Old Ideas, douzième album aussi attendu aujourd'hui qu'inespéré il y a peu.

Revenu sur scène il y a 4 ans pour cause de banqueroute à son insu, le musicien de 77 ans n'a jamais donné l'impression de vouloir remplir son tiroir-caisse. Un simple retour au turbin, comme il disait. La beauté en plus. Reste que malgré cette renaissance scénique, on pouvait douter de son prolongement discographique, après les plus que mitigés Ten New Songs et Dear Heather. Mais on aurait eu tort, aujourd'hui comme hier, de chercher dans son passé la grammaire des chansons à venir. "Quand on écrit, on est toujours un éternel débutant", aime-t-il à rappeler. A prendre pour un recommencement plutôt qu'un aveu de dilettantisme.

Déjà, les premiers extraits rassuraient. Et donnaient la foi, "waiting for the miracle"... Une ballade au piano digne de Tom Waits, Show Me The Place. Une autre à la guitare - ce jeu de guitare si unique -,The Darkness. Deux chansons parées des arrangements habituels de Cohen - synthés minimalistes, choeurs féminins, soli surannés - mais sur d'une façon plus dépouillée. Ou mieux dosée. Sans se dénuder à la manière du Johnny Cash des dernières années, le Canadien semblait tout de même chercher l'épure, à sa façon.

Cette alchimie subsiste sur les huit autres nouvelles compositions qui font Old Ideas. Et ne souffre même pas des quelques rares excès de kitsch qui émaillent sa seconde partie (les choeurs sur Come Healing, les sonorités passéistes de Different Sides). Leonard Cohen ne se réinvente pas, mais semble revisiter ses différentes facettes. L'allongé Amen paraît tirer de la cuisse d'Hallellujah pour son titre, mais évoque musicalement un I'm Your Man remis au goût du jour (d'ailleurs on croirait presque entendre "Hey man" plutôt qu'"Amen"). L'aquatique Anyhow concilie ambiance jazzy et sonorités aqueuses à merveille. Et même le poignant Crazy To Love You a des airs de clin d'oeil à un Cohen lointain, celui de la première - et majestueuse - triplette, la six-cordes en bandoulière pour seule arme.

Quant aux textes - si essentiels dans l'oeuvre du poète devenu chanteur - ils ont toujours ce souffle quasi mystique, forts de peu de mots mais au sens imposant. Ici, le pessimisme est souriant, la mélancolie apaisée et la mort, bien présente, acceptée sereinement. Comme il revisite sa musique, Cohen regarde par dessus son épaule avec talent. De quoi donner à Old Ideas des (faux) airs de disque testament. Alors qu'il s'agit surtout de la confirmation d'une renaissance artistique. Comme quoi, les faillites ont parfois du bon.

Leonard Cohen
Old Ideas
Columbia/Sony

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Jim O'Rourke - There's Hell In Hello But More In Goodbye

L'automne dernier, mon coeur a battu à 300 à la minute durant quelques secondes. Jim O'Rourke était annoncé au festival Présence électronique Genève. Mais quelques clics ont suffi à faire retomber l'excitation. L'hyperactif musicien américain ne viendrait pas en Suisse. Ni ailleurs d'ailleurs. Il vit aujourd'hui au Japon et n'en sort plus. Mais signe des compositions que d'autres interprètent pour lui, d'un festival expérimental à l'autre (en l'occurence What Is Cold Is New Again).

Dommage donc. Surtout quand je tombe sur une vidéo de Jim O'Rourke enregistrée à Tokyo, le soir même où Christian Zanési interprétait sa composition à Genève. Un titre magnifique tiré de l'album Bad Timing, véritable bijou de folk instrumental, acoustique et aérien. Pour peu, on voudrait presque s'offrir une chaise à Tokyo, comme dirait l'autre...

Dominique A - Remué

Dominique A - Pères

Comme je vous le racontais la semaine dernière, je n'ai pas découvert Dominique A avec La fossette, un poil trop jeune, mais avec La mémoire neuve. Plus exactement avec le titre Il ne faut pas souhaiter la mort des gens, entendu un soir à Nulle part ailleurs. Ceci dit, l'effet de cette découverte fut sans doute aussi fort pour moi que pour celles et ceux qui avaient écouté en boucle Le courage des oiseaux. Soudain, on pouvait chanter en français, sans tomber dans la variété, ni faire allégeance mimétique aux glorieux anciens (pour faire court, les trois B - Brel, Brassens et Barbara - même si certains disaient que la voix de Dominique A ressemblait à celle de Barbara...).

Reste que malgré mon enthousiasme, rien ne me préparait à ce qui allait venir. Si ce n'est un titre enregistré avec The Little Rabbits et entendu sur une compilation de duos, que j'interprétais comme une mue inquiétante (je parle de la voix, hein). Et puis est arrivé Remué. Le disque du coming out. Ou comment envoyer dans les cordes Barbara, la nouvelle chanson française et le minimalisme, pour crier (on s'entend) son amour de Joy Division et du rock indé.

Remué, donc, disque dur et sans concession, peut-être aussi important pour les années 90 en France que #3 de Diabologum. Exit structures et refrains (enfin, en partie). Exit aussi les ambiances pop. Claustrophobe et étouffant, cet album ne ressemble pas à grand-chose venu de l'Hexagone avant. Et même après. Si quelques morceaux gardent encore les stigmates d'un rock sec, tendu et abrasif (l'inaugural Comment certains vivent, l'un peu poussif Tu vas voir ailleurs) et qu'un single se cache dans sa première moitié (Je suis une ville, presque accueillant), Remué est surtout un trésor de climats brumeux, croisement entre une ambient de son temps (remember le premier Tarwater) et une cold wave dépoussiérée. Dans ce registre, la triplette Exit, Douanes, Ma vieille tête s'impose comme un modèle du genre (avec Rien qu'à voir, également), alliant sonorités synthétiques et organiques (une clarinette obsédante, notamment). Mais ma préférence, aujourd'hui encore, va à Encore et Pères, pour la perfection de leurs textes, dans la sonorité comme dans le sens.

Aujourd'hui, Dominique A reste sceptique sur cet album. Et sur la tournée qui suivit, surtout (je l'avais vu à l'Usine à Genève et garde le souvenir d'un concert à la violence sourde et à la posture autiste rare... mais incroyable). Pour d'autres, comme le webzine "A découvrir absolument", Remué reste un milestone, mieux qu'une référence, jusqu'à le faire réenregistrer par d'autres, plus de dix ans après sa sortie. Réédité ce mois, remasterisé pour mieux coller à l'idée originelle et réparer un mix raté - perso, je garderai les deux versions, même si la nouvelle est supérieure - l'album ne connaîtra sans doute pas plus de succès qu'à sa sortie. Mais pourrait au moins toucher de nouveaux auditeurs, qui l'auraient manqué jusqu'ici. C'est déjà ça.

PS: Je profite de cette chronique pour lancer un appel: est-ce que quelqu'un aurait une copie du très bon documentaire Le morceau caché, consacré à l'enregistrement de Remué et vu une nuit, il y a bien longtemps, sur M6? Sorti sur les bonus du DVD Le rocher d'Acapulco de Laurent Tuel - réalisateur du Morceau caché - mais que personne n'a jugé bon de l'intégrer à la réédition de Remué...

Dominique A
Remué
Lithium

Mars 1999

MixTape #2

MixTape #2 by Bon Pour Les Oreilles on Mixcloud

Pour cette seconde MixTape, je me suis dit que j'allais faire quelque chose de groovy. Parce que j'écoute pas mal de vieux Jon Spencer Blues Explosion en ce moment. Et puis en commençant à aligner les titres, je me suis rendu compte que ma définition du groove ne correspondait sans doute pas à celle du dictionnaire. Et que parmi les différentes choses que j'ai écouté ces dernières semaines, difficile de trouver un fil conducteur. Quoi que...

Voilà donc une nouvelle demi-heure de musique, à travers les années et ma discothèque. Une face-B de Jon Spencer Blues Explosion (hommage à Steve Buscemi?), une autre de Gorillaz (j'ai acheté G-Sides pour ce seul morceau, c'est dire), un classique de Beck (increvable celui-là), un titre rare d'Honey For Petzi, pas mal entendu sur la dernière tournée, le "tube" de CAN (selon moi, hein, d'autres parlent de Spoon), un titre catchy du dernier Black Keys et le titre le plus groovy du monde (selon moi encore, hein), fruit des Stone Roses qui sonnent plus que jamais comme des Beatles qui auraient laissé la lead guitare à Jimy Hendrix. Bonne écoute... en espérant que ça "groove".

(Et pour celles et ceux qui préfèrent emmener la MixTape dans leur poche, sans WiFi, c'est ici.)

Jono McCleery - "J'ai clairement pris une nouvelle direction"

Les habituées et les habitués du Bourg ont peut-être découvert Jono McCleery un soir d'avril 2008. Certaines et certains, moins attentifs, se sont peut-être rattrapés comme moi durant une soirée d'août de la même année, au For Noise. D'autres, enfin, ont peut-être fait sa connaissance l'automne dernier, suite à la parution du très bon There Is. Et pour celles et ceux qui n'auraient pas encore écouté le musicien anglais, l'occasion leur est offerte de se rattraper le 10 février, pour un retour au Bourg, qui promet un concert intimiste et habité.

Quant à moi, je vous propose une interview express avec le musicien, histoire de revenir un brin sur la mue entre Darkest Light et There Is, son évolution d'un folk classique à un songwriting plus composite.

Que s'est-il passé entre ton premier et ton deuxième album?

Après la parution de Darkest Light, j'ai signé chez Ninja Tune, élargi mon spectre musical et écouté beaucoup de jazz et de musiques électroniques. En toute logique, l'enregistrement de There Is s'en est ressenti. Cela a pris du temps et le projet s'est étendu à mesure que nous avancions, jusqu'à devenir quelque chose de très ambitieux, intégrant des instrumentations live, des programmations électroniques et de l'improvisation. J'avais clairement pris une nouvelle direction.

Reste que ton premier album était très proche d'une certaine tradition folk anglaise. Alors qu'aujourd'hui, tu te rapproches plus de la scène folktronica. Comment s'est fait cette mutation?

C'est en partie grâce à Ninja Tune, qui m'a encouragé à travailler avec un producteur electro. Mais c'était également une opportunité pour moi de tenter quelque chose de plus expérimental. Quelque chose qui m'aurait permis d'exprimer mon intérêt pour le jazz et la contrebasse.

Tu as pas mal tourné avec Fink et tu es afiflié au même label que lui, Counter Records. Est-ce que ce sont des influences pour toi?

J'ai toujours été un grand fan des albums de Fink, Bonobo ou Cinematic Orchestra. Donc entrer chez Ninja Tune ou tourner avec eux n'a pas changé grand-chose. C'était juste un immense plaisir de pouvoir être affilié à ces musiciens.

Sur There Is, tu reprends le vieux tube de Black, Wonderful Life. D'où t'es venue cette idée et comment as-tu procédé pour réussir cette reprise?

Durant une tournée, j'ai entendu Wonderful Life avec des oreilles nouvelles, comme si c'était la première fois, d'une certaine manière. Ce qui est très difficile avec ces chansons qu'on a l'impression de connaître depuis toujours. Et j'ai soudain compris le sens des paroles, ce qui m'a donné l'envie d'en faire une reprise. L'idée était de rester proche de la mélodie originale, tout en essayant de lui donner une émotion complètement différente. Je crois que j'y suis arrivé... du moins, j'en suis satisfait.

Vashti Bunyan est présente sur un titre de There Is (Only) et avait déjà contribué financièrement à la production de Darkest Light. Quelle est votre relation avec elle?

Il y a plusieurs années, un ami m'a fait découvrir Just Another Diamond Day, dont il possédait le vinyle. J'ai vraiment aimé ce disque et j'ai eu envie de la contacter pour lui faire écouter mes chansons. J'ai eu pas mal de chance, car au moment où je l'ai contactée, elle était en train de songer à faire rééditer cet album. Par la suite, elle a toujours été un incroyable soutien pour moi, des mes premiers pas sur scène jusqu'à aujourd'hui.